Mario Ficachi

Habría de fundar en 1981 el grupo “Contigo América”. Director teatral y dramaturgo. Estudios de posgrado, impartición de clases en el INBA, concursos en los que ha sido jurado, películas, programas de radio y televisión, giras, participación en la Compañía Nacional de Teatro, exposiciones como fotógrafo, labor de diseñador gráfico, trabajó como funcionario cultural en la UNAM y el Colegio de Bachilleres, etcétera.


XXX ENCUENTRO NACIONAL DE LOS AMANTES DEL TEATRO 2018


XXX Encuentro Nacional de Amantes del Teatro
Por Mario Ficachi
 

Miembro del Comité de Análisis y Testimonio del evento y Vicepresidente del Centro Mexicano de Teatro del Instituto Internacional de Teatro de la UNESCO.
He reiterado en varias ocasiones que no soy crítico teatral. Participo en el Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro con el entusiasmo de un espectador más celebrando la actividad escénica; aprendo de lo que veo, confirmo mis propias convicciones y en mis comentarios intento hacer señalamientos de carácter didáctico con los que considero se puede mejorar cada montaje. Si llego a herir susceptibilidades desde este momento presento mis disculpas. Tengo muy claro el esfuerzo que significa subir el telón por lo que mi aplauso lo tienen asegurado todos los participantes.
 

Adelante pues con mis comentarios:


Dulces Compañías

El XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro inicia sus presentaciones con pie derecho. Oscar Liera (1946-1990) autor de esta obra hubiera aplaudido ver su texto escenificado por la Compañía “Formación Actoral Al Trote” de la ciudad de Aguascalientes. El Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque les ha quedado a su medida. El nombre de la agrupación es muy claro; se trata de jóvenes en formación. Su directora Ivonne Gallegos realiza un trabajo general solvente y en momentos incluso brillante como en la participación de Janetzy Serna dando vida a Nora, la profesora de geografía que será sacrificada por el desconocido al que invita a su casa con fines de una relación sexual. Por cierto que Janetzy hizo un trabajo extraordinario en 2016 interpretando una ama de casa muy graciosa y convincente en “Ni Princesas ni esclavas” de Humberto Robles. Gallegos y Serna logran todas las transiciones que el personaje requiere pero al final la directora pide a su actriz hacer parte de la labor de tramoya con el fin de dar paso a la segunda historia de la obra y es ahí donde se pierde lo logrado. Si la decisión de la directora es que Nora salga del escenario debe hacerlo dignamente sin tareas adicionales que le corresponde a los demás resolver. Pablo Avilés y Martín Munguía cumplen con algunos tropiezos de memoria. Sus personajes requieren de un análisis de más profundidad y de un trabajo corporal más mesurado. Si Pablo Avilés domina el movimiento de sus brazos y no al contrario, su interpretación tendrá la veracidad que su requiere su personaje.
Una reflexión más, Oscar Liera escribió Dulces Compañías en 1996 desde entonces a nuestras fechas los crímenes contra mujeres se han disparado en forma potencial; por otra parte la diversidad sexual y los derechos de la comunidad homosexual en todo el mundo tiene un trato diferente al que se tenía hace 21 años, lo que nos obliga a hacer una lectura y análisis crítico profundo del texto original y pedir asesoría a algún escritor para hacer las modificaciones necesarias. Conocí a Liera en su paso por la ciudad de México y compartí con él un viaje por su estado. Sé que si viviera aprobaría que su obra se actualizara en beneficio de crear conciencia sobre estos temas.
Bienvenido Aguascalientes a nuestro Encuentro. Ya los extrañábamos.
Mario Ficachi


Divorciadas
Reynosa, Tamaulipas ha tenido una presencia constante en el Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro, este año se presenta con una obra del dramaturgo mexicano contemporáneo más conocido en todo el mundo: Humberto Robles (1965). La Compañía “Enlace Teatro” dirigida por Luis Mario Flores y sus actrices Jennifer Carstensen, Anita Quintana y Ángela de León se divierte, y divierten a los espectadores contándonos sus historias. No se requiere de escenografía para ambientar el trabajo, sólo de tres luces cenitales y el vestuario adecuado. Sobresale Anita Quintana interpretando a Sor Simplicia una monja que “cuelga los hábitos” para terminar como empresaria de un bar para lesbianas de la mano de Pafnuncia, otra monja novicia, de quien se ha enamorado. Cada historia es narrada con eficacia y una carga muy peculiar de crítica subrayada por el autor en la que expone sus puntos de vista sobre el empoderamiento femenino y sus debilidades.
El montaje en mi opinión se extiende demasiado. La decisión del director de hacer mutis a sus actrices cada vez que terminan de narrar una parte de su vida y luego hacerlas salir a escena termina por cansar al público quien incluso se adelanta a los gags propuestos por Robles, entre otras cosas  el encadenamiento del final de los parlamentos.
Recordamos con gusto a la Compañía del IRCA dirigida en 2016 por quien hoy nos ha traído la obra “Divorciadas” y que en 2016 nos regaló su excelente “Como si fuera esta noche” de Gracia Morales. Luis Mario Flores presentó, también en 2016 la obra “Amnistía” de creación colectiva.
De Reynosa Tamaulipas se presentó el año pasado la Compañía “Loa Teatro” y no olvidamos la excelente puesta de “Niñas de la guerra” de Berta Hiriart dirigida por Martha Valdivia al frente de la Compañía de Teatro Tomás Urtusàstegui. Por cierto esta última se presentará en el Teatro Julio Castillo  el próximo domingo 14 de enero a las 13 horas.
No dejaremos de señalar que el Teatro en Tamaulipas, particularmente en las ciudades de Reynosa y Ciudad Victoria está teniendo un auge digno de ser estudiado. Felicitaciones por ello.
Mario Ficachi

 

La extraordinaria historia de Nina, la niña come libros
La primera obra para niños que se ha programado en el XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro tiene un nombre del que por malformación personal me causa rechazo. Una obra que se autocalifica de extraordinaria, monumental, maravillosa, formidable, única etc. y que promete la carcajada continua, la experiencia nunca antes vivida o la vivencia que le cambiará la vida al espectador me produce desconfianza. Hay excepciones por supuesto y por ello es que reconozco que se trata de mi persona y no del resultado de la puesta en escena. Su autora Talía Loaria es conocida en el medio como actriz, bailarina y cabaretera y ha fundado la compañía “Cabaret Talía Loaria” que presenta este trabajo calificado como Teatro Cabaret Infantil dirigido a público de niños mayores de 3 años.
El argumento de la obra nos muestra a una anciana que relatará su propia historia, ella fue la niña “come libros” que veremos hacer eso precisamente dado que desea convertirse en la niña más inteligente del mundo y así ganar el amor de sus padres. Según Nina va engullendo los libros se irán presentando los personajes de los mismos así veremos a Don Quijote, a Sor Juana, a Frida Kahlo y a Baldor entre otros; por cierto este último resulta el más simpático y bien interpretado (quizá porque para la audiencia resultaba ser el menos conocido).
En mi opinión la obra está enmarcada en una escenografía ostentosa e inútil: una biblioteca enorme con ventanales que terminan en balaustradas aparatosas. Si la obra prescindiera del 90% de la escenografía cumpliría igualmente su cometido. Por otra parte, en cuanto la dirección escénica, los recursos del “Te persigo por toda la sala” y “Me escondo para que los niños señalen mi escondite” han sido vistos en tantas obras para niños que nos terminan aportando sólo un mensaje: Se recurre a ellos ante la falta de imaginación.
Las actuaciones de Ana Francis Mor como la abuela, Valentina Arias en el papel de Nina y Talía Loaria en sus múltiples personajes cumplen con ganarse la simpatía del espectador; particularmente la de Valentina Arias.
La directora incluye en su elenco algo inusitado digno de señalarse: una traductora al lenguaje de las señas para aquellos que carecen del sentido del oído. Adriana González conoce la obra y nos la transmite con maestría y seguridad a partir de señas. Es tan atractiva su presencia que en mi caso me distrajo totalmente de la historia intentando aprender cómo se maneja tal forma de comunicación. Hay también música en vivo, corre a cargo de Claudia Arellano quien cumple sobrada y profesionalmente con su presencia en el escenario.
Señalo por último un detalle: Nina en realidad come frente a los espectadores pedazos del material con que se fabrican las hostias u ostias (utilizadas por la iglesia católica como la representación del “cuerpo de Cristo”) o lo que conocemos como oblea (la base del dulce conocido como pepitoria), por supuesto que no come papel pero, ¿lo sabe un niño de ente los 3 y los 5 años? ¿Reproducirá el espectador niño la acción que vio en el Teatro con el fin de ser más inteligente? Creo que al final de la obra debiera hacerse una mínima explicación.
Mario Ficachi


Detenidos 
La Agrupación Teatral Cuauphilli de la ciudad de Aguascalientes dirigida por Iván Peñalver presenta en el XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro una obra del autor español Alberto Miralles (1940-2004) en la que diversos personajes (tratados en forma por demás superficial y estereotipada) son llevados a una misma celda sin que para ello se sepa la razón. Un par de carceleros se encargarán de custodiar a los presos y ser a la vez la voz de un gobierno represor, intolerante y dictatorial. Por supuesto que el autor se refiere a la España de los años en los que el gobierno del dictador Francisco Franco decidió todo en la península (1936-1975). Afortunadamente para España y para la humanidad las cosas han cambiado.
Estamos ante un montaje que requiere trabajo de investigación y actualización profundo. Los derechos del hombre han ganado terreno en la sociedad y esto se refleja en todas las actividades incluyendo los procesos carcelarios. Es cierto que vivimos en un mundo en el que el dinero compra todo y que las injusticias están presentes en la vida diaria más aun considerando que en nuestro país “Se es culpable en tanto no se demuestre inocencia” pero también es cierto que existen agrupaciones civiles y abogados especializados en Derechos Humanos que tienen presencia en las oficinas del ministerio público cuya acción ha sido registrada incluso en el famoso documental “Presunto Culpable” (2011).
Peñalver decide no reproducir una celda en su obra pero sí incluir banquitos en el enorme espacio donde estarán los presos mismos que irán moviendo los actores en una coreografía que por repetitiva acaba por causar desinterés. Hace falta, repito, actualizar el texto y definir nuevos intereses para el público de nuestro país; mostrar lo asfixiante que resulta el hacinamiento, denunciar las políticas carcelarias que consideran las cárceles como negocio y otras relacionadas con cada uno de los personajes el transexual y la prostituta por ejemplo.
Mario Ficachi


Los invertebrados
Con un mínimo de elementos escenográficos y apostando al trabajo actoral, Miguel Aparicio director de la Compañía “Teatro Cucaramacara México”, presenta en el XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro esta obra de Sara Pinedo. Ya el año pasado dirigió con gran acierto la obra “Freak Show”.
En esta ocasión son dos los actores y dos las actrices: Jazmín Salguero, Luis Martínez, Haui Monroy y el propio director de la puesta Miguel Aparicio. Sobresale este último en el papel del conductor de uno de esos programas dedicados a los espectáculos y sus hacedores que han cundido en la última década en nuestro país, tanto en la radio como en los canales de televisión. Por su parte las demás actuaciones cumplen debidamente con crear personajes rodeados de un clima de tensión que a la autora se le dificulta dar término.
Renata (Jazmín) dedicada a la realización de cortometrajes y Lucio (Luis) de profesión músico son una pareja en problemas. Lucio engaña a Renata con Paty (Haui) quien resulta una prostituta pagada por la propia Renata con el fin de entretener a Lucio su marido y así ella poder concentrarse en su trabajo. Entre entrevistas y discusiones reiteradas el matrimonio estalla metafóricamente terminando con sus vidas en un accidente automovilístico.
Un trabajo sin pretensiones, sencillo y estremecedor que nos muestra la fragilidad de las relaciones humanas cuando la rutina y falta de creatividad terminan por asfixiar la vida de cualquier pareja.
Bienvenidos los grupos creados en las delegaciones políticas, este en particular de la Delegación Iztacalco de la Ciudad de México.
Mario Ficachi


La vida es una ofrenda
La primera “Pepita de oro” que se presenta en la edición XXX del Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro que en este año se realiza en los Teatros del INBA del Centro Cultural del Bosque: Teatro Julio Castillo, Teatro Orientación y Sala Xavier Villaurrutia.
Se trata de la Compañía “Puro Bolillo Teatro” que hace un par de años presentara esta misma obra dirigida por Adrián Espinoza. Hoy quien la dirige es Isaac Pérez Calzada quien llega a conmovernos en cada uno de los cuadros que la integran. Las escenas nos relatan historias diversas creadas por el propio grupo lo que las hace aun más valiosas. Tocan diferentes temas todos ellos ligados al destino final de cualquier ser humano: la muerte.
Un espacio marcado con flores de Cempasúchil y algunos huacales es suficiente para que los actores y actrices hagan un derroche de excelentes actuaciones para hablarnos de una mujer golpeada hasta la muerte por su celoso y alcohólico marido, una prostituta ilusionada con llegar a la capital que encuentra la muerte con su primer cliente, un boxeador cuya victoria en el ring le dura poco ante un infarto fulminante, una pareja que enfrenta en forma solidaria el cáncer del marido aplicándole eutanasia, un “espalda mojada” que deja su último aliento cruzando el Rio Bravo, un estudiante de Ayotzinapa añorando volver a ver a su hija antes de ser ¿calcinado?
Si algo hay que señalarle a Pérez Calzada es que la presencia de la muerte con texto ya no es necesaria. Es suficiente ver que toma la mano del protagonista de cada historia y lo dirige a cajas.
Daré constancia de los nombres del elenco, alguno de los cuales han integrado el grupo desde hace años: Jazmín Hernández, Liliana Álvarez, Elena Aguilera, Diego Juárez, Gaby Aguilar, Arturo Martínez, Nicolás Urueta, Manuel Flores.
Felicitaciones por esta memorable puesta en escena que llega hasta lo más íntimo de los espectadores, con ella nos recuerda “Puro Bolillo Teatro” que la falta de los 43 estudiantes guerrerenses en un doloroso tema que hace falta resolver. Hay muchos mexicanos que no los olvidaremos.
Será muy interesante ver un nuevo trabajo de tan excelente grupo. Hasta el momento resulta de lo mejor que se ha programado en el presente Encuentro.
Mario Ficachi


La sonrisa en tu vida
“Cronopios Teatro” participa en el XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro con un texto de Edder GR dirigido por él mismo en el que nos narra algunas anécdotas de las Muxes de la ciudad de Juchitán en el estado de Chiapas. Sobre este dato se obtiene la siguiente información en internet:
“En la región zapoteca del istmo de Tehuantepec, se denomina muxe ('mushe') al género que define a una persona nacida con sexo genital masculino que asume roles femeninos en cualquiera de los ámbitos social, sexual y/o personal”
La obra se acerca más al género didáctico que al melodrama. A partir de un encuentro de dos viejas amistades se nos da a conocer tradiciones juchitecas como la de “La vela” y los velorios. Gracias a sus recuerdos un Muxe, Kunaatxi, interpretado por el propio autor/director Edder GR y una prostituta, Jacqueline Saunier, reconstruyen parte de su infancia y los pormenores de su vida como adultos. Mientras el joven Kunaatxi dedicado al comercio de semillas tostadas se asumió como Muxe, su amiga Coral tomó el camino de la prostitución en la ciudad de México. La preparación de ambos actores resulta suficiente para lo que nos muestran sin embargo debieran considerar que sus voces requieres de proyección.
Con un bello vestuario propio de la región y el maquillaje adecuado el grupo aparece para lucirse ante los espectadores, hacer algunas evoluciones dancísticas e incluso obsequiarles pepitas de calabaza, habas y otras semillas en pequeñas bolsas.
Desde la década de los años noventa en el estado de Chiapas se han venido presentando una serie de violaciones a los derechos de los homosexuales y travestis asesinatos que, como en toda la República, quedan sin resolverse. Se trata de un problema que requiere de difusión y concientización. Quizá el momento para hacerlo sea el que este Encuentro de los Amantes del Teatro brinda a grupos como “Cronopios Teatro” pero al menos en el caso de “La sonrisa de la vida” el tema no es abordado. La oportunidad se pierde para dar paso a un lucimiento de tradiciones y vestuario que se reduce a difusión del Folclor chiapaneco.
Mario Ficachi


A las brasas
Los trabajos del Grupo “Teatro Reno” han llamado la atención siempre que se programan en los Encuentros de los Amantes del Teatro. En ocasión de la edición número treinta de este evento, Ray Nolasco director, autor y actor de “A las brasas” toca varios temas relacionados con las relaciones familiares, la educación de los hijos, las redes sociales, la ética, los derechos humanos y la discriminación.
La obra relata en voz de Pablo un descubrimiento. Gracias al teléfono celular de su hijo, Pablo se entera que su hijo adolescente en compañía de su primo ha cometido un asesinato contra una pordiosera que dormitaba dentro del cubículo de un cajero automático. Acto seguido los padres de los muchachos deben tomar una decisión y para ello se reúnen en un restaurante de lujo. El hermano de Pablo, interpretado por el actor Mauricio Moreno, es periodista y opta por denunciar el hecho y renunciar a su puesto en un diario. La decisión resulta el nudo dramático de la obra pues desatará acciones que en cualquier caso afectarán muy seriamente a las familias.
El elenco se desempeña con profesionalismo. Adriana Resendiz en el papel de Carla, esposa de Pablo, nos ha demostrado en varias ocasiones su calidad interpretativa; en 2017, por citar un ejemplo, participó en nuestro Encuentro con el monólogo “Duermen los peces” en cuya obra interpreta a una niña de escasos diez años; de aquella obra hablamos en su momento. Ahora es una madre informada del suceso y determinada a toda costa a impedir que el hecho se haga público, si es necesario recurrir a la violencia. Alejandra Guinea interpreta a Betty esposa de Sergio, el hermano de Pablo. Aunque su participación no tiene el desarrollo que los demás personajes Guinea nos proyecta con eficiencia el tipo de mujer que prefiere acatar las decisiones del “hombre de la casa”. Mauricio Moreno y Ray Nolasco, hermanos en la ficción, resuelven con destreza sus momentos permitiéndonos recordar que en una misma familia dos de sus miembros pueden tener actitudes y trato diametralmente opuestos. Parte del elenco es también Jessica Gámez; a ella le corresponden varios papeles que interpreta creativamente. Lo mismo le toca ser un personaje oriental simbólico de la tragedia que se avecina, que vestirse de eficiente mesera o de un adolescente irresponsable.
Tengo una sola sugerencia para Rey Nolasco, director de su excelente texto y es no depender de cuestiones técnicas en sus funciones. Los errores técnicos que sucedieron en su función del lunes 8 de enero en el Teatro Julio Castillo dispersaron la atención de los espectadores, nos confundieron y movieron a risa involuntaria.
Mario Ficachi


Cosas de muchachos
La conocida obra de Willebaldo López  (1944) ha sido “caballito de batalla” tanto para estudiantes de actuación como para profesionales y por supuesto grupos independientes de Teatro. En esta ocasión la presenta en el XXX Encuentro Nacional de los amantes del Teatro la Compañía Teatral Absit dirigida por Guillermo D. González con la participación de Luigi Morales y Alejandra Sandoval en los papeles de Pedro y Rosa, dos jóvenes estudiantes que escenificarán los momentos románticos propios de su edad, el descubrimiento del sexo, el embarazo no deseado, la relación con sus padres y maestros etcétera.
Mucho ha cambiado la vida desde que el autor escribió esta obra por lo que adaptarla es obligación por parte de quien la monte. La juventud del siglo XXI es muy diferente a la que nos muestra el autor de hace 30 años. Esto debió tomar en cuenta Guillermo D. González, al no ponerlo en práctica obliga a sus actores a mostrarnos acciones que ellos mismos rechazan. El Teatro Julio Castillo les quedó sumamente grande. Los personajes se pierden en el espacio vacío del foro. Su esfuerzo es encomiable porque finalmente nos cuentan la historia que ha escrito el autor pero recurren a repeticiones y exabruptos innecesarios.
La comparación resulta obligada: el director Felipe Oliva logró con esta obra ser premiado por la crítica especializada en la década de los años noventa cuando estrenó su versión en el hoy desparecido espacio Stanistablas. Después la repuso en varias ocasiones en el Teatro Coyoacán Enrique Lizalde de la SOGEM con éxito. Quede pues el referente como un trabajo propio de cualquier agrupación teatral: leer con generosidad pero críticamente cualquier obra de Teatro que estén interesados en montar.
Mario Ficachi


Por cuestiones de trabajo falté a ver las obras que se presentaron el martes 9 de enero: Petición de mano, La historia del tigre y El arte de matar. Por lo mismo no tengo elementos para hacer comentario alguno sobre las mismas.


