Anaraceli Alvarado

Maestra e Investigadora Educativa, egresada Escuela SOGEM, Miembro del Consejo Directivo de la SOGEM, Rama de Teatro. 2011-2014, 2015-2018, Miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Teatro AICT-UNESCO, Miembro del Consejo Directivo del Centro Mexicano del Instituto de Teatro Internacional, CEMEX-ITI-UNESCO. Dirección Escénica l Maestro LudwickMargules; CUT-UNAM; Becada-FONCA 1997-1998; Ganó Primera Convocatoria Nacional de Teatro 2000, obra "En El Mar”; Diplomada PNUMA-UNESCO; Representación de México-SRE, Festival Cinco Continentes-Charleville-Mézières Francia; Invitada al Festival Internacional Ecologista ECOTOPIA-Alemania; Festival Internacional-Lund Suecia; Mejor Jurado-Tecnológico de Monterrey Campus Edo. De México.

 Fundadora y Dir. General de www.proscenio.mx


XXX ENCUENTRO NACIONAL DE LOS AMANTES DEL TEATRO 2018

XXX Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro en el CCB                    

Por: Anaraceli Alvarado

El Teatro Mexicano es de la más alta calidad, en el último Festival y Congreso en Mónaco, quedó plenamente comprobado, porque la Compañía que representó al Centro Mexicano del ITI-UNESCO, con el montaje que fue seleccionado, por el Comité de Análisis y Testimonio que conformó la Maestra Isabel Quintanar, obtuvo una Presea por su magnífica actuación. www.mondialdutheatre.mc

La Compañía Teatral: 'Mom Stage', con   una puesta en escena de teatro musical: “Nine”, de Arthur Copit y Mauri Yeston, dirigida por Diego Cortés. El festival tiene lugar cada cuatro años en el Principado de Mónaco. Reúne a artistas de 24 países, en el “Mondial du Théâtre”, sólo se entregan tres preseas; México obtuvo una, compitiendo con los mejores del mundo.

“El teatro es arte vivo, un agente de cambio y de conciencia social” Anaraceli Alvarado Álvarez 

Ceremonia de entrega de Preseas, sólo tres países la recibieron, México del Centro Mexicano ITI-UNESCO, es la Compañía de la izquierda. Así que por su entrega, disciplina, compromiso y verdad, lograron transmitir emociones y sentimientos, con su capacidad histriónica. Valores que deben tener los “¡Amantes del Teatro!”

Cada uno de los participantes en la “XXX Encuentro Nacional de Teatro”, debe tomarlos en cuenta, porque se necesita un bien estructurado ‘Texto Dramático", director o directora con una bien planeada dirección, actores, actrices, escenografía, luminotecnia, atrezzo, musicalización, coreografía, apoyos en las diferentes actividades, y sobre todo, ‘colaboración’ de cada uno de estos elementos; porque “el Teatro, es un trabajo de equipo”, cada uno de estos elementos es “muy importante”, no es posible que una sola persona pueda hacer todo.

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Inició el sábado 6 de enero a las 17 horas, en el Teatro del Bosque “Julio Castillo”, Compañía: “Formación Actoral al Trote”, de Aguascalientes, obra: “Dulces Compañías”, autor: Óscar Liera, Tema: La Soledad. Directora: Ivonne Gallegos, dirigida a adolescentes y adultos. Elenco: Pablo Avilés como ‘El Tipo’, Janetzy Serna le da vida a ‘Nora’, Martín Munguía representa a Samuel. El director, logró un trazo escénico preciso, además de que cada uno tuviera muy claro su papel, en este ‘juego de espejos’, de dos personajes solitarios que aceptan a un desconocido como compañía pasajera, sin medir las consecuencias, como se los dice ‘el tipo’, “meter desconocidos a la casa de uno, es muy peligroso”; por lo que sufren las consecuencias. Un excelente diseño de luminotecnia, lo mismo que los apoyos sonoros, con música ‘had hoc’ en cada escena, y sólo si es necesario, para lograr la ambientación completa.  No necesitaron parafernalia, para transmitir emociones, sentimientos y sobre todo, en las situaciones límite, precisas y sin exageraciones. ¡Felicidades a todo el equipo!