Pastorela monumental: te pasas de la mancha
La anécdota de las pastorelas es siempre la misma: Los pastores se dirigen a Belén para conocer al niño Jesús; el diablo hará todo lo posible por detenerlos, el Arcángel Gabriel termina por vencer al demonio, los pastores cumplen con adorar al hijo de Dios. Muchas son y serán las versiones que se han hecho de esta historia y muchas seguramente se harán. La Compañía “Mexicanos al grito de escena” de la delegación Coyoacán de la ciudad de México dirigida por Miguel Ángel Morales presenta en el Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro edición  2018 la versión de su director en la que incluye al maravilloso personaje de Miguel de Cervantes Saavedra: Alonso Quijano “El Quijote”, el “Caballero de la triste figura” resolviendo su presencia con maestría. Añade Morales a su montaje a un grupo de bailarines de danza folclórica y una cantante que cumplen con eficiencia sus papeles como pastores.
No omitiré señalar la estupenda producción de la obra. Tanto el vestuario como el maquillaje y la pista sonora son de gran calidad. Esto que parecería normal en cualquier trabajo termina por convertirse en un serio problema para compañías inexpertas. Afortunadamente no es el caso de este grupo.
Para cualquier actor resulta formativo y divertido participar en una pastorela. Uno termina hermanado de aquellos que formaron parte de los demonios o de los pastores. En mi caso fui dirigido por Germán Castillo en la pastorela de Margarita Villaseñor. Nos presentamos con llenos totales en el Teatro Isabela Corona en Tlatelolco. La entrada era libre y sucedió que un grupo no pequeño de jóvenes espectadores vieron todas nuestras funciones, se sentaban en primera fila, repetían nuestros parlamentos y piropeaban a las diablas. Para mí fue una experiencia formidable.,  Estoy seguro que el aplauso que propinamos el domingo 13 de enero en el Teatro Orientación al elenco de esta graciosa e imaginativa pastorela les será inolvidable a Sandra Guevara, Miguel Ángel Messino, Israel Gallardo, Erick Alejandri, Alex Saldaña, Consuelo Chablè, Mildred, Paola Álvarez, Ángel Silvestre Bernal y Yamil, todos ellos bajo la atinada dirección de Miguel Ángel Morales. Felicitaciones.
Mario Ficachi


Curva peligrosa
Edeberto Pilo Galindo (1957) es un reconocido dramaturgo de Ciudad Juàrez. Su tragicomedia “Curva peligrosa” nos relata la historia de tres adolescentes compañeros en la misma escuela secundaria que viven una serie de situaciones propias de los de su edad. Si quisiéramos encontrar un antecedente de este trabajo diríamos que “Cosa de muchachos” de Willebaldo López es probablemente uno de ellos, Si Pilo Galindo consideró la obra de López atractiva para escribir su propia creación lo logró totalmente. Sus tres personajes son atractivos todo el tiempo una chica y dos varones se hermanan a partir de su convivencia cotidiana y su deseo de experimentar la vida misma.
María Magdalena Cruz Alegría dirige la “Compañía Espiral Rehilete” en Cuernavaca Morelos. Sus jóvenes actores encuentran en los parlamentos vivencias propias y así lo proyectan a los espectadores. Las actuaciones son muy dispares pero dentro de sus limitaciones resultan convincentes en tanto la obra va avanzando. No requieren sino de un par de sillas y unas mamparas, las situaciones se van dando y los muchachos las abordan con seguridad.
Será interesante ver en próximas ediciones del Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro a Ángel Hekiwa, Sheila Samai Figueroa y Diego Loreto y constatar sus avances en términos de presencia escénica, dicción y expresión corporal. Ojalá y que nos den la oportunidad de verles nuevamente en el escenario. Muy merecido el aplauso que recibieron en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque. Felicitaciones.
Mario Ficachi.


Bodas de sangre
Una técnica utilizada por los miembros de una compañía es la de analizar el texto de cada personaje para delinear sus acciones, sus motivaciones, sus características en fin, su perfil. Del análisis se va descubriendo si el personaje que interpretaremos es un maleante, un loco, un ladrón, un esquizofrénico, un tipo nervioso, un agresivo, una caprichosa, una ilusionada, vengativa etc.… también iremos teniendo pistas para descubrir una parte del pasado del personaje y sus razones. Lo que vamos aprendiendo en estas sesiones es que no debemos juzgar al personaje sino acercarnos a él con el afán de interpretarlo fielmente. Estas sesiones pueden durar horas y convertirse en complicadas polémicas incluso terapéuticas que nos llevan a conciliar la idea que tiene el autor, la idea que el director de la puesta quiere dejar a los espectadores y la idea que el propio actor o actriz ha de proyectar. Nada fácil es esta etapa del trabajo actoral que por lo general el público desconoce. La televisión no permite el acercamiento del que hablo. El cine sí aunque con ciertos directores puede también obviarse. En los programas de estudio de la ENAT del INBA, las escuelas de la UNAM y algunas de las escuelas particulares que forman actores o directores suele incluirse como contenido el análisis de personajes lo que obliga a estudiar psicología y en ocasiones artículos de sociología, historia y política.
He hecho esta introducción porque al parecer Jacobo Núñez y Mayela Guadarrama Briones directores de la Compañía 16 Teatro de San Luis Potosí hicieron el análisis de los personajes de la obra “Bodas de sangre” del autor granadino Federico García Lorca (1898-1936) y les pareció atractivo mostrar al público alguna de las sesiones que con el fin de descubrir las motivaciones de Leonardo, el padre de la novia, la sirvienta, el hijo, la madre y la novia tienen en la obra. Pero en dichas sesiones les dio a todos por hablar de sí mismos juzgando los parlamentos escritos por Lorca y eso resulta poco teatral e incluso aburrido para el espectador que por cierto no tiene porqué conocer la obra.
Sebastián Acosta, Alex León y Liliana Becerra son actores disciplinados y han hecho un trabajo sincero e incluso arriesgado. Lo que hacen es reproducir la introspección surgida durante ensayos, su enfoque de los personajes y sus razones para rechazarlos (no comprenderlos) en función no de lo que dice el autor sino de sus propias historias.
Será interesante volver a ver esta Compañía del estado de San Luis Potosí en próximas ediciones del Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro. En la presente nuestras expectativas no fueron satisfechas.
Mario Ficachi


The Breakfast Club
Con este título se presenta la Compañía Banana Teatro de Cuernavaca, Morelos dirigida por Adrián Miranda. Una comedia dramática que nos va envolviendo según transcurre y termina por adentrarnos al mundo de una serie de personajes atractivos y reconocibles. Es el mundo de los jóvenes inmersos en sus obsesiones, sus angustias, sus secretos, su léxico, sus historias personales, su incapacidad de entrega, sus reacciones, sus fobias etc.
Joe Berry interpreta a Bruno, un chico estudioso, hoy conocido como nerd. Algo tiene este actor del personaje que interpreta y eso lo hace verídico e interesante. Bruno termina por aceptar que es presionado siempre por su padre para que obtenga las mejores calificaciones y esto lo mantiene en tensión tal que, cuando falla está dispuesto a optar por el suicidio.
Raúl Sotelo interpreta al atleta. La imagen de este actor por el contrario de la de Berry no nos transmite esta condición solicitada por el autor John Hughes (1950-2009) cineasta más que dramaturgo creador de la película que lleva el título de esta obra, el atleta debiera aparecer con pants y mostrar que su pasión (la forzada por el padre) es la de competir y ser el mejor en los deportes.
Kat Romero es una chica calificada de “rara”. Sus acciones lo son y eso atrae la expectativa del público. El personaje se sostiene durante toda la obra lo que la convierte en eje de la misma a la par que Christian Cano que interpreta muy atinadamente a Jon que resulta ser un criminal ---según el programa de mano--- pero que para mi gusto es un rebelde producto de los tiempos en que no se cree en nada ni en nadie. Estos dos personajes son pues dos fichas básicas para que la obra se sostenga.
Maryuri Demesa es Melissa una chica moderna. Clásica “princesa” de las escuelas de paga cuyos padres no tienen el menor interés en atender sus necesidades simplemente la ahogan en dinero convirtiéndola en un ser insensible dañado e inseguro. Con una excelente dicción y expresión corporal Maryuri es sin duda una actriz en formación que podrá insertarse en el medio artístico según sus propias metas. Su diseño de una “Lady” es admirable.
Irving Toledo es “Velasco” un profesor. Mientras Adrián Miranda se preocupó por los tipos de sus personajes jóvenes no tuvo el mismo tino para encontrar al actor que proyectara lo que un profesor en una escuela rigurosa e incluso represiva debe tener. Es decir Irving tiene la misma edad que los chicos a los que reprende y esto le resta fuerza y veracidad.
El trabajo del grupo se sostiene con eficacia, el teatro Julio Castillo les ha funcionado perfectamente, el autor ha sabido diferenciar perfectamente a sus personajes y esto lo ha logrado también Miranda a quien felicitamos ampliamente. ¿Cuál terminará siendo el futuro de estos jóvenes tan distantes y tan cercanos? Se han conocido incluso se han confesado ante los demás y eso los ha convertido en seres humanos frágiles. Unas horas de castigo en el mismo espacio les ha dado la oportunidad de conocerse a fondo. Ojalá todo tipo de estudiantes y sus padres vieran esta obra. Es ampliamente recomendable para las escuelas públicas y privadas lo mismo del estado que de toda la República.
Uno de los mejores trabajos que sin duda se presenta en el XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro.

Mario Ficachi

Salir al mundo y Niñas de la Guerra
Con estos sugerentes títulos veremos a la Compañía de Teatro infantil Tomás Urtusàstegui, y la Compañía Niñas de la guerra presentándose con gran éxito en el Teatro Orientación y Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque respectivamente. Estos espacios y la Sala Villaurrutia son en 2018 sede del XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro. La directora de ambos trabajos es la maestra Martha Valdivia una mujer entregada a la difusión de la actividad escénica en la ciudad de donde es originaria: Reynosa, Tamaulipas. Cabe señalar aquí que contra todo pronóstico de que la violencia haya disminuido en aquel estado los hechos nos muestran una realidad diferente, por ello es tan encomiable y digno de reconocimiento el trabajo que la señora Valdivia de la mano de sus hijas realiza.

“Salir al mundo” da inicio con un cuadro plástico, muy bien montado, de niños cada uno ataviado en forma diferente: un científico, un ciego, una princesa, un viajero… sobresalen dos pequeños de no más de 5 años que interpretarán a un pato y a un changuito. La anécdota es sencilla; un joven ha cumplido los 15 años y decide correr mundo. Un pato se le arrima en su camino y terminará acompañándolo todo el tiempo en cuanta aventura el joven Juan Peregrino se verá involucrado; de esta forma aquel que ha decidido perderse en el horizonte en forma solitaria ahora tendrá que cuidar al pato que resulta la metáfora del hijo que algunos padres tienen o adoptan y a quien se le debe atender. Uno a uno los demás actores irán sumándose a la trama para terminar en el cuadro plástico con que la obra da inicio. Es sorprendente la entrega de estos muy jóvenes actores; su desempeño en las tablas es digno del más entusiasta aplauso. Ellos son; Iker Gael Leal en el papel de Juan Peregrino, Josué Emmanuel Sánchez como el pato Ruper, Alondra Vega en varios papeles, Joslìn Azeneth Sánchez como la señora de la basura, José Manuel Sánchez como el ciego, Dayanah Cano como la princesa, Dahian Cano como el profesor y Yael Eduardo Leal como el monito y niño de la calle. Excelentes todos. Una muestra de las bellas sorpresas que aporta el Teatro a nuestras vidas. 

Sobre “Niñas de la Guerra” hemos ya escrito pues en 2016 se presentó con gran éxito en el XXVIII Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro. Después de dos años han realizado 150 funciones y han elegido su presentación en el Teatro Julio Castillo para que la maestra Isabel Quintanar, presidenta del Centro Mexicano de Teatro y el dramaturgo Tomás Urtusàstegui desvelaran su placa conmemorativa acompañados de autoridades del ámbito cultural de Reynosa en la ciudad de México. El elenco de la obra sigue siendo aquel que nos emocionó hace dos años, fresco y comprometido con su trabajo al igual que el desempeño de su directora Martha Valdivia; las jóvenes intérpretes  son Alejandra Vega Valdivia y Margarita Resendez Moreno. La obra cien por ciento vigente fue escrita por Bertha Hiriart (1950) multipremiada escritora mexicana autora también de “Salir al mundo”. Nuestras más sinceras y entusiastas felicitaciones a los equipos creativos que hacen posible tan hermosos trabajos, vestuaristas, sonidistas, asistentes de todo tipo y por supuesto a los padres de estos actores y actrices en formación que ya dan cátedra de comportamiento y amor al hecho teatral. 

Mario Ficachi


El Payo contra todos y todos contra el payo

Bienvenido nuevamente el grupo “Pura lata Teatro” del estado de México y su muy creativo director Carlos de la Rosa. Ya en 2016 nos mostraron aquella historia de Morelitos y morelianas (Chema y la historia). Hoy suben al escenario del Teatro Julio Castillo para recrear la obra del escritor novohispano José Joaquín Fernández de Lizardi (1776-1827). 

Sin más escenografía que unas cuantas sillas, el deambular de tres personajes en bata nos muestra un espacio de reclusión para enfermos mentales. Los atiende y hace “entrar en razón” una monja con fuete en mano. Aparece un campesino con la intención de ver a aquellos dementes que, después de exhibirse ante él lo terminan incluyendo en su seno como un desquiciado más. 

Divertida farsa excelentemente interpretada por la compañía que el domingo 14 de enero nos regalaron su trabajo en el Teatro Julio Castillo como parte del XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro. Es menester dejar constancia de los nombres del elenco en el que además de ser director está

incluido Carlos de la Rosa como uno de los locos: El Rey, también actúan Gabriela Ortiz como la monja, hace dos años interpretó a la maestra Ramírez, Sergio A. Rodríguez a quien en 2016 conocimos por su trabajo como José María Morelos, hoy es un loco más: El sabio. Carlos Urbano es el loco glotón y con espacial gusto incluyo aquí a Octavio Ortiz en el papel del Payo. Si haber premios especiales en el Encuentro Ortiz estaría a la cabeza como la mejor actuación de nuestro evento. Felicitaciones por divertirnos y ver que el Teatro es un pretexto para que un grupo de locos venidos de ciudad Nezahualcóyotl se diviertan también.

Mario Ficachi


Los monólogos del pene

Poco después de estrenada la conocida obra “Los monólogos de la vagina” de Eve Ensler el director de Teatro Pedro Chuk estrenó en el Teatro Arlequín una versión similar que llevó por título “Los diálogos del pene” eso fue hace 20 años o más. El montaje se acompañaba de música de rock en vivo. No había trama alguna, se trataba de un sketch tras otro, alguno muy ingeniosos. 

El miembro masculino más que el femenino ha sido motivo de múltiples bromas, cuentos de “color subido”, y referencia relacionada con el machismo, con el poder, con la virilidad e incluso como estrategia para denostar candidatos políticos. De esto puede dar constancia el actual presidente de los Estados Unidos de Norteamérica Donald Trump.

En el presente Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro participa la Compañía “La bola de Teatro” de la ciudad de Celaya Guanajuato con “Los monólogos del pene” obra escrita, dirigida y actuada por Carlos Enrique Capetillo Murillo compartiendo el escenario con César Efrén Arredondo e Israel Martínez. Además de sus papeles masculinos cada uno de ellos se trasviste con diferente veracidad y convencimiento propio. Se trata de una serie de sketches más cercanos al cabaret que a la comedia. Quien logra el tono sobradamente es el propio director, su actuación sobresale de la de sus compañeros quienes no se animan a ir a fondo con la propuesta.

Los chistes sexuales se repiten de manera vulgar y sin otro objetivo que hacer reír al espectador, lo que en efecto sucede al principio del trabajo pero que se va perdiendo al igual que la energía de los actores. El vestuario es atractivo al igual que su propuesta de hablar con sus propios miembros, pero de ahí a hacer partícipe al público con preguntas de su intimidad e incluso sacar a bailar a alguna espectadora raya en un exceso propio de los palenques y no de un evento como el que se presenta en el Teatro Julio Castillo.

Mario Ficachi


La culpa la tiene Cyrano

La Compañía Orchestra Artes Escénicas dirigida por Arneth Cohen se presenta por segunda ocasión en el Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro. La primera vez los vimos en el Teatro Julio Jiménez Rueda, en esta ocasión le corresponde ser programados en el Teatro Julio Castillo uno de los más importantes de la ciudad de México. Se lo merecen. El público les aplaudió su trabajo de pie y esperó verles en el vestíbulo para fotografiarlos y fotografiarse con ellos; ahí mismo se escuchó en coro “Temporada-Temporada-Temporada” Lo que sería muy interesante que sucediera pues el grupo viene de realizar una temporada exitosa en el Centro Cultural “El Foco” de la colonia Roma. Sabemos que la programación del INBA se hace con anticipación y eso no sería posible este año pero si se presentara una solicitud fundamentada para ser considerados en 2019 quizá tuvieran una respuesta afirmativa. 

El elenco está en un momento sorprendente de calidad y dominio de sus personajes principiando por Mariela Romo que es el eje de una sesión terapéutica ante enfermos de amor. Cyrano, uno de ellos, interpretado por Gilbràn J. Cohen ha recibido ya reconocimientos por su excelente participación. No lo es menos Maximiliano Zalce, el Lobito, Christian Álvarez en el papel de Romeo, Francisco Toledo como Don Quijote, Gabriel Aranda en el papel de Otelo, perdón, Otilio (chiste particular); Alicia Reyes como el niño Bisquet, Manuel Salvatierra, impresionante y efectivo como Edipo y las bellezas de Nicole Islas y Alejandra Mendoza como Roxana y “la mujer que está en todas las mujeres” respectivamente.

Una Compañía independiente que se ganó a pulso el aplauso que le prodigaron los espectadores el pasado domingo 14 de enero y que merecería ser apoyada por el Gobierno del Estado de México, ya que están ubicados en Cuautitlàn

Izcalli. Mis felicitaciones a todos sus integrantes. Estoy a la expectativa de verles en un nuevo montaje. 

Mario Ficachi


Sin título (Sonata para dos actores)

Una obra de Aureliano Castillo León (1989) interesante iniciando porque en efecto se trata de la ausencia de un título, pero de un título académico. La trama nos relata los obstáculos a los que se enfrenta un padre para que se le entregue el título de licenciado en derecho (con honores) de su hijo que, como tantos jóvenes en nuestro país, está desaparecido o quizá muerto.

Dos son los actores: Alberto Menéndez que interpreta al padre e Iván Mar, el burócrata chapucero que “cumple fielmente con su trabajo”. Menéndez ha logrado mostrarnos a un hombre de cierta edad con achaques propios de la misma, incluso llegó a raparse para aparentar más edad, lo cual habla de su compromiso actoral, pero la debilidad de un anciano no se ve según avanza la obra. Señalo por lo que respecta al joven Iván Mar que su actuación es mesurada y creíble.  La historia puede ser verídica excepto por el final que nos pareció dramáticamente tramposo: el padre toma como rehén al empleado que le ha negado el documento y termina acribillado por la policía. Hemos visto este final repetidas veces en películas en las que los secuestros son masivos y las circunstancias están relacionadas con actos criminales de enorme trascendencia.

Excelente dirección del propio autor excepto por ciertos trazos escénicos que terminan por confundir al espectador.

La Compañía Nátura y Ficción apuesta por un texto original interesante, un tema vigente con objetivos claros y manejo de actores que crean personajes. Todo ello es plausible. Será interesante verles nuevamente. Por lo que respecta a su participación en el XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro merecen nuestro aplauso y reconocimiento.

Mario Ficachi


Memorias con Sabines

La sola idea de recordar a Jaime Sabines (1926-1999) importante creador literario es suficiente para felicitar a la Compañía de Repertorio Teatral del Instituto Irapuato. Su propio hijo Juan Sabines Córdova escribió la presente obra que dirige Roberto Rivero Barquín.

El problema de incluir videos en nuestro trabajo teatral y hacer depender el tránsito de los actores a partir de las proyecciones puede resultar perjudicial para el trabajo en conjunto. Rivero elige el camino de este tipo de recursos y provoca humor involuntario, confusión y distracciones innecesarias. ¿Cómo se relacionan los personajes que están en la proyección? ¿Es necesario mostrar video de lo que fue la ciudad de México en tiempos de Sabines? ¿Las caricaturas están a la altura del tema? En mi opinión ninguno de los videos cumple cabalmente con su cometido. El recurso debe ser evaluado.

La poesía de Sabines es conmovedora en muchos sentidos. Su vida privada, poco conocida es interesante. Haber mezclado estos elementos por parte de su hijo sostiene sin duda la obra; la entrega del elenco es sincera y sus participaciones están bien conducidas sobre todo en las escenas finales en las que los hijos del poeta le visitan en sus últimos momentos para despedirlo.

El XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro presentan dos obras relacionadas con la poesía: la presente y la que el que esto escribe ha dirigido sobre Guadalupe Amor. Rescatar la palabra es quizá la tarea actual del Teatro. 

Nos agradó particularmente la presencia del autor en la función que nos obsequiaron en el Teatro Julio Castillo. Gracias por ello.

Mario Ficachi

Almas gemelas

Tres historias muy bien escritas por Emilio Urióstegui presenta la Compañía “Teatro bajo tu piel”, en el XXX Encuentro Nacional de Amantes del Teatro; el autor dirige a un elenco profesional en todos sentidos, Ernesto García, Luis Ibarra y Carlos Osnaya.

Con recursos mínimos, suficientes Urióstegui resuelve eficientemente el lugar de la acción, una mesa y dos sillas en un restaurante o mezcalería (así como

hay taquerías torterías, vinaterías, pizzerías y cantinas ahora hay mezcalerías, pues está de moda ingerir mezcal. La especialización en el comercio nos obliga a estar pendientes de estas peculiares ideas). Lo único que recomendaría al director es colocar un anuncio del lugar más grande pues el que coloca en el cortinaje resulta demasiado pequeño.

Ernesto García abre la obra, la historia del hombre que hace planes para dar a luz y que busca un alma gemela para compartir su vida es original sin duda. Esa alma es quizá el mesero que le ha atendido. Un trabajo tanto de García como de Luis Ibarra merece el aplauso propinado por los espectadores. El tono de la comedia fina no es sencillo y ambos actores dan cátedra de ello. 

El mesero es interpretado por los tres actores en las diferentes historias, se trata de Lucho, amable y eficiente aunque poco discreto pues termina relacionándose quizá demasiado con sus clientela. Los personajes femeninos resultan sorprendentemente verídicos, en particular felicito la interpretación de Carlos Osnaya. Tuve que cerciorarme del crédito correspondiente en el programa para asegurarme que veía a un hombre travestido.

Emilio Urióstegui es conocido por el público asistente a los encuentros que el Centro Mexicano de Teatro organiza cada año. Resaltaré dos de sus puestas en escena anteriores: “Historias a la luz de una tumba” y “La casa de Bernarda Alba”. Mis felicitaciones por su participación de este año.

Mario Ficachi

Freak Show

“Mucho Mundo Arte” es el nombre de la Compañía dirigida por Sergio González. La autoría de la obra es del argentino Martín Giner. El elenco está constituido por Gloria Chona una presentadora de circo simpática, con presencia escénica y proyección de voz admirables (resalto el detalle de la proyección de la voz debido a que su falla está resultando una constante entre algunos de los actores del presente XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro), Josué Martínez y Alejandra Lay que interpretan a los amantes inmersos en momentos reiterativos de atracción y rechazo. 

En mi opinión mostrar la obra sin cortes resulta agotador tanto para los espectadores como quizá para el elenco. No es necesario un preámbulo tan largo por parte del presentador (presentadora en este montaje) ni las repeticiones de ciertas acciones y el recuerdo constante que nos hacen en torno a una maldición ancestral que impide a Cecilio relacionarse con cualquier mujer so pena de morir en el intento. Habrá que cuestionarle al director si en verdad los personajes tienen que parecer muñecos o si su vestuario debe incluir una monumental llave para darles cuerda. Además de ser un estorbo terminó por rompérsele al actor en la función que vimos en la Sala Villaurrutia el pasado martes 16 de enero. Una cosa más: intente la Compañía resolver la escena del puente sin tener que colocar un ridículo puentecito en proscenio sino confiando en la ficción y la imaginación de los espectadores.

El amor salva a los amantes-títeres. Es la conclusión. Lo que no deja de repetirse en historias ya conocidas.

Mario Ficachi


Lo que el perro nos contó
 
Resulta muy grato ver en el escenario a actores-amigos a quienes admiramos y queremos incluso con quiénes compartimos historias. Por esas razones es complicado tener objetividad en cualquier comentario que hagamos sobre su trabajo. Dicho esto señalo respetuosamente que su función del pasado 17 de enero en la Sala Villaurrutia como parte del XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro no cumplió con las expectativas creadas.

Su idea es excelente: dos perros que duermen cobijando la tumba de Miguel de Cervantes Saavedra autor de tan importantes obras literarias en nuestro idioma deciden comentar algunos pasajes de dichas creaciones. Pero les hizo falta una tercera mirada, “un tercer perro” el de la dirección escénica.

El mejor momento resulta cuando los actores son apoyados por una máscara y algo de utilería. Entonces el Teatro (con mayúscula) nos emociona y reconocemos la calidad artística de nuestros amigos. 

Hacer partícipe a un espectador para leer cualquier texto es riesgoso y más si el texto es complicado y largo. Ignoro si el espectador elegido participó en ensayos, me pareció que no fue así, en todo caso repito que hizo falta la mirada y decisiones de un director o directora de escena.

Bienvenidos Teresa Valenzuela y Manolo Villalpando al juego que tanto nos gusta: estar allá arriba en las tablas. Sus hermosos perros han de darnos mejores momentos. Por cierto ambos actores/autores/productores/directores han formado la Pandilla Teatral “Pocas pulgas” y el género de su trabajo es guau-pachoso.

Con cariño incondicional.

Mario Ficachi


Para hacer un poema

De la escuela Andrés Soler de Arte Dramático se ha programado esta obra cuyo título no le es muy agraciado pues prepara al espectador a un trabajo didáctico aburrido. La sorpresa es grande, se trata de algo muy alejado al aburrimiento y muy cercano a la estupefacción.

Sagrario Cueto ha seleccionado escenas del Teatro Universal y las ha adaptado e hilvanado inteligentemente para captar el interés del público. Así vemos desfilar a jóvenes que han optado por la carrera de la actuación dispuestos a interpretar lo mismo a Federico García Lorca que a Strinberg o a Oscar Wilde. Son actores en formación asombrosamente preparados, disciplinados y conscientes de la diversidad de sus personajes. Tienen dicción y expresión corporal coordinados. Tienen clara su participación y en pocos minutos crean personajes nada sencillos.

El XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro da la bienvenida a la Compañía Teatral Andrés Soler y espera verles de nuevo.

Dejo aquí constancia de un excelente trabajo escénico logrado gracias a Eduardo Flores, Daniel Fuentes, Jeaninne Valrosa, Monserrat Gómez, Matilde Castañeda, Viviana García, Aarón Moreno, Agustín de Jesús, Jaqueline Hernández dirigidos por Sagrario Cueto a quien le proponemos respetuosamente otro título para su obra: “El riesgo de ser otro” y le pedimos cumplir con la parte didáctica incluyendo los autores elegidos y sus obras, en el programa de mano, de esa manera no sólo difundimos corrientes estéticas sino a sus exponentes.

Felicitaciones

Mario Ficachi


Canción rota para un perdedor fortuito

La Compañía Bajos Fondos dirigida por Benjamín Bernal presenta en el XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro a Arturo Amaro en un monólogo escrito por el mismo actor.

Es conocido aquello de que el hombre que expira ve pasar pasajes de su vida en segundos. Así el personaje que vemos “despierta” de una cruda fenomenal y nos relata uno a uno los pasajes más importantes de su existencia; aventuras amorosas, relaciones familiares, platillos preferidos, amistades, viajes, percances, empleos etcétera. Todo ello parece no tener razón en el tiempo y espacio incluso puede parecernos que la obra es incoherente y su verdadera trama inexistente. Al final de su travesía el personaje admite estar muerto.

Arturo Amaro es conocido como dramaturgo por su obra “Bonanza” que en diciembre pasado cumplió 5200 representaciones. Es director de un foro en la Colonia San Rafael (cerca de la estación San Cosme del Metro) donde presenta obras de Teatro Escolar. En mi opinión “Canción rota…” es un trabajo que puede presentarse como Stand-up sin escenografía alguna y con los cortes que el formato requiere. Habrá que poner en práctica demasiados cambios ¿Se tomará en cuenta lo propuesto? No lo creo, pero es mi mejor intención hacer estos señalamientos a mis amigos Bernal y Amaro.

Mario Ficachi


Don Juan Tenorio

La educación debe incluir actividades artísticas en todos los niveles. Cuando me refiero a todos los niveles no excluyo posgrados, maestrías, doctorados y todos los que se inventen en las universidades. Es un crimen alejar el arte a niños jóvenes o adultos “incompletos”. La belleza de la vida radica en saber ver, saber sentir, saber imaginar, saber apreciar los productos culturales. Otra sería la existencia universal si los pueblos tuviesen la educación artística como prioridad y me refiero particularmente a los pueblos latinoamericanos. No hay mayor tesoro en México que su legado artístico, quien lo sepa apreciar entenderá mejor a los pueblos originarios, entenderá mejor a sus poetas, a sus tradiciones y a todos los creadores de las artes escénicas. Pero, como eso es una inversión a largo plazo referido a la palabra Educación, que sólo sirve para que los políticos se llenen la boca de discursos, se deja para nunca. Un nunca que debiéramos anular. Qué bien que muchos comparten mi posición sin que para ello necesitemos organizar costosos congresos, doctos seminarios, foros y reuniones interminables. Comparte esta postura lo mismo

Martha Valdivia con su Compañía Tomàs Urtusàstegui en Reynosa Tamaulipas que América Islas y Ulises Martínez directores de la Compañía “Los poetas muertos” de la Delegación Tláhuac de nuestra ciudad y muchos otros preocupados en serio por lo que sucede en nuestro herido México.

El texto de José Zorrilla tiene una lectura estupenda entre el elenco de esta Compañía de niños de no más de 13 años. Un Don Juan Tenorio para todo público actuado por niños. Un verdadero deleite.

Le propongo a esta Compañía trabajen un texto escrito para las edades de sus actores con una historia que toque temas relacionados con sus intereses; estoy seguro que terminarán teniendo un producto excepcional, por lo pronto celebro su decisión de ser programados en este XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro.  

Mario Ficachi


No hay ladrón que por bien no venga

El mundo lamentó recientemente la muerte de este italiano gigante de las letras Premio Nobel de Literatura 1997: Darío Fo (1926-2016). Desde que la UNAM produjo y estrenó “Muerte accidental de un anarquista” dirigida por José Luis Cruz el autor se ganó todo el interés del mundo artístico de nuestro país. Con un humor poco visto en el Teatro Universal Darío Fo escribió esta obra en 1970 resultando su obra más conocida y montada.

La puesta en escena de “No hay ladrón que por bien no venga” tiene el ritmo que requiere una comedia de enredos. Su director Lic. Erick Fernando Estrada Ramírez al frente de la Compañía Mixton, ha comprendido lo importante que es el uso de un teléfono en escena… es decir de un teléfono fijo. Lo que no le funciona es la comprensión y uso de un reloj de pie que debiera incluir una caja donde el péndulo va y viene y que formó parte del mobiliario aristocrático del siglo XVIII y XIX. ¿Podría encontrar algo que lo sustituya? Yo creo que sí, Darío Fo estaría contento de que sucediera en tanto se respetara su intención de servir de escondite; un tambor, un ataúd, un refrigerador, un piano, un ropero, una vitrina… Lo que no se vale es poner la foto de una carátula de reloj y colocarla en una silla cubierta por una tela negra. Este tipo de cosas abarata cualquier puesta en escena y la coloca como estudiantil.

El elenco cumple con la comedia aunque con serios problemas de dicción. El público siempre agradecerá que lo mantengan en risa continua pero el grupo Mixton debe exigirse mucho más si hacer Teatro es su cometido. 

Bienvenida la ciudad de Querétaro al XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro. Estaremos pendientes de su próxima presentación y constatar si acaso alguno de nuestros cometarios les ha sido de provecho.

Mario Ficachi


La casa de las amapolas

En este montaje hemos hallado la “Pepita de oro” que es tan deseada en el XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro y en todos los Encuentros desde hace 35 años (recordemos que durante 5 años el ahora Encuentro tenía nombre de “Seleccionadora”).

La dramaturga, actriz y directora de “La casa de las amapolas” es un verdadero talento en las letras y en la actividad teatral. Se trata de Eunice de la Cruz; su Compañía “La Comuna Teatro” de Tepic Nayarit, integrada en este montaje por Humberto Rochez interpretando a “La morsa” y Zay Negrete la “madre de Inés” han comprendido el realismo propuesto por la autora en forma minuciosa y detallada. 

No se requiere sino la entrega de tres actores, una mesa, una silla y un catre para que el Teatro “baje” como decía el maestro Juan José Gurrola. Claro que sucede. La historia es la de una más de tantas mujeres de la República que son raptadas para convertirlas en carne de prostitución en algún punto de nuestro territorio. Inés, el personaje interpretado por Eunice de la Cruz hace una reflexión: “nadie la recuerda ni visita el día de su cumpleaños” ha pasado por cuanta violencia podamos describir al igual que sus compañeras en un putero llamado “La casa de las amapolas”. Con marcado tinte poético el texto nos lleva de la mano para comprender lo que se reconoce como “Trata de personas”. Inés logra su liberación, gracias a ello se dedica a lo que se le antoje y con quien elija, puede entonces sentarse tranquilamente en su cuarto para festejar su libertad el día de su aniversario. 

Un trabajo conmovedor que impactó a los espectadores que no dejaban de aplaudirles en el Teatro Julio Castillo de la ciudad de México. Una de las mejores propuestas que hasta ahora hemos visto en el Encuentro. Gracias por visitarnos desde Nayarit.

Mario Ficachi


Catalina la mujer que trajo la lluvia

Toca el turno a Cuautla Morelos. La Compañía Máquina Teatro de Cuautla allá es dirigida por la joven Yanet Lupercio Luna. Estamos ante una comedia del conocido autor Alejandro Licona (1953) en la que juega con temas de género, honor, violencia y amor con la maestría que le caracteriza.

Alonso es en realidad Catalina quien se compromete a defender a Rosalina por los caminos a Santiago de Querétaro en el México del siglo XVII cuando aquellos caminos estaban aún poblados de los residuos de los grupos otomíes dedicados a vengarse de los mestizos que osaran por ahí transitar. Rosalina se enamora de su protector después de una serie de aventuras en las que toman parte lo mismo jugadores de baraja que asaltantes y rijosos de taberna.

La historia llega a alargarse demasiado pues se repite la entrada a una taberna y su correspondiente pelea o asalto en demasiadas ocasiones. Lo que tiene por supuesto arreglo.

Mucho hay que agradecer en esta puesta en escena: el texto mismo que tiene multitud de guiños al público y una interesante trama no actual sino de las llamadas “de capa y espada”; la producción de los telones, el vestuario, las actuaciones de todo el grupo, la utilería y mobiliario. Todo apunta a un trabajo impecable que requiere en mi opinión como he dicho revisarlo para que su duración no se extienda demasiado. 

Tengo que reconocer que me perdí la razón por la que Catalina es llamada “la mujer que trajo la lluvia” seguramente me distraje o el dato queda perdido entre las acciones de los protagonistas. 

Muy contento debe estar Licona por la entrega y dedicación a su texto hecho por esta profesional Compañía.

Mario Ficachi

Porfi ando ando

La Compañía “TAAF on Stage” con Ecos del Lìdice Producciones dirigida por Mary Carmen Pérez nos presenta esta obra de Marc Perf inspirada en las películas del cine mexicano que tocaron los temas de las tiples, el Teatro de Revista, las canciones y personalidades de los tiempos de Don Porfirio.

La obra hace uso del audio de alguna película; este tipo de recursos tiene consecuencias graves porque el público deberá imaginar que lo que se dice está relacionado con lo que verá y esto es complicado en la medida que el audio es incomprensible.

Si el espacio donde ha de desarrollarse la acción es un camerino, el de una diva, y queremos reconstruirlo de los de antes o los de hoy en día debemos conocer los camerinos. Eso es posible viendo fotografías o visitando algún Teatro que los conserve. ¿Cual? Me preguntaría la directora, mi respuesta sería: el que ve usted en las películas que recrean la época, si bien algunos tenían un espacio para recibir amistades o fanáticos (o pretendientes) nunca estaría el sillón tan alejado de una cómoda y esta tan lejos de un paragüero o sombrerero. ¿Y un espejo? ¿Dónde quedó un espejo para que la primera actriz compruebe que el maquillaje es el adecuado? El espacio del Teatro Julio Castillo no tiene que usarse completo de extremo a extremo si lo que queremos es reproducir un camerino. Lo lamento pero si lo primero que oímos nos desconcierta y lo primero que vemos es un desorden de mobiliario que puede recordarnos una bodega pero no un camerino, la cosa pinta para mal.

Salva la obra la actriz Alondra Salazar que interpreta a la diva Juli Barcelli. Crea su personaje y nos lo proyecta con miradas, guiños, muecas, expresión corporal adecuada, dicción perfecta, maquillaje, peinado y vestuario correctos. Mis felicitaciones, su humor en escena nos recuerda al de Carlota Solares (“El terror de los hogares”).

La anécdota de que la diva ha perdido la voz se desvanece y olvida al poco rato de iniciada la función, el interés cambia por la llegada de Don Porfirio y su comitiva que resulta una mentira. Se incluyen melodías de Sarita Montiel (pudiendo recurrir a la música mexicana de la época), entran y salen personajes injustificadamente y lo que inicialmente prometía ser un trabajo

que nos recordara el trato de las tiples con su público y algún número de la propia diva se va perdiendo hasta desinteresar al espectador.

La idea de hacer un trabajo de época será siempre bienvenida pero presenta problemas que obligan a una investigación profunda, conseguir vestuario adecuado para todos los actores, mobiliario que responda al momento y por supuesto música apropiada. Este trabajo de Porfi Ando Ando no lo logra.

Mario Ficachi


Nine

El XIX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro cerró en 2017 con esta magnífica obra que representó a nuestro país en el Encuentro de Teatro Amateur que el país de Mónaco organiza cada dos años en Europa. Para mi gusto la Compañía “Mom Stage” dirigida por Diego Cortés se ha mantenido en el mismo nivel de calidad que le vi el año pasado.

El musical sobre la vida de Guido Contini (Federico Fellini) vuelve al Encuentro Nacional de los amantes del Teatro en su edición XXX. La obra está relacionada con la película del mismo nombre y reproduce algunos de los bailables y canciones propuestos por su director Rob Marshall en 2009. Entre los personajes que vemos está el propio Guido-niño interpretado en forma sorprendente por el jovencito Santiago Gómez, también está la madre de Guido (que en la película fue interpretada por Sofía Loren) Patricia Fernández quien ciertamente da un aire a la belleza italiana, en fin todo el elenco principiando por el actor Federico Di Lorenzo (en el rol protagónico de Guido) cumple sobradamente con su parte. 

En mi opinión haber recortado la mitad de la obra no le favorece en absoluto. Entiendo que se trató de una condición para asistir a Mónaco, pero es una pena que no se conserve la obra tal como la dieron el martes 31 de enero de 2017 en el Teatro Julio Jiménez Rueda. 

Felicito a todo el elenco de Nine y particularmente a su director; le aseguro que ya causa gran interés entre los espectadores ver su próxima producción en 2019.

Mario Ficachi

Mujeres rotas

Estamos ante un montaje calificado como Teatro Performativo de creación colectiva. El tema es la violencia de género. Particularmente la violencia en contra de la mujer en nuestro país. Desde la entrada del público se entiende que lo que se verá está relacionado con el tema; una grabación pulcra y clara nos informa de opiniones diversas también relacionadas con la violencia a la mujer, además el Teatro Julio Castillo se vio poblado de cruces sencillas colocadas en las butacas con leyendas alusivas. 

Resalto algunas escenas que por su factura me parecieron mejor logradas con un objetivo claro y estéticamente impactantes:

1) La escena inicial donde todos los participantes usan peluca, corsé, tacones y media máscara.

2) Los diálogos entre familiares y amigos donde ya aflora veladamente el mal trato a la mujer y también al hombre.

3) Escena de la boda con comentarios de las asistentes.

4) Escena de desnudos que principia con los actores envueltos en papel celofán.

5) Escena de todos los actores en el piso reconstruyéndose a partir de una música estridente.

La Compañía “Corpus Luna” dirigida por Belem Magaña Almaguer lleva casi un quinquenio presentando esta obra en diferentes foros. Hoy se han programado en el XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro. Su propuesta es atractiva y bien desarrollada. Mi única sugerencia a la directora es que selecciones los videos que en efecto hablen del tema y tengan la calidad que mantiene su elenco en el escenario. Piense que Menos es Más.

Mario Ficachi

La oscura raíz del grito

Con este hermoso nombre Paloma Mireles directora de la Compañía “La sangre de las musas” hace acto de presencia en el XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro en esta ocasión en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque.

En 2016 Paloma Mireles y su compañía nos presentaron “Camile Claudell” adaptación de la obra original de Hugo Hiriart. En esta ocasión la selección de material es sobre varias obras del poeta español Federico García Lorca (1898-1936). La escenografía se limita a algunas telas blancas dispuestas de techo a piso por donde aparecerán los personajes lorquianos y una sombra del propio escritor que nos va anunciando las escenas y alguna anécdota de las mismas; así veremos a Mariana Pineda, a Bernarda Alba, a Yerma, a los personajes de Bodas de sangre.

El elenco está integrado por Alejandro Adame, Adriana Navidad y la propia directora. Algunas escenas corren con mejor suerte gracias a la presencia de la joven actriz Adriana Navidad que interpreta lo mismo a una mujer del pueblo que a Yerma, a Adela y a la novia de Bodas de sangre. En todas sus participaciones se advierte la comprensión profunda del texto y una entrega particular que el público siempre agradecerá.

Al joven Adame le hace falta dominar sus nervios cuando lee los textos que van enumerando las escenas. Como bailarín y en su carácter del personaje de Pepe el romano es convincente y su parte como Juan está mesurado y cumple debidamente.  

Ser la directora, co-autora y actriz en esta puesta hace que Paloma Mireles tenga un desempeño irregular. Requiere de la ayuda de una mirada externa para señalarle sus errores por ejemplo, elegir cubrirse la cara con un manto es un recurso bien utilizado en tanto se respete lo propuesto, si opaca la proyección de su voz entonces debe subir su volumen y no modificar la imagen de su personaje. En su interpretación de Bernarda, Mireles ha olvidado que las españolas guardan luto total ante la muerte de sus seres queridos (esta costumbre es la misma en 1936 y 2018 en muchos pueblos de la península) por lo mismo no debe usar un manto rojo con fleco rompiendo con la sobriedad y lo austero del personaje de Lorca.

Subir el telón no es cosa fácil. Paloma Mireles y su elenco lo han hecho, se merecen los aplausos que los espectadores le prodigamos. Ojalá atienda alguna de las sugerencias que respetuosamente le hacemos.

Mario Ficachi

Historias de ciudad, volumen uno

Vicente Ferrer ha escrito este volumen de historias y, como tantos otros autores (yo mismo) se anima a dirigir su texto en tono ligero como lo exige el género de la comedia y en tono grave el drama de la última de sus escenas. Cuenta con un elenco muy interesante: Juan de Dios Mastachi y Xilonen Yumei protagonizan la primera historia “Sin barba y sin bigote por favor” con acierto aunque con voces veladas o cansadas, supongo que por haber ensayado siempre en un espacio reducido y encontrarse con un espacio como la Sala Villaurrutia a teatro lleno los impactó resultando que sus voces parecieran opacas. No es el caso de Jhovanni Raga y Sussana Vidal elenco de la segunda historia “Cuarto con vista al mar, a la luz de la luna” muy simpática por cierto. Sobresale la actriz vestida de novia lo que impondría que el recién casado se presentara de negro, al no ser así, la historia estéticamente pierde fuerza. El drama “La furia” es el menos afortunado de la obra. Elías Cuenca y Jessica Espinosa se hacen cargo de Orestes y de Adriana, personajes que requieren de cambios emocionales profundos que nunca suceden. Un trabajo de dirección fallido lo que demuestra que Ferrer tiene facilidad para escribir y dirigir comedia pero no tanto para el drama.

Bienvenida al XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro la Compañía que opta por el mismo nombre de su obra, “Historias de Ciudad” ¿veremos el volumen 2 en 2019? Ojalá y sí.

Mario Ficachi.

El Rey se muere

Todos los montajes considerados profesionales van dándole un perfil de gran altura al Encuentro Nacional de los amantes del Teatro. La presencia de Renato de la Riva y su Compañía Los Renatentistas suben al escenario del Teatro Julio Castillo y dan constancia de lo expuesto Renato de la Riva es un admirador del Teatro del absurdo y conoce muy bien los recursos que lo llevan a buen puerto. “El Rey se muere” es un texto de Eugene Ionesco (1909-1994) dado a conocer en el lejano 1962. Justo porque está escrita para un público (el francés) que defendía su presencia en el Teatro, su tiempo para la lectura y la nueva música, su descubrimiento de un nuevo cine experimental; un público que miraba con recelo la televisión y con cierta nostalgia los albores del nuevo siglo, justo por eso es que Renato debiera quedarse con lo mejor de la obra y recortar escenas y textos repetitivos que la alargan sin más aporte que la redundancia. El público actual, diré una obviedad, no es el mismo de hace casi sesenta años. Las ciudades nos han impuesto un ritmo de vida al que deben responder todas las actividades del ciudadano. Recuerdo que una ocasión pregunté al maestro De la Riva si le gustaba el Micro-Teatro (el formato de obras cortísimas de 15 minutos para 15 espectadores en espacios de 15 metros cuadrados) y me respondió con su conocida sonrisa socarrona “Me micro-gusta”.

Con una escenografía sencilla y el acompañamiento musical en vivo a cargo de los maestros Aarón Meneses y Jefferson Storm-mesa la obra transcurre sin tropiezos con excelente dicción del elenco y un trazo adecuado. Sobresalen en sus papeles la Reyna madre Teresa Guizar y el rey José Montini. La anécdota es sencilla y está resumida en el título del dramaturgo: el Rey se muere y hay que decírselo, pero él no ha tenido tiempo para dedicarse a tantas cosas que debió atender y por ello se niega a ver el fin de su existencia. Nada lo termina deteniendo y como todo mortal se muere sin que antes ensalce la vida común de una de sus súbditas es decir la vida del pueblo la vida de los que no se ligan al poder sino a la familia, al trabajo y las labores sencillas.

Siempre habremos espectadores que gozamos ver dos o tres horas continuas de buen teatro. Es verdad. Siempre habrá también el que, para nuestra

desgracia, saca su teléfono celular para responder una llamada o informar a su familia que “la obra dura mucho… no se preocupen por mí al rato llego” o simplemente opta por retirarse del Teatro.

Felicitaciones a todo el elenco por recordarnos los valores de este hermoso texto y felicitaciones al maestro Renato de la Riva miembro del Comité de Análisis y Testimonio del presente Encuentro.

Mario Ficachi

Pita Amor Conciencia Turbada

Dejo aquí el testimonio de la presentación de mi obra en el XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro con la actriz Itzhel Razo, la escenografía de Arturo Nava, el vestuario de Cristina Sauza, la peluquería y maquillaje de Carlos Guizar, la edición de la pista sonora por Itzel Meza y el apoyo de los técnicos de la Sala Xavier Villaurrutia donde dimos nuestra función el miércoles 24 de enero con teatro lleno. 

Agradezco a todos mis compañeros del Comité de Análisis y Testimonio de este evento su solidaridad y comentarios e invito, a quien esto lea, se acerque también a los que escriben Ana Anaraceli Alvarado en su página web “Proscenio”, Gustavo Suárez, Renato de la Riva, Daniel Lares, Arturo de la Cruz Medina, Teresa Velenzuela, Gabie Lazcano, Sonia Enríquez, Manolo Villalpando y Benjamín Bernal.

Vale. MF

Frida, viva la vida

En cada edición del Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro se ha venido presentando al menos una obra sobre la pintora mexicana Frida Kahlo. Su vida y sufrimientos, su amor a lo mexicano, sus relaciones sentimentales y su obra plástica invitan a ser plasmados en obras de uno o más personajes. Ya he escrito en otros años que yo mismo vi publicada en 1999 mi obra “Fridísima” en Alemania versión bilingüe alemán/español sobre este icónico personaje.

En la presenta edición del Encuentro se ha programado “Frida, viva la vida” de Humberto Robles (1965). Un monólogo interpretado por Noelia Pérez dirigido por Luis Méndez Hernández con el afortunado acompañamiento musical en vivo de Nayeli Lara y Carlos Seefoó. De escenografía se usan las conocidas calaveras de azúcar, ollas de barro, velas, una botella de tequila, algunos vasos y flores de Cempazúchil. Además están, en los extremos del escenario, el overol de Diego Rivera y un vestido de Tehuana que, me parece sería mejor que los descubriésemos conforme avanza la obra y no que estén presentes durante todo el montaje.  

Uno va notando al escuchar el texto que Robles hizo una acuciosa investigación de la vida de la pintora mismo que repite memorizado la actriz sin que ello asegure que lo va comprendiendo a fondo, es decir lo sabe pero la mano del director le ha pedido repetir gestos y movimientos a los que Nayeli Pérez no les da el tiempo requerido. 

La Compañía de Teatro SPAUAN ha venido desde Tepic Nayarit para mostrarnos esta Frida que, de no ser por las prisas de la joven Noelia Pérez  por acabar la hubiéramos disfrutado mucho más. Seguramente demasiada presión y nervios.

Mario Ficachi

Olimpo

Una creación colectiva sobre los dioses del Olimpo nos presenta la Compañía “Teatro La Cueva” (a quién tengo el honor de conocer desde principios de los años setenta) dirigida por Francisco Peredo. El escenario del Teatro Julio Castillo se ve decorado por gasas blancas de unos sesenta centímetros de ancho, colgando de techo a piso (idea de Alejandro Rodríguez). Detrás de las mismas se vislumbran a once actores que excelentemente maquillados (diseño de Laura Trigos) y con vestuario apropiado (responsable Paloma Peredo) nos irán relatando quiénes son en el Olimpo y cuál ha sido su importancia en el devenir de la humanidad.

Así van uno a uno pasando Gea (Paloma Peredo), Cronos (Carlos Hinojosa) Eris (Laura Trigos) Atenea (Malú Arizpe) Artemisa (Lucía Ordaz) Apolo (José Luis Elías) Dionisio (Enrique Altamira) Hades (Adolfo Gamas)

Perséfone (Mónica Peredo) Pandora (Gina Gaudiano y Zeus (Francisco Peredo Pérez). La musicalización muy apropiada es de Francisco de la Fuente.

Es conveniente hacer saber a quién lee el presente testimonio que el Teatro La Cueva ha sido siempre ejemplo del mejor Teatro Amateur o de aficionados 


que la ciudad de México ha tenido, no en balde se le otorgó el año pasado a Francisco Peredo la medalla “Mi vida en el Teatro” por el Centro Mexicano de Teatro del Instituto Internacional de Teatro de la UNESCO. Su labor desde los años setenta ha sido convocar vecinos, amigos y a su propia familia para hacer Teatro en el sótano de su propia casa. En lo personal he llegado a ver montajes que rebasan la imaginación y sorprenden a los que en su espacio gozan de su trabajo.

Once monólogos componen la obra Olimpo, hace falta recordar que el coro griego debiera tener presencia apoyando a los personajes o recordándole sus defectos. También nos hizo falta que hubiese alguna interrelación entre los dioses y diosas ya que en el texto eso va sucediendo pero no en la escena. 

Felicito la labor de la familia Peredo y su persistencia por hacer del Teatro una muy sana adicción misma que compartimos con entusiasmo aunque, lo reconozco, con menos ímpetu.

Mario Ficachi

El Extensionista

En la versión del XXVIII del Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro en 2016 la Compañía que ostenta el mismo nombre que su obra se presentó en el Teatro Julio Jiménez Rueda con teatro lleno y aplauso emocionado de los espectadores. Dos años después, con algunos cambios en el elenco, nuevamente han levantado al público de sus butacas para aplaudirles con entusiasmo. 

La obra, original del dramaturgo mexicano Felipe Santander (1935-2001), sigue estando vigente aunque trate específicamente del medio rural; y es que en nuestro país los vicios de la clase política aunados a los abusos de la deleznable burocracia han superado cualquier límite pensado. Si bien

Santander escribió su obra a finales de los años sesenta del siglo pasado y su estreno en la década de los setenta en el Teatro del INJUVE, Instituto Nacional de la Juventud (que posteriormente se llamó CREA y después nuevamente retomó su nombre original) tenía un mensaje puramente agrario (el mismo autor fue ingeniero agrario en Coahuila) ahora, como digo, su mensaje se relaciona con la guerra contra los narcos, los desaparecidos de los últimos sexenios, el abuso de las dependencias gubernamentales, el robo de tierras, el caciquismo y el acaparamiento de los alimentos.

Juan Carlos Tolentino es un relator/cantante estupendo. Tiene fuerza en su afinada voz y una dicción perfecta. Se le agradece cada intervención aunque el director de escena Carlos Águila, en mi opinión, debiera recortar alguno de sus corridos para dar paso con más rapidez a las escenas. Felicito a los nuevos integrantes dela Compañía Daniel Águila y Cocone Toledo en los papeles de Cruz y Manuela respectivamente jóvenes actores con presencia escénica y verosimilitud interpretativa. Es interesante señalar que en 2018 Manolo Villalpando, que fue parte del elenco de esta obra durante 700 funciones es parte del Comité de Análisis y Testimonio del Encuentro y que Pablo Jaime, que también formó parte del grupo de actores del Sindicato de Actores Independientes que estrenó El Extensionista, es ahora dramaturgo y director de Teatro y está programado en esta edición del Encuentro.

Al final de la función se preguntó al público cuál sería su propuesta para terminar la historia. No recuerdo que esto se hubiera hecho hace dos años, qué bueno que hoy hubo el espacio y se cumplió lo que Felipe Santander escribió como colofón de su obra, la respuesta fue variada y suscitó alguna polémica entre los asistentes; lo que nos demuestra que la población está preparada para intervenir en los comicios electorales de este año. Lo que suceda después será cosa quizá de muchas versiones teatrales, esperemos al menos que la violencia no sea una de las reacciones de la gente.

Mario Ficachi

Piano que sueña con historias y estrellas

Tercer año consecutivo en que participa Pablo Jaime en nuestros Encuentros, como director y autor de sus obras. Fue en 2016 cuando nos mostró su montaje de “200 años cabalgando” después en 2017 nos sorprendió con su

“Vicario madre, Leona de la Patria” dos trabajos que rescataron a personajes históricos de nuestra guerra de Independencia poco estudiados.

Es ahora en el XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro que Pablo Jaime y su Tequio de San Miguel, Centro de Investigación y producción de Artes escénicas ubicado en San Miguel Allende, Guanajuato nos muestran una obra para niños con ciertos momentos didácticos muy bien escogidos. Al igual que la elección de sus compañeros de aventura: Rodrigo Demián como el pianista (Andrés Quintana Roo en la obra traída en 2017), Monse Nute como la niña Raquel y la niña Petzal (a ella la recordamos como Leona Vicario niña e interpretando todo tipo de roles en aquella obra sobre Ignacio Allende: “200 años cabalgando”, de las que hemos ya escrito en su momento) y Antonino del Valle, un actor polifacético que en esta obra interpreta a cinco personajes.

Los tintes poéticos que el autor ha dado a la obra se impregnan de imágenes muy bien elegidas, como ver a los dos personajes “volando” por encima de los tejados. 

Antonino del Valle maneja muy bien los muñecos (pájaro y zorrillo) tiene una expresión corporal adecuada cuando lo vemos como el abuelo Don Rómulo, como el pájaro gigante y cómo el mago/payaso Albino el alto. El problema al que se enfrenta es que cambiar de un personaje a otro le toma un tiempo que en ocasiones no es propiamente “llenado” por la música o por Monse Nute, lo que produce cierto desconcierto entre el público. 

Importa señalar que la escenografía utilizada está muy bien elegida: una simple roca mitad de una esfera, un árbol fantástico (aunque muy poco utilizado) y la sugerencia de una choza.

¿Qué podemos aportar al trabajo amoroso de Pablo Jaime en esta su tercera creación participante en nuestro Encuentro? En mi opinión, el final. La obra termina sin que nos enteremos. Hace falta cerrar la parte didáctica invitando al público a acercarse a los libros, a aprender de nuestras culturas originales, a amar a los animales, a seducirse por la magia, a recobrar los vínculos con los viejos y por supuesto a contar estrellas y soñar con la música.

Mario Ficachi

El Show del Terror de Rocky

Demasiadas expectativas por este trabajo influyen en mis comentarios. Me explico: En 2016 el maestro Jorge Santiago Tejeda Pérez al frente de alumnos de la Escuela de Danza de la Ciudad de México Ollin Yoliztli nos deleitó con el musical “Hair” estupendamente preparados. Sus canciones y argumento nos recordaron la época en que esta obra conmocionó a la sociedad norteamericana y fue motivo de una expresión de censura memorable en México. Después el año pasado el profesor Tejeda nos volvió a sorprender; esa vez con el musical “Cats” haciendo uso, según supimos, del vestuario original de la obra y con alumnos de la misma Escuela de Danza. Llevarnos de la mano al mundo de los gatos fue sumamente divertido. Hoy, en el XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro el maestro nos regala otro conocido musical “El Show del terror de Rocky” y nos queda debiendo; quizá porque lo ha vestido muy bien pero los muchachos que integran el trabajo están aún en un momento que el que la obra los rebasa. Tejeda no ha pensado en la escenografía: un castillo en ruinas, se ha conformado con una especie de pirámide al fondo del escenario con escaleras sin pintar, un sillón de oficina y un practicable que sirve para un ensayo pero no para la presentación de una obra como esta. Además el maestro Tejeda ha dirigido en esta ocasión a la “Compañía Mascaradas Nuevo Génesis” de la Casa de Cultura Santa María La Ribera cuya preparación dista mucho a la de su anterior grupo. Sobresalen Tamara Bibiano como Columbia, Dennise Zamora como Magenta y Sarah Gutiérrez como Janet. Son afinadas y su presencia determina el efecto del horror que el título de la obra ostenta y la inocencia del personaje femenino que habrá de transformarse. Por su parte Brad (Alberto Pérez) es un personaje que si bien tiene momentos atractivos, el principio de la obra por ejemplo, se va diluyendo hasta perderse por completo. Las coreografías son atractivas pero no se presentan con el rigor que Tejeda nos ha presentado en las obras arriba señaladas.

Un personaje aparte es Frank´N Forter, deslumbrante en todos sentidos. Una chica que de seguir en el ambiente del Teatro podrá desempeñar una gran gama de personajes. Su nombre Desiré Ramírez.

Subir el telón y arriesgarse con una obra como la comentada es digno de mi aplauso y reconocimiento. ¿Qué sorpresa nos tendrá preparada el maestro y

director de escena Jorge Santiago Tejeda Pérez para 2019? Su capacidad imaginativa no tiene límite. Estaremos pendientes.

Mario Ficachi

Con esta obra cerró el XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro. Una verdadera fiesta de los participantes hizo que la develación de la “placa” conmemorativa de 30 años de trabajo haya sido lucida y divertida. La foto de Yadira Andrade ha consignado el momento a la perfección.

He podido reseñar un buen número de obras, las que por supuesto vi con el interés que siempre he mostrado a cada participante. Les recuerdo a los lectores que no soy crítico de Teatro y por ello les ruego me disculpen por el atrevimiento de mis comentarios. MF


XXIX ENCUENTRO NACIONAL de los AMANTES del TEATRO 2017

XXIX Encuentro Nacional de Amantes del Teatro.

Del 7 al 31 de enero de 2017

Los mexicanos hemos iniciado un año que se vislumbra complejo, difícil y pleno de sorpresas que pondrán a prueba nuestra capacidad para enfrentarlas. Habrá lo que llaman ahora “nicho de oportunidades” pero también justificadas razones para entrar en pánico; una de ellas el cambio de estafeta en el gobierno de los Estados Unidos de América ya que el presidente electo Donald Trump se ha manifestado como enemigo de nuestro país.

En nuestro entorno el gobierno conducido por el presidente Enrique Peña Nieto, anunció un aumento sustancial al precio de la gasolina; el llamado “gasolinazo” ha traído como consecuencia manifestaciones de diversa índole incluyendo asaltos a tiendas departamentales, expresión vandálica atribuible, según algunas fuentes, al propio aparato gubernamental; las redes sociales son ya plataforma para demostrar apoyo o rechazo a todo tipo de anécdotas triviales (los XV años de Rubí), actividades deportivas (la derrota del Club América) o movimientos oficiales (mensaje presidencial, nombramientos en el gabinete, frases ocurrentes y por supuesto el aumento a la gasolina). Algunos analistas señalan esta decisión y no la desaparición de los normalistas de Ayotzinapa como la razón que desate un movimiento social de grandes proporciones. Es México y en terrenos de descontento social somos impredecibles. Estemos atentos para reaccionar debidamente con cordura, respetando la ley y sin perder lo ganado en el terreno de los derechos humanos.

Por ahora nos ocuparemos de otro tipo de asuntos: un acontecimiento que acompaña al mes de enero desde hace ya varios años está acotado en el terreno de la Cultura y particularmente en la actividad teatral. Es ya la vigésima novena edición del Encuentro Nacional de Amantes del Teatro; 37 obras han sido programadas para presentarse de sábados a lunes en el Teatro Julio Jiménez Rueda. Doce estados están representados por grupos de teatristas que se han inscrito respondiendo a la convocatoria dada a conocer por el Centro Mexicano de Teatro ITI-UNESCO en octubre pasado. Es importante señalar que el CMT estrena este año sede en el 15º Piso del Edificio Prisma sito en Avenida Juárez 101 Colonia Centro en la Delegación Cuauhtémoc. Veremos con atención qué propuestas mostrarán este año dichos grupos a los cientos de espectadores que esperan nuestro evento, como un paréntesis de alegría ante lo que nos depararán las novedades venideras.

Saludo a todos respetuosamente.

Mario Ficachi


México, ante el cielo y el infierno.

Compañía: Pura Lata Teatro de Ciudad Nezahualcóyotl, Estado de México.

Autor: Beltrán Flores

Director: Carlos de la Rosa

El título de la obra con la que da inicio el Encuentro Nacional de Amantes del Teatro responde justamente a la introducción que he escrito en la presente serie de comentarios, análisis y testimonios. Esperaba mucho más de este grupo que el año pasado tuvo una presencia muy interesante con su “Chema y la historia. (De morelitos y morelianas) debo resaltar, sin embargo, que la compañía ha crecido notablemente; el elenco de esta obra es de diez elementos, algunos de ellos convocados sin duda por la constancia de su director y el ánimo de sus integrantes. Todo ellos es plausible. Deberán buscar que dicho elenco logre unidad en sus interpretaciones pues la diferencia de los trabajos individuales es muy notoria.

La comedia que nos presentan es una pastorela atípica. Se trata de redimir a un quejoso habitante del cielo y es que le ha tocado compartir nube con un filósofo primero y un charro mexicano después, lo que le permitió darse cuenta de que el lugar que ocupaba no correspondía a sus virtudes sino a alguna influencia determinante. Judas Tadeo revisa el expediente del alma insatisfecha y decide enviarlo a México con dos asistentes: La Prudencia y la Fé. Para el trio de viajantes nuestro país es el paraíso pues conocen sus paisajes y habitantes a partir de películas como “Tizoc”, pero México está cundido de gobernantes corruptos y de población borracha lo cual es comparable al infierno. El alma, que se llamará Manuel, vestido de una mezcla de indígena y estudiante de Filosofía y Letras de la UNAM, visita la ciudad y es tentado por vicios y prostitución representados por Asmodeo y otros diablos enviados por Lucifer para ganarse a Manuel. La obra termina con la decisión de Manuel de quedarse en la noble, leal, trabajadora y sufrida Ciudad de México. Al fin que todo es cosa del libre albedrío para triunfar ante las adversidades.

El mensaje de la larga obra es extraño y confuso. El espectador termina indiferente a la suerte del alma en pena precisamente por la falta de síntesis del trabajo de dirección. No es necesario, en mi opinión, incluir completas las pistas musicales ni presentar a los demonios como prostitutos (el autor y el director de la obra proyectan con ello tintes homofóbicos: “el homosexual vive un infierno”). Con una escenografía mínima bien realizada y producción desigual la obra resulta divertida para algunos y aburrida para otros. Dos actuaciones son dignas de aplaudir las de Sergio A. Rodríguez como San Judas Tadeo y la de Carlos Urbano Gámiz en el papel de Manuel. A Sergio lo vimos el año pasado y lo señalamos como lo mejor de “Chema…” a Carlos como nuevo integrante de Pura Lata Teatro le seguiremos la pista pues logra hacer crecer su personaje hasta ocupar el papel protagónico que le corresponde.

Albricias pues a nuestro Encuentro que ha dado inicio con un montaje visto y aplaudido por unos doscientos cincuenta espectadores amantes del Teatro.

Mario Ficachi


¿Duermen los peces?

Compañía: Teatro ReNo de la ciudad de México

Autor: Jens Raschke

Directora: Aracelia Guerrero

Con larga historia en el Encuentro de Amantes del Teatro la compañía Teatro ReNo (Re-sendiz, No-lasco) presenta este atractivo monólogo e invita a que la dirija la experimentada actriz/productora/maestra/directora de escena Aracelia Guerrero egresada de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, que, por decir lo menos, ha incursionado en el ámbito teatral desde hace ya 35 años. Estéticamente la propuesta es impecable, la dirección es sobria y efectiva y lo mismo puedo decir de la extraordinaria actriz Adriana Resendiz que nos divierte y permite vivir los registros emocionales más profundos.

El premiado dramaturgo alemán Jens Raschke tiene 46 años, se ha especializado en escribir obras para niños y adolescentes “¿Duermen los peces?” es su tercer texto, lo estrenó en un importante recinto teatral de su natal Kiel el 29 de enero de 2012. Es la primera de sus obras que conocemos en México.

Los padres enfrentan todo tipo de preguntas formuladas por sus hijos, sobre todo cuando son pequeños, después, a partir de los 15 años la vida les es completamente conocida y creen saberlo todo de la existencia, la historia, los grupos musicales, las drogas y las mujeres. La chica que vemos en escena se llama Jette, ha cumplido diez años, es decir, entra en el grupo de los niños y niñas preguntones. Si el padre no sabe las respuestas se encoje de hombros, si por el contrario sabe la respuesta la simplifica lo más posible, por cierto es sintomático que tratándose de una obra alemana el padre no responda a las preguntas de Jette “Pregúntale a tu mamá” que, por lo general es la forma de zafarse de un hijo preguntón en nuestro país. La niña se enfrenta ante la muerte de su querido hermano Emilio y ese es precisamente el tema de la obra: la muerte.

Para los mexicanos la muerte es parte de nuestra cultura ancestral y su tratamiento llega al folclor más abigarrado. El tema para los alemanes tiene otro contexto y repercusiones, otro enfoque. Jette y su familia tienen como anécdota viajar a Valle de Bravo en el estado de México ¿es mexicana Jette y sus padres? Debemos suponer que sí, aunque muchas familias alemanas viven en México y, supongo, conocen los alrededores de la capital. Los alemanes son incisivos, repetitivos, constantes, analíticos y a veces “cuadrados” v.gratia: son las tres de la mañana en Berlín, el semáforo peatonal está en rojo, no se ven autos en cientos de metros a la redonda, el alemán espera la luz verde para cruzar, yo, mexicano no espero. Señalo este ejemplo porque la obra cae en repeticiones propias de la cultura del autor, que, en mi opinión, debió cortar la directora.

Jette vive la muerte de Emilio a través de los ojos de sus padres, sus compañeros de escuela, los de su hermano, su tío Jonás, su maestra, los compañeros de Emilio en el hospital, un sacerdote, una terapeuta, otros niños que han enfrentado la muerte y un gato. Demasiadas vueltas. Merece la pena recortarla, de todas maneras resulta excelente así que gracias por ello.

Mario Ficachi


La batalla final

Compañía: Arte Tláhuac

Autor: Víctor Hugo Vargas

Director: Víctor Hugo Vargas

Con un numeroso grupo de actores en formación, 26 para ser más exacto, Víctor Hugo Vargas que además interpreta al personaje protagónico nos cuenta la historia del Ángel Gabriel que, en busca de seis pastores deberá conducirlos para presenciar el nacimiento del hijo de Dios. En su caminar hallarán todo género de complicaciones urdidas por los demonios para evitar que cumplan con su cometido, es decir estamos ante una pastorela. El manejo de tantos actores en escena suele ser complicado y en ocasiones se nota que hay actores poco convencidos de su tarea en el escenario, se distraen y le dan poca importancia al texto que les corresponde. Demasiadas pausas hacen que el montaje falle en cuanto al ritmo se refiere. La emisión de la voz es una carencia evidente en la formación de algunos actores. La obra exalta con un estilo decimonónico la situación en que la humanidad se encuentra, esto hace que el interés del público decaiga. Cuando se cuenta con un grupo tan nutrido ¿es necesario darle el papel masculino de Mefisto a una mujer? Mi respuesta es NO, el director debe probar y capacitar alguno de sus integrantes masculinos.

Resalto dos escenas del montaje que resultaron excelentes: particularmente una en la que en forma relajada los actores/personajes hablan sobre sus propios miedos. Intuimos que esa escena tiene un proceso de improvisación valioso que demuestra que las palabras sencillas y no las rebuscadas son las más efectivas cuando de una pastorela hablamos. Otra escena relevante, por la estética que nos aporta, es la del cruce de un puente flotante. Reiteramos, dirigir un grupo amplio de actores en formación puede ser un conflicto para quien además de ser autor, director y actor de la obra no cuenta con un punto de vista neutro que le ayude con la movilidad de tanta gente en escena. Esa escena logra mantener el interés del espectador por el trabajo corporal de sus integrantes.

Si Víctor Hugo Vargas revisa un video de su trabajo, cosa que resulta obligada en estos días como herramienta educativa tanto para maestros como para estudiantes de actuación, podrá agilizar el ritmo de su puesta en escena y darle el tiempo que requieren algunos de sus actores para mejorar su participación.

Mario Ficachi


La calaca, nuestra señora del hueso

Compañía de Teatro del Banco Azteca

Autor: Hogo Argüelles

Director: Israel Chávez Velasco

Con una excelente producción que suponemos que se trata de la inversión de un programa social para empleados del Banco Azteca, se presenta esta obra del reconocido autor veracruzano Hugo Argüelles (1932-2003). La anécdota está circunscrita en la necesidad que tiene ---al parecer toda la humanidad--- de saber qué hay después de la muerte y si podemos dar marcha atrás para recobrar la vida en caso de sabernos muertos.

Un dibujante no acepta su condición de difunto, y otro, nada menos que José Guadalupe Posada sale de su tumba para presentarle a la catrina que, según el autor, es su máxima creación. Entre versos ingeniosos, un baile y la escenificación de un par de historias muy atractivas para todo grupo estudiantil (por poderse presentar sin el contexto ya expuesto) la obra transcurre con buen ritmo y termina por agradar al público.

Las actuaciones cumplen con lo que propone la obra, el trazo del director no complica el desarrollo de las escenas; sólo que resulta extraño escuchar a Posada con tono norteño y de figura esbelta siendo que tal interpretación le correspondería al actor con sobrepeso.

Un montaje digno del XXIX Encuentro Nacional de Amantes del Teatro que asiste en representación de la Delegación Tlalpan de la Ciudad de México. Ojalá y otras instituciones bancarias incluyeran entre sus prestaciones la formación artística como es el caso del Banco Azteca. Recuerdo que en los años ochenta del siglo pasado Telmex hizo lo propio y logró resultados sorprendentes con su grupo de empleados… pero en fin, ese ya es otro tema.

Aplaudo con entusiasmo esta obra que le da al Encuentro el nivel artístico que esperamos se repita en otros montajes.

Mario Ficachi


Un Dios Salvaje

Compañía Banana Teatro de Cuernavaca Morelos

Autor: Jasmina Reza

Director Adrián Miranda

Estamos ante un excelente texto, traducido ya a 35 idiomas, de la multipremiada escritora y actriz francesa Jasmina Reza (1959) escrito hace apenas unos años (2011) dirigido y adaptado magistralmente para el cine nada menos que por Roman Polansky. El dato de que se trata de una comedia dramática debió ser contundente para el director con el fin de no caer en momentos francamente fársicos como la risa de uno de los padres.

Con un elenco eficiente, la obra transcurre aportando elementos banales y profundos que van perfilando a los personajes ayudándonos a conocer sus limitaciones, puntos de vista, escolaridad, vicios, profesiones etc. Todo parte de un altercado entre sus hijos que habrá de desatar entre sus padres una verdadera tormenta. Conocemos este tipo de situaciones en los que son los padres quienes terminan violentando a otros padres por algo que, entre los mismos jóvenes, podría resolverse amigablemente cómo es el caso.

Se trata de hacer una crítica a la sociedad moderna atrapada entre los teléfonos celulares y la hipocresía propia de matrimonios socialmente correctos pero con serios problemas de mediocridad, alcoholismo y frivolidad.

La situación queda clara para los espectadores, el trazo es correcto, lamentablemente en la función que vimos hubo varios momentos de falla de memoria que ocasionaron alentar la obra.

Recomendamos al grupo mejorar lo que a producción se refiere. Los sillones parecen sacados de un camión de basura y los supuestos libros de arte (todos cubiertos de papel amarillo) pueden adquirirse en librerías de viejo a bajo precio. Por lo demás es de agradecerse el esfuerzo realizado por todo el grupo para mostrar un texto tan rico y actual. Felicitaciones a Dalia Saucedo, Irving Toledano, Maryuri Demesa, Luis Figueroa, adrián Miranda y Vicente Cisneros.

En Cuernavaca Morelos se está haciendo buen Teatro.

Mario Ficachi


Los fantasmas de Santiago

Compañía: Adhara Primer Acto Ates Escénicas. Ciudad de México

Autor: Francisco Barcala

Director: Adan Leyte

Cuatro excelentes actores, algunos con experiencia en programas televisivos, se reúnen para montar una comedia confusa que, bien los dice el propio autor/actor en una de sus participaciones: ¿qué vamos a hacer? (Pues es obvio que no sabe cómo terminar).

La anécdota de una casa embrujada y la necesidad de atrapar a los fantasmas se agota desde el principio, entonces el público está esperando la cascada de chistes que van y vienen nuevamente en forma caótica.

Con una escenografía que más merecería la pena no usar, como por ejemplo la “chimenea encendida” inútil y una mesa digna del taller de un carpintero en bancarrota, la obra transcurre salpicada de chistes predecibles y entradas y salidas innumerables que nunca se justifican del todo. Por su parte, el vestuario y el atrezzo funcionan bastante bien. Así como algunas de las pistas musicales, la de la Pantera rosa y su coreografía por ejemplo. Pero todas las demás están sobre los parlamentos de los actores impidiendo ser escuchados. Esto lamentablemente sucede en casi todas las obras programadas en el Encuentro, lo cual con hace pensar que o no prueban la parte técnica durante ensayos o no hay en cabina alguien que, conociendo la obra, maneje los volúmenes del equipo de audio.

En resumen: estamos ante un montaje desbalanceado porque las actuaciones son buenas pero no hay texto. Ojalá el grupo Adhara encuentre una obra que permita a sus integrantes lucir sus capacidades en algo menos superficial.

Mario Ficachi


Tezcatlipoca

Compañía Teatral In Lak´Ech del Estado de México

Autor David Alberto Pérez López

Director David Alberto Pérez López

Estamos ante un fenómeno teatral a todas luces interesante. Me explico:

El Autor/Actor/Director de la obra cumple casi a la perfección sus tres papeles, es creativo, original, arriesgado, disciplinado, bien formado y atractivo… sólo que le falta una dosis de humildad y rigor. Ignoro si además es maestro pero podría serlo. ¿Cómo puede solucionarse la falla que encuentro en este joven tan productivo? En mi opinión permitiendo que alguien más vea el proceso de su trabajo y le externe sin cortapisas su opinión. Claro que si ese alguien es su enamorada novia, su amada madre o su compañero de andadas (su carnal) entonces es posible que el experimento no funcione. Lo que le propongo a David Alberto es invitar a un vecino, un maestro, un joven vendedor de jicaletas, la señora de las fritangas de la esquina y al anciano que arregla las bicicletas a que vea su trabajo y después de verlo le expongan: A) Si entendieron de qué se trata su obra B) Si escucharon a los actores C) Si les gustó lo que vieron.

La anécdota de la obra si bien inicia siendo confusa se va comprendiendo en tanto los personajes hablan de una familia, de una casa, de la muerte de sus padres, de una enfermedad y de cosas que son cercanas a todos. Es Texcoco, hay tres hermanos y una hermana, uno de los hermanos, el mayor está enfermo y detecta el poder, es el líder, la hermana que aparentemente es adoptada resulta heredera universal de sus padres, la casa en la que viven es codiciada por cada uno de los hermanos pero no de aquella que resulta beneficiada. Se entabla un enfrentamiento y todos resultan perdedores. Una parte es incomprensible: el uso de una flecha para obtener el cerebro y cuerpo de un humano. ¿Será la parte futurista de la obra? Eso queda confuso pues no hay señales de tratarse de una obra ubicada en otro siglo que no sea el presente.

Excelente movimiento escénico, bella coreografía y vestuario, imaginativo maquillaje, tratamiento eficaz del espacio, la iluminación, la pista musical PERO la pésima dicción de su elenco y particularmente la correspondiente a Andrea echa a perder el trabajo; la obra deja de serlo cada vez que Yoalli “dice” sus textos. El director estaba ocupado en la estética y producción general de la obra y olvidó preocuparse por trabajar la voz de su actriz. Le hace falta rigor.

El maestro Manolo Villalpando se ofrece a ayudar a que este montaje sea perfecto ocupándose de la dicción del elenco. Su teléfono es 55.413872.

Mario Ficachi


Quiero ser Michael Jackson

Compañía TopuTshi Teatro de la ciudad de México

Autor Noé Nolasco

Director Noé Nolasco

Estamos ante un “cliente” asiduo al Encuentro Nacional de Amantes del Teatro. Muchos han sido los trabajos que ha presentado la compañía en cuestión, el año pasado nos ofrecieron “Vampiros mi musical” que en mi opinión resultó un verdadero desastre.

En este año TopuTshi Teatro nos regala una comedia plena de momentos agradables con integrantes comprometidos, moraleja, excelente música y todo lo que requiere un trabajo digno de su autor/director además de excelentes actuaciones. No se requiere una producción compleja, un tema rebuscado, vestuario caro, mobiliario o utilería sofisticada para hacer un trabajo de calidad.

La anécdota es sencilla: dos matrimonios mexicanos de la clase media trabajadora se reúnen a ver un partido de futbol. Los esposos entran en conflicto porque ambos se consideran el fan número uno de Michael Jackson. En ese momento se enteran de la convocatoria de un concurso llamado “Quiero ser Michael Jackson” ambos deciden concursar, a partir de entonces se convierten en contrincantes y para ganar todo está permitido incluyendo brujería o el robo de las pistas musicales de uno de ellos. Con el pretexto del concurso nos enteraremos de la problemática de cada matrimonio la suerte del mismo estará en juego de la mano del concurso.

La obra termina cuando uno de los participantes demuestra ser el mejor, sin embargo ha perdido a su familia por enajenarse con el tema del concurso; el perdedor se reúne con su esposa, pide disculpas y todo vuelve a la normalidad.

Temas variados: crítica a los concursos televisivos, revisión de valores sociales, la amistad, la enajenación, el trabajo, el alcoholismo, la “pasión” futbolera, los matrimonios obligados, la envidia. Una buena obra sencilla, divertida y crítica. Felicitaciones al elenco y a su director. Un trabajo que ganó con creces el aplauso entusiasmado del público. ¡Bravo!

Mario Ficachi


¿Ninfómanas?

Compañía Grupo de Teatro Conin de Querétaro, Querétaro

Autor Federico Roca

Director Felipe Morales Hernández

El año pasado este grupo presentó la obra “Toc, Toc” en la que trataba un tema de la conducta conflictiva del ser humano, el Trastorno Obsesivo Compulsivo. Un grupo en formación con un tema atractivo y dirección eficiente. Ahora el grupo nos presenta otro tema del trastorno psicológico: La exageración patológica del deseo sexual en las mujeres.

Dos mujeres convencen a un taxista, después de su servicio, a que suba a su departamento “a descansar”. El taxista da por hecho que tendrá sexo con ellas y muestra el interés propio de un macho ante dos hembras, pero se encuentra con que sus clientas no son totalmente normales; a una le da por iluminar exageradamente la casa con velas y la otra es torturadora/moralista/guerrera/secuestradora… en resumen el entorno de ambas es demencial y eso le va complicando la situación al pobre tipo que termina por huir del acoso de las hermanas salvando así su pellejo.

Una obra que podría muy bien mostrarse en un espacio pequeño para concentrar las características de los personajes se resuelve en un espacio amplio que termina por cansar al espectador por tanto movimiento repetitivo del elenco. Un ejemplo de este exceso de movimientos lo tenemos en la escena en que Pandora entra el serrucho para destazar a su presa; la herramienta podría estar dentro del escenario pero la actriz hace mutis para traerlo de entre cajas. El histrionismo del taxista interpretado por Erick Fernando Estrada Ramírez (Antonio) salva las escenas interviniendo en forma incluso improvisada ante las partes a veces alentadas de las actrices.

A Teatro lleno el grupo Conín recibió nutrido aplauso. Mucho es el esfuerzo por alzar el telón, lo sabemos, ojalá les veamos el año próximo con un texto en el que intervengan más de tres elementos.

Mario Ficachi


Metro-Cita

Compañía Teatro No verbal

Autor Alexander Minchenko

Director Alexander Minchenko

Con una excelente producción, gran colorido, muy bien confeccionado vestuario, maquillaje eficiente y bella construcción de atrezzo vemos un trabajo de pantomima delicado, divertido y técnicamente impecable.

Las historias de los usuarios en el Transporte Colectivo Metropolitano (Metro) pueden ser múltiples; la Compañía Teatro No verbal elige las que le han parecido atractivas para su espectáculo sin que en ellas ponga ese plus que debemos exigirle a todo grupo teatral, me refiero a una postura ética y de compromiso. Finalmente su audiencia es familiar. Me explico: Los mimos suelen simplificar su trabajo eligiendo condiciones abstractas en cada personaje, estereotipos pues. Este será el malo, esta es la mujer sexi, este otro es el policía, este otro el enamorado, este el niño, este otro un anciano etc. El problema es que sus interpretaciones no van acompañadas de un aporte ético, se limitan a mostrar a los personajes interrelacionados sin ese plus que los tiempos nos exigen. No todo lo que sucede en el metro resulta risible o simple. Hay detrás de cada personaje un drama. Las limitaciones de la mujer sexi se reducen a subirse el busto y mover las nalgas, una y otra vez lo hace y sus apariciones cansan, son previsibles… las formas de seducción se simplifican a un punto francamente aburrido; afortunadamente otros personajes como el joven rapero le aportan al espectáculo la modernización esperada.

He visto espectáculos dancísticos en los que abunda el humor y para sorpresa de los espectadores el ejecutante incluye alguna palabra o interjecciones que enriquecen su trabajo. En mi opinión los mimos de nuestro siglo debieran tener presente esa posibilidad.

Mario Ficachi


Ópera pánica

Compañía Absit

Autor Alejandro Jodorowsky

Director Guillermo D. González

La obra que nos ocupa fue escrita en el año 2001 por el muy prolífico y multifacético creador Alexandro (Tocopilla, Chile 1929). Es interesante que el grupo que nos ocupa se haya autobautizado como Absit, el diccionario dice:

“Es una voz latina que se usa familiarmente en el idioma español o en castellano de manera de interjección, para manifestar el deseo de que una cosa vaya lejos de nosotros, o de que Dios nos libre de ella. Es un término poco usado

Desde el vestíbulo del Teatro Julio Jiménez Rueda parte del elenco inicia su actuación en forma a veces histérica lo que va dando la tónica del espectáculo, y en efecto, parte de las 25 escenas presentadas resultan fallidas por la falta de comprensión del texto que roza en lo filosófico y en ocasiones en sutiles formas de la ironía, el sarcasmo, la reflexión común.

Once son los actores y, según indica el programa de mano, 92 son los personajes. Algunas de las historias resultan incomprensibles, las más tienden a mostrarse como si de un comic surgieran y cuyo traslado al escenario resulta fallido. Las Fábulas Pánicas del autor son trasladadas al Teatro sin la eficiencia que tuvieron en su momento invitando al lector a un análisis de su realidad.

En mi opinión, hubo tres escenas extraordinarias: 1. La de dos niños, una niña y un niño que buscan la manera de enojarse y pelear ya que eso parece “estar de moda” al final se dan cuenta que su amistad es más importante. Los jóvenes actores han vivido su niñez y eso los capacita para mostrarse tal y cómo los niños lo hacen, es decir, su referente es directo. 2. La de alguien que defiende su inocencia sin más argumentos que el grito desesperado “Soy inocente”. 3. La del tipo que requiere ser salvado de ahogarse y al pedir ayuda se encuentra con disquisiciones filosóficas en vez del auxilio solicitado.

Mis felicitaciones al elenco y particularmente a estos actores (que por interpretar tantos personajes se pierde su crédito).

Mario Ficachi


Negrona Yeah

Compañía Taller de Teatro SEXTO SOL de la Universidad Autónoma de Nayarit

Autor Luis Méndez Hernández

Directora Elizabeth Lomelí Sánchez

Vengan los aplausos, venga la alegría, venga el premio a la perseverancia, hemos encontrado la pieza dorada… la pepita de oro. Y Nayarit, sí, ese estado del que poco sabemos, nos da cátedra de Teatro de calidad logrado con actores jóvenes y con presupuesto de risa es decir con nada que no sean seis tristes bancos de plástico, una peluca blanca, y un teloncito plateado que costó 120 pesos.

Claro que detrás de tanto elogio hay un talento particular en la directora/maestra y un texto sensible sin pretensiones del autor/maestro.

¡Gran sorpresa en verdad! Ya lo veníamos venir con aquel trabajo de la “Risa extraviada” de Carlos Corona, que presentó este mismo autor hace dos años. Había una semilla en aquel trabajo que ha dado frutos y que ahora con gran placer disfrutamos.

¿A quiénes se debe el éxito de Negrona Yeah además de su autor y directora? A la mesurada y correcta Kimberly Carrazco (Negrona. La protagonista) a Nayeli Lara (la madre presumida e insoportable compañera de estudios) a Samantha Lara (la cariñosa tía y alumna cómplice) a Gabriel Velázquez (el maestro, director de la escuela y enamorado compañero de clase de María de Jesús… la Negrona) a Elías López (el alumno solidario) y a Luis Hernández (padre cariñoso y alumno conquistador). Un elenco que ni pintado. Bien trabajado por su directora y con algo único digno de ser reconocido… una dicción perfecta.

Narraturgia que trata los temas actuales de la adolescencia, el bullying, la violencia familiar, el enamoramiento juvenil, la amistad, los estudios, la mentira.

Nayarit demostrando que allá además de bellas playas hay gente de Teatro que hace las cosas derrochando talento. De pie los aplaudo y grito ¡Mil veces bravo!

Mario Ficachi


El Héroe de Barrios

Compañía Mascarilla Teatro

Autor y director Luis Méndez Hernández

Nuevamente es Nayarit que sube al escenario. El mismo talentoso autor de “Negrona Yeah” juega ahora con una pieza didáctica propia para niños ocupándose del tema de la recolección de la basura. Tres son sus actores: Jazmín Briler, Carlos Seefoó y Brayan Aguiar. Estamos nuevamente ante el estilo dramático de moda: la narraturgia.

La sola pregunta del qué hacer para mejorar la calidad de vida en una ciudad nos remite a las soluciones que otros países han puesto en práctica tratándose de la basura. Barrios ha crecido junto a su madre que es barrendera, su ejemplo es suficiente para considerarla una heroína, a su muerte Barrios seguirá el ejemplo de ella haciéndose cargo de la basura de su ciudad; ha compartido su escasa educación con otros dos niños: Dulce, que más adelante se convertirá en defensora de la ecología y Apofis, un chico limitado en todos sentidos, hijo de un político y celoso de Barrios. La historia, llena de momentos propios de las edades de los personajes termina, después de gran variedad de anécdotas, con la boda de Dulce ¡con Apofis! lo que no se comprende del todo y resulta difícil de justificar. El autor está ante la disyuntiva de elegir un esposo para Dulce: Barrios o Apofis, y ahí está su error, dramáticamente hablando puede sorprender al espectador con algo menos convencional ya que el comportamiento de los personajes masculinos es antagónico. Dulce se casa con el menos indicado dadas las circunstancias planteadas. Barrios termina aceptando un rechazo que lo llevará a la frustración absoluta pues, como suele pasar, el dinero define las relaciones personales. A Luis Méndez se le escapa haber propuesto una opción diferente ya que en nuestros días los políticos son rechazados socialmente, y los niños lo saben bien.

Con simples cubos y un vestuario adecuado el elenco se desenvuelve en forma correcta, con buena dicción y manejo corporal adecuado.

Nuevamente Nayarit hace que el Teatro Julio Jiménez Rueda les premie con una cascada de aplausos muy merecida. Felicitaciones.

Mario Ficachi


La historia ridícula del oso polar que se quedó encerrado en el baño del restaurante

Compañía de Repertorio Teatral del Instituto Irapuato

Autor Luis Santillán

Director Roberto Rivero Barquín

Luis Santillán es egresado del Colegio de Literatura Dramático y Teatro. Participó en el Primer y Segundo Diplomado Nacional de Estudios de Dramaturgia. Fue Becario de Jóvenes Creadores (Fonca) 2006-2007 y 2011-2012. Parte de su obra ha sido publicada por Ediciones El Milagro, Tierra Adentro, Los texto de La Capilla y Libros de Godot. Es docente en la Escuela de Escritores de la Sogem, colaborador del Boletín Paso de Gato y de carteleradeteatro.mx”

En el programa de mano se nos explica que estamos ante una obra que “ya ha sido galardonada en varias ocasiones”. La trama no es simple, vemos tres historias relacionadas de alguna forma: la primera es la de una dramaturga que hace su propia interpretación a la cláusula diez de la convocatoria del concurso donde envió una de sus creaciones (justo la obra que vemos); ella ha leído mal dicha cláusula y busca el apoyo de su madre para huir del país pues su vida peligra creyendo que es ella quien “será destruida” y no su manuscrito en caso de no ser premiada. La segunda historia es la de un par de mujeres discutiendo en torno a una muerta de la que no sabremos nada. La tercera historia es la de otra pareja de mujeres que se la pasa recordando canciones del siglo pasado; una de ellas dice estar embarazada siendo virgen. Las dos se divierten balaceando a los transeúntes desde su balcón (entre ellas la madre de la dramaturga de la primera historia). Tanto en el vestíbulo del Teatro como en el escenario irrumpen personajes diversos: un oso, dos asesinos, un voceador, un anciano y un deportista. Todo esto le aporta a la obra un total desconcierto con detalles hilarantes aislados. Resumiendo: Ni oso, ni restaurante, ni baño y sí historia ridícula. La obra pierde ritmo por no suceder en forma simultánea, lo que le daría justo el tono que busca el autor

El público se divierte. Muchos de los espectadores identifican la palabra Teatro con diversión y están dispuestos a encontrar motivos para reírse a toda costa.

Bienvenido el estado de Guanajuato a nuestro evento. Esperamos verlos de nuevo el próximo año.

Mario Ficachi


La casa de Isabel Abad

Compañía Tercera llamada de Huamantla Tlaxcala

Autor Sergio Torrejón Martínez

Director Ricardo Rojas Ramírez

¿De dónde surge esta obra tan apegada al estilo del gran poeta granadino Federico García Lorca? ¿Quién ha logrado la magnífica confección del vestido de la actriz que representa a Isabel Abad? ¡Albricias! Por la elección del texto, por el vestuario tan apropiado (aunque no deja de sorprender el rojo encendido del vestido del personaje Alicia) y por el conjunto todo, del que particularmente, hay que aplaudir el desempeño de Reyna Daniela Aguilar Hernández cuya Inés nos recuerda a la Poncia de “La Casa de Bernarda Alba” de Lorca.

Muy poca información he encontrado del autor que lo es también de “Revólver” monólogo de un viejo que se considera feo y que, con el fin de trascender, ha decidido convertirse en criminal. “Nadie recuerda el nombre del novio en una boda pero todos recuerdan el nombre de un asesino” dice el personaje. Y aquí encuentro que hay un tema que obsesiona al dramaturgo: la fealdad. Inés, la criada de la obra que nos ocupa es fea y tiene su mejor momento refiriéndose a su fealdad en una excelente escena muy bien dirigida por cierto.

Flora tiene 32 años, se considera “quedada” su madre Isabel la observa e impide salir, Inés la criada se encarga de hacer las compras, cocinar y traer los chismes del vecindario. Surge un personaje femenino, Alicia, mujer golpeada por su marido. Ella se refugia en casa de Isabel y Flora, la sigue su marido que morirá en manos de Flora. Entre Inés y Flora se deshacen del victimado. Después la madre indaga con quien se reúne su hija pero es engañada por Alicia que es quien visita a Flora en las noches. Un amor que sí se atreve a decir su nombre. Final inesperado por algunos pero que se teje sutilmente en miradas.

Un buen trabajo que requiere corregir la dicción de su elenco pues todas las actrices tienden a apretar la garganta al hablar y dejar caer sus parlamentos al final de cada frase. Lo que puede mejorarse con ejercicios básicos.

Mario Ficachi


La terapia de Miquiztli

Compañía de Teatro La Cura

Autor Adrián Escobar y Mitzi Razo

Director José Luis Mejía

Juan M. Lope Blanch escribió un libro excelente publicado por la UNAM en 1963 que lleva por título: “Vocabulario Mexicano relativo a la muerte”. En él se encuentra todo lo referente al tema. Es decir todo lo que en aquellos años el autor encontró sobre la muerte.

Miquiztli es el Dios azteca de la muerte; representado en esta obra por una mujer que nos recuerda a la Catrina de Diego Rivera de su conocido mural “Sueño de un tarde dominical en la Alameda Central” que a su vez nos remite al grabado de la “La Calavera garbancera” de José Guadalupe Posada.

Miquiztli decide visitar a un psicólogo para que le ayude a resolver sus problemas con su hermana melliza La vida. El doctor recibe al personaje que después de exponerle su caso le informa que tiene por tarea llevarse a alguien que le es muy cercano. El doctor enumera a varios parientes pero olvida a su propia madre que es a quien ha de llevarse la calaca. Pero en el inicio de la obra hemos tenido como información que al doctor no le importa mucho su progenitora pues rehúye visitarla. Así que si hay una moraleja en la obra es “Visiten a sus padres antes de que mueran”

Entre chistes y bailes la relación de los personajes se va tejiendo en forma algo forzada pero eficaz para un público noble y amable que está en el Teatro Julio Jiménez Rueda con el único fin de pasarla bien.

Mario Ficachi


Pedro y el Capitán

Compañía Grupo Tragos

Autor Mario Benedetti

Director Pedro Aguayo Chuc

Desde que esta obra fue estrenada en México por la Institución Teatral El Galpón de Uruguay en su paso por nuestro país, se ha convertido en “caballito de batalla” de grupos tanto estudiantiles como profesionales. En 2015 la versión dirigida por Edgar Bucio fue ganadora del Rally de Teatro Independiente que se organiza cada año en el Centro Cultural El Foco y se presentó el año siguiente en la XXVIII edición del Encuentro Nacional de Amantes del Teatro.

Mario Benedetti (1920-2009) escribió en 1979 “Pedro y el Capitán” sobre la relación de un torturado y un torturador en cualquier lugar de Latinoamérica. Cada uno aferrado a cumplir con su misión, la del Capitán, que Pedro hable, la de Pedro no hablar. Conforme el texto se desarrolla los papeles se cambian. El torturador pasa a ser torturado psicológicamente por el torturador. En esta ocasión la obra se sitúa en nuestro país. Y en mi opinión no se logra el cometido propuesto por Benedetti.

Carlos Anaya interpreta a un militar mexicano y cuenta sobradamente con atributos para que lo veamos como tal. Su imagen y actitud se relacionan con lo que sabemos, hemos leído o imaginamos sería un verdadero capitán de nuestro ejército. Por su parte Pedro, Carlos Christian Díaz Gutiérrez, tiene todo para identificarse con un chilango o mexiqueño como nos dicen ahora. Ambos cumplen con los señalamientos del director quien decide introducir a dos personajes más en la obra: un militar (cuya imagen es demasiado débil) y Aurora alias “Beatriz” mujer de Pedro. Esta última debe ser evocada por el torturado y, creo, no debiera aparecer (tan es así que no tiene crédito en el programa de mano).

Un trabajo digno por parte de los dos actores que termina siendo fallido por errores en su dirección. El elección de un espacio amplísimo como mazmorra por ejemplo.

Mario Ficachi


Los monólogos de la ignominia

Compañía Taller de Teatro Municipal Loló Navarro. De Veracruz

Autores Óscar Liera, Rosa Sánchez y Diana Álvarez

Director Carlos Arturo Corona

Estamos ante la selección de cuatro monólogos interpretados por un elenco femenino. La ignominia (Deshonra u ofensa que una persona recibe públicamente u ofensa grave que afecta la dignidad o el honor de una persona) elegida se relaciona mayoritariamente con la violación de hombres a mujeres.

“Camaleones” de Oscar Liera (1946-1990) Una chica parece hablar con su padre a quien le expone su homosexualidad, el sufrimiento que le causa aparentar ante la sociedad ser heterosexual y su angustia por haber terminado con su pareja. El supuesto padre es un maniquí. “Algún día” termina diciendo. Es decir, algún día me enfrentaré a ti para decírtelo cara a cara. Cuando Oscar Liera escribió este texto hace 36 años lejos estaba de imaginar la realidad que hoy vivimos relacionada con la libre elección de amar. El mundo ha cambiado tanto que el texto resulta obsoleto. La actriz tiene presencia pero su constante lloriqueo hace imposible seguir su parlamento.

“Tengo 17 años” de Rosa Sánchez (no encontré datos de la autora) Drama de una joven que ha sido violada por su padre a quien termina matando. Con el mismo problema de dicción y llanto continuo la actriz impide que su texto sea del todo comprendido. Cuando se relata algo del pasado no se vive del todo; la denuncia tiene más efecto cuando se habla con intención de hacer que el otro tenga conciencia del horror por el que pasó el relator.

“Maltratada” de Rosa Sánchez. Las relaciones sexuales entre esposo y esposa han sido y serán siempre una incógnita para ambos si han permanecido vírgenes, lo que según parece hoy en día es difícil que suceda, salvo quizá en las comunidades rurales. La mujer opta por matar a su esposo por sus abusos. Nuevamente un texto que suena obsoleto y otra vez una actriz que no matiza sus parlamentos.

“Carta de mi hermano no-nato” Autor anónimo. Emi Morales que no llega a los diez años, con perfecta dicción lee una misiva “escrita” por su hermano al que impidieron nacer. Será interesante ver su desarrollo a futuro como actriz.

Mario Ficachi


Freak Show

Compañía CucaraMacara Teatro. Ciudad de México

Autor Martín Giner

Director Luis Miguel Aparicio

Martín Giner (Tucumán Argentina 1989) ha escrito una farsa muy atractiva: Un presentador de circo nos muestra a dos personajes que vivirán un romance pleno de contrastes. El hombre teme enamorarse por conocer una maldición familiar que le predice la muerte. La mujer es tan romántica y vanidosa que espera a un príncipe azul tal como lo pinta la literatura infantil. El final es el triunfo del amor por encima de nubes color de rosa y sentencias malévolas ancestrales.

Luis Miguel Aparicio ha confundido el género de la obra; la ha manejado como una comedia ligera. La actriz que representa al presentador, Jazmín Hernández, no cumple con las expectativas de este tipo de personajes que son abiertos con exagerados gestos y alto volumen de la voz. Por lo que respecta a los actores que representan a “Josefina” Jazmín Salguero y Luis Ángel Flores “Cecilio”, llenan el espacio con soltura y un carisma propios de actores con mucha más experiencia, su trabajo está más apegado a la farsa.

En realidad no hay fenómenos en el circo y tampoco el ambiente propio de lo que identificamos como circense; la supuesta “tragedia titánica e insólita” que se nos presentará no es tal sino una historia de amor muy bien escrita por cierto en el estilo de Narraturgia. Finalmente ¿hay alguna razón por la que el escenario está lleno de pequeñas jaulas? Una carpa hubiera sido lo adecuado para llevarnos al Circo prometido.

Pese a los detalles que anoto hemos visto un trabajo profesional, con propuesta arriesgada, de excelente factura. De lo mejor hasta hoy en el Encuentro Nacional de Amantes del Teatro. Felicitaciones.

Mario Ficachi


Lisístrata´s HOUSE

Compañía Enlace Teatro de los estados de Nuevo León y Tamaulipas

Autor Adaptación colectiva a la obra original de Aristófanes

Director Luis Mario Flores

La anécdota de una de las grandes comedias griegas es bien conocida por la gente de Teatro: Un grupo de mujeres se reúne para acordar privar a sus maridos de relaciones sexuales con el fin de alcanzar la paz. Es decir, en tanto haya guerra las mujeres no se acostarán con sus hombres.

La adaptación que han hecho las actrices, su director y alguien más, es confusa al inicio pues los personajes hablan de no estar contentas con sus maridos por el tiempo que pasan trabajando, no por estar en guerra. Esto debiera quedar claro desde el principio: Se trata de que cese la guerra. La idea de adaptar el texto a nuestro país adquiere presencia y fuerza cuando Lisístrata, Adriana Ramírez Guajardo, en un monólogo frente a los espectadores habla de acabar con secuestros, feminicidios, ahorcados, desapariciones… es decir el propósito del pacto de las mujeres se identifica con la realidad del público.

Las constantes improvisaciones de las actrices usando expresiones juveniles del norte de la República terminan por desinteresar al espectador común de la ciudad de México, entiendo que no es a nuestro público que la obra está dirigida pero bien valdría la pena revisar dichas improvisaciones en las que, la mayor de las veces, las actrices hablan al mismo tiempo y no nos permiten entender lo que dicen.

Hacer que un par de espectadores participen en el montaje expone a que las cosas se salgan de control por el tono en que las mujeres juegan a seducirlos. En la función que nos han presentado el espectador que aceptó participar en el “Teatro de sombras” fue después olvidado y tuvo que bajar del escenario a oscuras lo que pudo ocasionar un accidente.

Con un vestuario apropiado, algunos momentos musicales y coreografía agradables el grupo de actrices terminó conquistando a nuestro público que siempre está dispuesto a pasarla bien.

Bienvenido los grupos de Tamaulipas, de Nuevo León, de Baja California… siempre será un gusto ver sus propuestas teatrales en nuestro Encuentro.

Mario Ficachi


La Sirenita

Compañía Stage Company. Ciudad de México

Autor Hans Christian Andersen (adaptación Alberto Ramos)

Director Alberto Ramos

El Encuentro Nacional de Amantes del Teatro ha ofrecido a sus fieles espectadores y multitud de “Amantes chiquitos” un espectáculo musical resuelto con excelente producción y un elenco probado ya en otros teatros, a saber, en el Teatro Libanés.

Durante dos horas el público gozó de la historia del enamoramiento a “primer naufragio” de una sirena con un príncipe. La bruja del mar, simpático personaje antagónico, le da piernas a la sirena convirtiéndola en humano, de esta forma tendrá posibilidades de volver a ver a su amado; paralelamente la bruja se transforma en una bella mujer que con sus encantos y artilugios hipnotiza al príncipe para casarse con él. La historia termina cuando el príncipe se recobra del hechizo y pide a Ariel (la sirena) que lo acepte como esposo.

Todos pensarían que la sirena es el personaje principal pero, al menos en esta versión, lo es “Sebas” un cangrejo interpretado por Yeyo Legorreta que baila, canta, chismorrea y está en todo lugar y a todas horas para que la obra no pierda ritmo.

El lleno absoluto del Teatro Jiménez Rueda fue una prueba irrefutable de que el esfuerzo que se ha hecho para presentar obras atractivas para niños y para adultos da el resultado esperado. El aplauso de seiscientos espectadores a “La Sirenita” debió de dejar satisfechos por sus trabajos a tan profesional elenco.

Mario Ficachi


Silencio… mimo en acción

Compañía CVG Teatro estudio. Cajeme, Sonora.

Autor Carlos Valenzuela

Director Carlos Valenzuela Gutiérrez

La pantomima ha enfrentado una suerte de olvido según la tecnología y nuevas modas de espectáculos escénicos ha venido surgiendo.

Es importante recuperar la belleza de los ejercicios de aquellos actores que optaron por dejar a un lado la palabra para intentar una expresión profunda y comprometida del cuerpo y particularmente de las expresiones faciales deleite de algunas generaciones en otra época. Carlos Valenzuela apuesta por retomar los ejercicios a que me refiero.

La caja de cristal, el jardín de las mariposas, las máscaras, el globo, ¿Porque la guerra? (sic) etc. fueron presentándose con la conocida participación de un asistente, aquel que muestra un cartón o lona con el título del ejercicio siguiente.

He llegado a ver grupos de danza que se animan a burlarse de sí mismos en sus números y de mimos que llegan a usar la palabra. Está bien. En este espectáculo la mejor parte fue “La cuerda” un ejercicio al que se invitó a participar a espectadores presentes; la respuesta fue de más de veinte niños y niñas de todas edades dispuestos a intentar hacer algo de pantomima. El problema fue que tantos infantes terminaron por desconcentrar al mimo que a través de un silbato parecía dar instrucciones complicadas de entender.

Un gran esfuerzo que requiere de rigor y concentración en ocasiones no logradas por Carlos Valenzuela a quien le sugiero investigar otros ejercicios para incorporarlos a su montaje.

Mario Ficachi


Adiós

Compañía Natura y Ficción. Ciudad de México

Autor Aureliano Castillo León

Director Aureliano Castillo León

Escribir, dirigir y actuar un texto termina por exponer múltiples fallas en un montaje. Esto es lo que le ha sucedido a esta puesta en escena que, con veinte minutos menos sería atractiva pero se alarga tanto que el mismo Aureliano Castillo en el papel del narrador termina diciendo más o menos: “Esto se está alargando demasiado, se están repitiendo las escenas y ya no entiendo nada” Y justo es lo que me pasaba a mí en el momento de escucharlo.

La Narraturgia como estilo tiene sus reglas; una de ellas es que los actores deben entrar en acción no sólo para ilustrar lo que acontece sino para enriquecerlo con gestos y textos complementarios. Otra regla es que la narración avanza en cada escena atrapando la atención de los espectadores que siempre deben estar interesados en el relato. Ambas reglas se infringieron en la puesta; los actores se van quedando varados ante la historia, sus acciones son mínimas y la misma parece no avanzar en lo más mínimo.

Por otra parte, no puedo más que comparar “Adiós” con “Freak Show” pues tienen elementos comunes en sus estructuras; ambas obras son tratadas como Narraturgias, ambas tocan el tema del amor entre dos jóvenes y en ambas hay un narrador de por medio. Las diferencias son muchas y hubiera sido importante que Castillo León viera la obra de Giner y la puesta en escena dirigida por Luis Miguel Aparicio ya comentada por el suscrito.

El trabajo realizado por los actores Iván Mar y Adriana Cecilia Millán es bueno, atienden las directrices del autor/actor/director que requiere un tercer elemento que le apoye con ojo crítico para mejorar su puesta. Por lo pronto reitero mi opinión, hay necesidad de recortarla.

Mario Ficachi


El Ornitorrinco

Compañía Eureka Arte y Producción. Puerto Vallarta, Jalisco.

Autor Humberto Robles

Directora Adriana Millán

Excelente comedia (en cartelera comercial) que lleva ya varias puestas en escena en diversos países de Latinoamérica, su autor Humberto Robles (Ciudad de México, 1965) lo es también de la conocida “Mujeres de arena” que se ha vuelto un texto llevado a escena en multitud de ciudades importantes en Europa y Sudamérica.

El Ornitorrinco fue escrita en 2001, su tema es vigente: el conflicto de una pareja cuyo varón es bisexual y cuya hembra experimenta ser infiel con el mejor amigo de su compañero sin saber que es su amante, sí, el amante del hombre con quien se acuesta. Los actores sostienen la obra que por desgracia se cae tan pronto la actriz escupe sus parlamentos. Una actriz guapa con posibilidades de crecer pero que debe dosificar su respiración y retomar la esencia de la actuación que es un goce continuo de permanecer en el escenario… parece que lo que quiere Nixtehá Sosa es salir corriendo del Teatro.

¿Qué sucede con la parte expuesta a través del sistema de sonido? La narración está llena de tropiezos, repeticiones y errores que dificultan la comprensión de lo leído. Podría afirmar que la lectora es la propia directora de la obra que, preocupada por lo que sucedía en escena, hablaba con torpeza.

Algunos señalamientos, en mi opinión el actor Andrés Vázquez, “Paco”, debe salir a la calle con camisa al final del montaje. Es ilógico que lo haga con pantalones de calle y descamisado. Dos: si los personajes beben tanto en las escenas, (de hecho combinan tequila con vino y alguna otra cosa casi todo el tiempo) el efecto debe notarse, al fin y al cabo han elegido el realismo como estilo; por último: si el texto pide revisar debajo de la cama y eso no es posible por estar el colchón al ras del suelo, pues se elimina la línea del autor.

Ese animal, el ornitorrinco, existe y es una mezcla de reptil, ave y mamífero. Algo así como la bisexualidad de los personajes masculinos en esta obra.

Saludos a los héroes que hacen Teatro en Puerto Vallarta y bienvenida siempre su propuesta artística.

Mario Ficachi


¡Únete Pueblo!

Compañía Taller de actuación de la Universidad Obrera de México

Autor Creación colectiva con textos de Emilio Carballido

Directora Ana María Nolasco

La existencia de Talleres de Teatro tanto en escuelas como empresas, en sindicatos o asilos, en comunidades indígenas o barrios, en grupos independientes o vecinales, en instituciones culturales o iglesias… persigan o no formar teatristas profesionales, son benéficos e incluso me atrevo a decir necesarios. Implican horas de ensayo, lecturas, convivencia, discusión, análisis, expresión de ideas, aprendizaje… en fin, desarrollo humano. Esto es lo que hay que resaltar en el presente trabajo que se presenta en el XXIX Encuentro Nacional de Amantes del Teatro. Hacer indicaciones sobre la escenografía, el uso del espacio, las actuaciones, el vestuario no viene al caso. Estamos frente a una comunidad que ha elegido el Teatro para expresar su visión de la realidad, sea ésta presente o pasada, se trate de una tragedia, una comedia o la narración de cualquier anécdota.

Celebro que se hayan acercado a un reconocido dramaturgo mexicano del cual mucho se ha escrito, que dedicó gran parte de su obra a grupos estudiantiles o en formación. De su manejo de diálogos y acciones se puede aprender. Los textos de Emilio Carballido (1925-2008) son reflejo de cómo somos los mexicanos. Leerlos, elegir alguno y sobre él construir dramáticamente un montaje debe considerarse un buen arranque.

Tanto “Los Conmemorantes” como “Únete Pueblo” representan momentos profundamente arraigados en el imaginario colectivo del pueblo de México. Pueden actualizarse tal como lo ha hecho el grupo de la Universidad Obrera de México porque por desgracia los agravios a la sociedad mexicana están presentes una y otra vez sin importar el color del partido que nos gobierne. Haber incluido el caso de los 43 estudiantes de Ayotzinapa, Guerrero en forma digna, contundente y emotiva fue el mejor de los aciertos.

El grupo de la maestra Nolasco irá aprendiendo técnicas, géneros, proyección de la voz, expresión corporal poco a poco, tal como lo hemos hecho todos los que elegimos el Teatro como trinchera. Disciplinadamente mejorarán todos los aspectos de nuestra bella profesión la que les aseguro proporciona momentos de gran satisfacción.

Bienvenidos a nuestro evento.

Mario Ficachi


Tres amores en condominio

Compañía Grupo representativo de Actuación de la FES Acatlán, UNAM

Autor Tomás Urtusástegui

Director Pedro Quezada Zamora

Empezaré por el final; los seis personajes que creó el autor y que se van mostrando a través escenas hilarantes o patéticas durante más de una hora ¿deben ser acribillados en forma brutal por una metralleta? (que además no oculta estar colgada de un alambre) No hay lógica alguna que pueda esgrimirse para justificar ese momento.

Si el prolífico autor Tomás Urtusástegui (DF, 1933) delata la violencia en la ciudad de México (coincido que tiene como semilla la violencia intrafamiliar) a través de su texto, toca al director usarlo para que exprese su propio posicionamiento frente al tema. Es aquí donde la postura ideológica de los textos que elegimos tiene puntos de contacto con nosotros mismos. ¿Son tan despreciables los personajes cómo para acabar con todos en un pestañeo? Porque escena tras escena les vamos descubriendo y no son muy diferentes a los vecinos de cualquiera que viva en un edificio de departamentos (son trabajadores, ven futbol, bailan, beben, se aman, tienen planes a futuro y miedos); es decir, ninguno merece morir violentamente a menos que se justifique el hecho. Peor aún todos mueren en forma simultánea.

La obra es tratada en tres momentos claramente planteados: primero los tres matrimonios se preparan para asistir a una reunión al departamento de uno de ellos en el mismo edificio y segundo: el encuentro mismo de las tres parejas. Muy cómicamente la primera parte juega con los textos de los esposos del departamento 1 dichos por la pareja del 2 o del 3 y así todas las combinaciones posibles. Es decir; los tres matrimonios son idénticos. En la segunda parte viene el desmoronamiento de las relaciones cuasi amistosas que se van trocando en patéticas pero al final de todo humanas. Tanto vicios como virtudes se desnudan ante los espectadores. El tercer momento es el descrito ya; los tres matrimonios son fusilados.

Una escenografía inteligente, vestuario apropiado y elenco estudiantil eficiente y disciplinado terminan por atrapar al público que, al final aplaude sin reflexionar sobre lo que acaban de ver: el exterminio de personas como ellos mismos ¿Por qué? Pues porque sí y nada más. “Sufren su destino” nos dice el programa de mano; lamento no estar de acuerdo; si se trabaja la comedia en estilo realista debemos justificar lo que vemos en escena.

Mario Ficachi


Abuelita de Batman

Compañía Loa Teatro de Reynosa Tamaulipas

Autor Alejandro Licona

Director Eduardo Calderón

La obra original de Alejandro Licona (1953) está dividida en cinco cuadros, el año pasado la misma compañía presentó dos de ellos, (“Me quieres a pesar de lo que dices” y “Tiempos modernos”) ahora se inscribió con tres (“Entonces seremos felices”, “Serenidad y paciencia” y “Sidartha”).

Hacer Teatro fuera de los círculos oficiales resulta particularmente difícil en el interior de la República. Por eso es importante el oxígeno que proporciona un grupo que persiste en cumplir sus sueños y hacer de la actividad artística un ejercicio continuo. El resultado de sus montajes puede cumplir o no con los cánones de calidad que otros ojos le asignen, pero, el hecho de alzar el telón y vivir la experiencia de crear personajes está ahí, no es cosa sencilla y merece nuestro aplauso.

Alguna de las historias deja ver ya el polvo del tiempo y requieren de actualización, me refiero concretamente a “Sidartha” cuyo tema es la enfermedad del SIDA. Afortunadamente los avances científicos aseguran que ha dejado de ser mortal y ya algunos países, como Cuba, han estado cerca de dar a conocer la vacuna tan anhelada. Eduardo Calderón, director de la puesta en escena, debe tener en cuenta esta información.

En otra de las historias percibo un vicio que se relaciona con la formación de los actores, cierto prurito para tocarse. Si un preso se ha escapado de la cárcel para huir con su mujer después de un largo tiempo de no verla es comprensible que insista en tocarla y tener relaciones con ella, este tipo de situaciones estructuran la comedia propuesta por el actor, la infidelidad se debe ir descubriendo y no darse por presente desde la primera escena por parte de la mujer. Me refiero a “Entonces seremos felices”

El mejor cuadro, en mi opinión, es “Serenidad y paciencia”. Un médico y su paciente. Pocos movimientos, entonación, juego de volúmenes de voz, proyección de la misma, buena dicción, creación de personajes, situación clara, final perfecto. La comedia está resuelta y no requiere para ello más que lo mínimo, todo lo demás forma parte de la imaginación y vivencias compartidas por el espectador.

Esperamos volver a ver a Loa Teatro de Reynosa en nuestro próximo Encuentro Nacional de Amantes del Teatro. Felicitaciones.

Mario Ficachi


Obediencia Simulada

Compañía Orlando Producciones

Autor Mario Ficachi

Director Sergio Cuellar

Por supuesto que no haré ningún comentario/crítico a este trabajo surgido de mi pluma. Dejaré aquí el testimonio de un autor emocionado y agradecido no solo por la entrega del elenco participante, director y asistente sino por el comportamiento de los espectadores y su muestra de aprobación al espectáculo.

La formación de públicos ha sido tema recurrente en la actualidad. Vemos que la Ópera ha superado por mucho sus expectativas pues tanto las producciones del INBA como las proyecciones en directo desde Nueva York tiene ya asegurado espectadores entusiasmados que esperan cada una de las temporadas con particular interés.

El público en la Danza está encapsulado entre los familiares de sus propios ejecutantes, curiosos y estudiantes de la actividad. Se trata, a mi manera de ver, de un estancamiento que requiere de análisis por parte de investigadores y teóricos del tema. Una de las razones quizá lo sea que las ideas actuales de los coreógrafos y sus compañías deben actualizarse de alguna manera.

En nuestro Encuentro Nacional de Amantes del Teatro vemos con alegría que el público ha aumentado muchísimo y su percepción de lo que se les muestra termina por educarse. Se insiste tanto en que dejen de usar el teléfono celular durante las presentaciones que pareciera una obsesión de los organizadores del evento, sin embargo, se ha logrado entronizar la necesidad de respetar la solicitud (admito que las excepciones aún se presentan). El Centro Mexicano de Teatro ha aportado su granito de arena para el desarrollo humano de aquellos que esperamos repitan asistir a nuestra amada actividad, la teatral.

Gracias pues a tanto asistente a nuestra obra por su comportamiento y expresiones de cariño. Gracias a mis compañeros de la Comisión de Análisis y Testimonio por sus comentarios elogiosos. Gracias también a todos los integrantes del Centro Mexicano de Teatro. Es hermoso trabajar a teatro lleno. Estoy seguro que la experiencia será inolvidable para todos. Para mí lo ha sido.

Mario Ficachi


Vicario Madre, Leona de la Patria

Compañía El Tequio de San Miguel. Centro de Investigación y Producción de las Artes Escénicas. San Miguel Allende, Guanajuato.

Autor Pablo Jaime

Director Pablo Jaime

Asistí a ver una de las funciones que el grupo presentó en el foro de la Fundación Heberto Castillo Martínez A.C. con apoyo del Partido de la Revolución Democrática. El espacio es propio para presentación de libros, para conferencias y hasta para leer poesía, no para Teatro o al menos no para esta obra. En aquel entonces perdí la historia por estar prácticamente avasallado por el vestuario y una serie de movimientos inútiles de entrada y salida de mobiliario. Ambas cosas se las participé al Autor/director. Constato nuevamente lo importante que resulta para cualquier grupo presentar su trabajo en un Teatro apropiado como lo es el Teatro Julio Jiménez Rueda, con apoyo técnico profesional y ante espectadores como los que asisten multitudinariamente al XXIX Encuentro Nacional de Amantes del Teatro. Otra fue mi reacción al sentirme involucrado en la historia de un personaje histórico que lamentablemente conocemos poco.

A través de viñetas o estampas de la vida de Leona Vicario se va hilvanado un texto basado en la investigación rigurosa que todo tratamiento histórico requiere. Los rompimientos internos de las escenas dan pie a canciones, la mejor de ellas, para mí, fue la interpretación de fragmentos de “Canción de cuna” cantada en náhuatl (Estado de Morelos) que, con motivo del nacimiento de una de las hijas del personaje en cuestión, canta el grupo. Excelente la musicalización obra de Rodrigo Demian y Javier Estrada.

El relato didáctico se plantea en dos planos, el pasado de la heroína y el presente del México actual. Ambos tratamientos cargados de información y un tratamiento sensible para que el público vaya comprendiendo las motivaciones de una mujer comprometida con la independencia mexicana a la vez que enamorada de Andrés Quintana Roo de quien, por cierto, esperaríamos nos contaran mucho más.

El objetivo del agrupamiento se cumple a cabalidad, “Revivir la memoria de una mujer como Leona Vicario es entrar a la historia de nuestro país por una puerta poco conocida y explorada: el papel de la mujer en los cambios decisivos de la Patria”

Esperamos contar con la presencia de este interesante conjunto en nuestra edición del XXX Encuentro el próximo año.

Mario Ficachi


Horror Movie

Compañía Hilachos… construyendo historias. Ciudad de México

Autor Nelsy Contreras

Dirección Nelsy Contreras

Durante mucho tiempo se consideró que producir Teatro para niños, resultaba una opción cómoda para ejercer cierta práctica actoral y tener automáticamente algún ingreso económico. Lo más socorrido eran los tradicionales cuentos de Caperucita roja, Blancanieves, La bella durmiente, Cenicienta etc. Poco a poco las princesas y príncipes fueron dando lugar a otro tipo de historias surgidas del compromiso de dramaturgos y dramaturgas comprometidos con la niñez y su realidad actual.

Muchos grupos fueron quedando en el camino por no haber investigado y valorado adecuadamente a su público. El Teatro para niños es igual de exigente que el Teatro dirigido a adolescentes y adultos; requiere de lenguaje accesible, estética apropiada, expresión corporal, musicalización, proyección de la voz y producción especial para que los espectadores niños se involucren en lo que se les presenta. Las fórmulas fáciles utilizadas por grupos en formación demuestran poco conocimiento de su nicho de espectadores, falta de disciplina y poco compromiso real. Si además intentan hacer “magia” o difundir conocimientos científicos la exigencia es mucho mayor.

La primera imagen mostrada por “Hilachos…” fue la de un caos total. A partir de ella podíamos imaginar que en el escenario los actores responderán a esa premisa: Caos, repeticiones, olvidos, improvisaciones fuera de lugar etc. Subir al escenario a algún niño ha venido siendo práctica repetida en varios de los montajes en este Encuentro. No está mal si al “arriesgado” se le respeta y regresa a su lugar después de agradecer su ayuda. Subir a algún padre de familia es correcto, pero, querer integrar a setenta niños a la obra con el fin de que bailen, denota una intención errada. Afortunadamente no hubo accidente alguno que lamentar en la función que vimos pero, los niños que quedaron a unos cuántos centímetros de proscenio, pudieron sufrirlo.

Mario Ficachi


Urge cambiar al mundo

Compañía Teatro Tlancualejo. Irapuato, Guanajuato.

Autor Francisco Escárcega

Directora Blanca Rita Méndez Gallegos

Privilegiar la fe sobre la ciencia es una postura sumamente polémica que no corresponde al siglo que vivimos. Es cierto que las grandes verdades se debilitan y que sufrimos decepción tras decepción ante gobernantes corruptos, apatía generalizada, incomunicación, violencia de todo tipo, falta de resultados en la educación, teorías que no nos convencen, agresión al medio ambiente, surgimiento de líderes que saltan de una ideología a otra buscando su propio beneficio, robos millonarios, impunidad, abusos mil, desamor hacia los animales… todo este panorama termina por causarnos depresión e intranquilidad… pero orar para ver una mejoría sólo es un paliativo que separa al practicante de una participación activa que se proponga cambios profundos.

La salud de un niño es cosa seria que puede presentarse en el escenario si se hace con cuidado y gran sensibilidad. Pedir al público que se ponga de pie, se tome de las manos y “mande buena vibra” al personaje enfermo para que se restablezca es una de las escenas más patéticas y retrogradas que he visto en mis cuarenta y seis años de teatrista. No cabe duda que los espectadores que asisten al XXIX Encuentro Nacional de Amantes del Teatro están dispuestos a participar de cualquier manera con tal de que los actores terminen su trabajo como lo desean. ¿Eso quieren? ¿Quieren que recemos juntos? Pues ¡lo haremos!, todos entendemos lo que significa una oración así que recemos juntos por el personaje que muere… por supuesto que damos por adelantado que el actor se sentirá inmediatamente mejor y la historia continuará. ¡Ay! de aquel que se quede sentado porque no entró en la convención que se nos plantea… es público falto de fe.

Lástima del esfuerzo de un grupo disciplinado, de una producción “funcional” y de 80 minutos de trabajo. Un resultado lamentable. Los mensajes religiosos mezclados con el cuidado al medio ambiente, los valores sociales y el sacrificio aportan muy poco al desarrollo humano y mucho menos a la identidad de nuestro país (objetivos del grupo). La mezcla es tramposa, manipuladora y fallida por donde lo vean.

Mario Ficachi


Sólo para ardidos

Compañía Granma Teatro y Sexto Sol. Ciudad de México

Autor Alejandro Licona

Director Jorge Domínguez Aldama

Al excelente elenco de este trabajo hay que mencionarlo en primer lugar: Tania López, Haruka Ríos, Karina Linares, Jorge Alcaraz, Jorge Domínguez y el músico Israel Núñez. ¡Bravo! ¡Gracias por su entrega! ¡Les aplaudo de pie!

Una “Pepita de oro” como suele calificarse a ciertos momentos que nos satisfacen plenamente y que justifican nuestra pasión y entrega por el Teatro, particularmente por este evento al que ahora se inscribieron, 36 obras de 12 estados de la República, muchos de los cuales, hay que decirlo, no cumplen con mínimos requisitos de calidad.

El XXIX Encuentro Nacional de Amantes del Teatro organizado por el Centro Mexicano de Teatro del ITI-UNESCO es una oportunidad para que tanto actores y grupos en formación, nuevos y no tan nuevos dramaturgos y directores de escena se prueben en un espacio oficial reconocido e importante ante espectadores que quizá no asistan en todo lo que resta de año a ver otro espectáculo escénico pero que año tras año se presentan con nosotros desarrollando su gusto y percepción estética.

El montaje que nos ocupa logró crear un ambiente apropiado con una sencilla pero elegante y práctica producción: bancos de metal y lámparas de pie, vestuario elegido apropiadamente y un acompañamiento musical perfecto. Ninguna pretensión, sólo creatividad e inversión inteligente. Las situaciones humorísticas que plantea Alejandro Licona (Ciudad de México, 1953) resultan un material exquisito para la mano de Jorge Domínguez que además de buen actor dirige a su elenco con el ritmo que muchos otros, en este Encuentro, no logran plasmar a sus trabajos. Estamos ante una comedia moderna que responde al género en forma precisa.

Felicitaciones, muy merecido el entusiasta y efusivo aplauso que se les prodigó.

Mario Ficachi


CATS

Compañía Escuela de Danza de la Ciudad de México Ollin Yoliztli

Autor Thomas Stearns Eliot

Director Maestro Jorge Tejeda Cats es un musical compuesto por Andrew Lloyd Webber a partir de la colección de poemas Old Possum's Book of Practical Cats, de T. S. Eliot. Su trama gira en torno a la tribu de los gatos Jélicos durante la noche en que toman "la elección jelical" y deciden cuál de ellos renacerá en una nueva existencia.

Ya en el XXVIII Encuentro Nacional de Amantes del Teatro de 2016 el maestro Tejeda y sus alumnos nos regalaron HAIR (1967) un musical estupendo con el que magistralmente cerraron el evento. Ahora nos traen CATS con una buena parte del elenco del musical anterior.

Desde su estreno en 1981 CATS ha sido montada infinidad de veces por todo el mundo y ha sido merecedora de muchos premios. En México fue todo un suceso y lo ha sido siempre que se repone.

¿Qué es de admirarse en esta obra? Todo buen musical debe tener un buen elenco, composiciones pegajosas, buena coreografía y movimiento escénico, tema atractivo, vestuario y escenografía impresionante, actuaciones memorables, buena iluminación, efectos y una dirección profesional. De todo lo que anoto está dotado este trabajo que al no tratarse de una producción comercial adolece de algunas fallas de fácil arreglo, la calidad de la pista musical por ejemplo (dado que los alumnos cantan sobre una voz ya grabada) y la escenografía que más valdría haberse resuelto con sencillos y desnudos armazones.

Hemos visto varios musicales en la presente edición del Encuentro, este montaje de CATS merece ser considerada la mejor de ellas y es que hay un involucramiento de sus intérpretes digno de ser mencionado; su elenco está integrado por jóvenes estudiantes que han elegido como proyecto de vida dedicarse a la danza, tienen voces educadas y gran presencia.

Espero que la Escuela Ollin Yoliztli nos depare nuevamente una sorpresa para el próximo año. ¿Qué tal la Bella y la Bestia?

Mis más sinceras felicitaciones al maestro Tejeda, a cada uno de sus creativos y por supuesto a los muchachos que hacen posible este excelente espectáculo.

Mario Ficachi


Aquí entre nos

Compañía Vero Ramos

Autor Verónica Ramos Núñez

Director Verónica Ramos Núñez

Recuerdo haberle sugerido a Verónica Ramos ser dirigida por alguien más ya que lleva mucho tiempo haciendo ese trabajo además del de escribir sus textos y presentarse como única actriz. Siempre hace falta una tercera opinión sobre su trabajo, lo enriquecería y ella crecería como actriz. No lo ha hecho, en otros años ha interpretado su propio texto respecto a Frida Kahlo y Sor Juana Inés de la Cruz fallas similares a las que ahora le hago notar. En esta ocasión nos presenta una Adelita, el personaje que simboliza la participación de las mujeres en la Revolución Mexicana.

A telón cerrado escuchamos una pésima grabación tomada de alguna película sobre el tema de la Revolución. Se escuchan voces incomprensibles y se incluye completa la marcha de Zacatecas. ¿Todo eso para crear un ambiente o para sumarle tiempo a la puesta? Si es el primer intento le indicaré a la señora Ramos que debe confiar en el compañero que la acompaña tocando la guitarra y en su propia presencia vestida de revolucionaria, si es el segundo intento bastaría con un texto más rico que tuviera elementos actualizados por ejemplo.

El montaje nos ofrece tres espacios en un mismo nivel y en un mismo plano: el primero es el de Raúl Nava tocando guitarra y cantando algunas de las canciones representativas del momento histórico del que hablará la actriz, el segundo es un espacio donde hay varios elementos propios de una campesina incluyendo un gran sombrero y algo que parece un fusil, en el último espacio está Zenaida, el personaje femenino sentada en un huacal que se encargará de relatarnos parte de su historia estructurada con lugares comunes y expresiones clásicas de un personaje popular.

Al terminar la obra Zenaida toma, como si fuese un plumero, un juguete que parece cualquier cosa excepto fusil. Con esa ridícula imagen Verónica Ramos echa a perder la creación de su personaje.

Lamentable que una buena actriz siga pensando que es capaz de tener éxito siendo su propia directora, escritora, promotora, productora, diseñadora etc. Lo ha probado y, en mi opinión, no tiene éxito. Le sugiero nuevamente integrar algún nuevo elemento en su compañía y por supuesto leer… leer… leer.

Mario Ficachi


Cuarteto

Compañía Insha-Inicte de la FES Aragón de la UNAM

Autor Heiner Muller (traducción de Juan Villoro)

Director Antonio Linares

Estrenada en el ya desaparecido Foro Teatro Contemporáneo en mayo de 1996 con un elenco impecable: Laura Almela y Álvaro Guerrero, producción de la Compañía Nacional de Teatro y la dirección del maestro Ludwig Margules esta obra representa un enorme reto de actuación y dirección. Su texto ofrece un laberinto de interpretaciones por tratarse de relaciones humanas profundas donde detectamos sumisión, poder, erotismo, celos, sexo, seducción, sacrificio, fantasías, deseo, crimen…

La Compañía Isnha-Inicte tiene ya larga historia en el Encuentro Nacional de Amantes del Teatro. El año pasado nos regalaron su “El extraño jinete” de Michelle de Ghelderode, una de las mejores puestas que vimos. En aquella también actuaban Alan Montaño y Ana Isabel Alcantar, quienes hoy interpretan a la marquesa de Merteuil y el Vizconde de Valmont, lo que habla de un grupo donde se preocupan por la permanencia de sus elementos, ambos pues tienen claro conceptos de cohesión y compromiso, importantes para una agrupación teatral.

Con una escenografía sencilla de practicables negros dispuestos en T y un pequeño telón al centro, la obra obliga a los dos actores a expresarse en un espacio reducido lo que visualmente es un acierto. Pero el director parece no darse cuenta que el cubo-mesita que permanece en el centro del pasillo con botellas y copas estorba la circulación dándosele un protagonismo innecesario. Por otra parte el vestuario ha sido elegido sin tener en cuenta la condición de los personajes, la Marquesa está vestida como tabernera y el Vizconde como actor sado-masoquista en película porno barata.

No se trata de escenas que respeten unidades aristotélicas, ni de tiempo, ni de espacio. No es un relato lineal sencillo. Los sentimientos han de desarrollarse en forma abrupta entre realidad y juego. Desde que la obra inicia estamos ante una mezcla de absurdos que exigen enorme concentración de parte del espectador y gran claridad por parte del elenco cuyo trabajo por cierto resulta sorprendente.

Antonio Linares lee y se impone retos. Lo mismo nos presenta textos de una complejidad y simbolismo enorme como éste o el del “Extraño Jinete” o toma un texto de Norma Román Calvo inyectándole creatividad y profesionalismo. Felicidades pues por el reto de regalarnos “Cuarteto” un trabajo de excelente factura muy a su nivel.

Mario Ficachi


Nine

Compañía Mom Stage

Autor Arthur Kopit y Mauri Yeston

Director Diego Cortés

Dos horas de Teatro musical disfrutables. Una etapa de la vida del gran director de cine Federico Fellini en la que descubrimos sus inseguridades, mentiras, debilidades, errores, amores y obsesiones.

Dos planos se nos muestran en la obra respetando, con sus limitaciones, la gran producción cinematográfica que en 2009 dirigiera Rob Marshall protagonizada entre otras bellezas por Sophia Loren y Nicole Kidman: el plano actual en el que el director “Guido Contini” llega a los 40 años y el plano de sus memorias a través de las mujeres que influyeron en su vida.

Con coreografías sencillas pero muy lucidoras y un vestuario inmejorable el elenco disfruta el escenario y hace que cada momento se convierta en un verdadero espectáculo, particularmente el número del “Folies Bergere” y el de la canción “Ser italiano”.

Hay que resaltar que este grupo de 12 damas no-profesionales toman un taller del cual surgen obras como la presente. Lo profesional, si se me permite corregirles la plana, no está ligado a la parte económica solamente, sino que se expresa en la disciplina proyectada hacia el público, el cuidado que cada una tiene por su vestuario, el respeto a sus compañeras y el amor a la actividad teatral. Para mi gusto son ustedes, todas ustedes, más profesionales que algunos grupos de los que se han presentado en el Encuentro Nacional de Amantes del Teatro y que presumen serlo.

En el elenco destaca por su personaje Federico Di Lorenzo (Guido adulto) y Santiago Gómez (Guido niño). El primero tiene la presencia, voz y ritmo que requiere el texto y el segundo es un verdadero actor en potencia que ojalá viéramos en la obra “El Principito” porque tiene todo para interpretarla con éxito.

Un cierre formidable el de nuestro evento de este año. Deseamos a la Compañía Mom Stage que regresen triunfales de Mónaco donde se presentarán en el Congreso de la Asociación de Teatro Amateur Internacional representando a nuestro país. Esperamos verles nuevamente pisando el escenario del Teatro Jiménez Rueda en 2018. Feliz Viaje, feliz retorno.

Mario Ficachi