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El domingo 7 de enero a las 13 horas, se presentó la Compañía “Cabaret Talía Loaria”, de la Delegación de Tlalpan CDMX, obra: “La extraordinaria Historia de Nina, la niña come libros”, autora y directora: Talía Loaria, dirigida a niños mayores de 3 años. Elenco: Ana Francis Mor: narradora y ¿Abuela de Nina? (Al final, ella dice ser la niña Nina, por fin), Michele Virues: Monstruo, Sancho, Grifo, Sor Juana y Sr. Números, Talía Loaria: Maestra, tortuga, Quijote, Baldor y Frida, Valentina Arias: Nina niña, Emiliano Valverde: Luka e Índice, Luka Herrera: Miguel, Música original de Yurief Nieves, música en vivo de Claudia Arellano, Lengua de señas Adriana González, Escenografía Sergio Gabriel, Luminotecnia José Zychlinski, Vestuario Dora María Pulido, Utilería Javier Dueñas, Coach Infantil Érica Selena Islas. Cuando la producción es en grande, no es garantía de que sea un éxito ante el público, de primera instancia se admirará, pero lo que realmente cuenta, es una dramaturgia bien planeada, con conocimientos suficientes para estructurarla o asesorada por alguien con experiencia. Desde la redacción de la Sinopsis, se carece de conocimientos dramatúrgicos, porque cuentan la historia, es como si se cuenta el final de un chiste, ¿para qué? Se pierde el interés.

Para escribir un texto dramático, se debe pensar: primero en el tema, después ¿por qué?, enseguida plantearse el conflicto principal y los subyacentes, para diseñar ‘la estructura dramática’, y obtener resultados en la trama, que coadyuvarán en el ‘hecho teatral’; en este caso el deseo de la niña de ser: “la más sabia del universo”, demuestra ser ambiciosa, y lograrlo ¿sin estudiar?, como sería lo ‘lógico’, puede soñar, pero ¿por qué comer papel?, no sólo  se da un mensaje equívoco, sino que se fomenta lograr algo sin esfuerzo. El teatro es imaginación, para no debe crearse sin metodología teatral, porque la partitura, ¡es indispensable! El romper la cuarta pared, es emocionante para el público, pero recordemos a Charles Chaplin: no más de tres chistes, ‘gags’ o salidas del escenario, porque a la tercera, ya no funciona ¡sorpresivamente! La niña, El Quijote, la tortuga, el índice, la maestra, el monstruo y Miguel o el niño, a pesar de que la bermuda que vestía se le caía, destacó por su entusiasmo, los antes mencionados lograron captar la atención del ‘respetable público’.

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A las 16 horas se presentó la Compañía: “Agrupación Teatral Cuauphilli” de Aguascalientes, obra: “Detenidos”, autor: Alberto Miralles, adaptación y dirección: Iván Peñalver, dirigida a: Adolescentes y adultos. Elenco numeroso, 9 personajes, que el director y adaptador, no logró crear el espacio figurativo de un calabozo carcelario, donde se apretujaran los detenidos, (como es en la realidad), esto hubiera logrado la tensión dramática necesaria, para que los diálogos, resultaran lógicos, porque el supuesto periodista, decía constantemente: ¡no empujen! Y nadie se encontraba cerca, además después de dos vueltas en el escenario, con todo el elenco, resulta ilógico, repetitivo y sobre todo, cansado para el ‘respetable público’. Deben ser más creativos los que adaptan y dirigen un montaje, ¡asesorarse!

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A las 17 horas se presentó la Compañía “Teatro Cúcaramacara México”, de Iztacalco CDMX. Obra: “Los invertebrados”, autora: Sara Pinedo, Director: Miguel Aparicio, dirigido a: Adolescentes y adultos, Elenco: Jazmín Salguero como Renata, Luis Martínez es Lucio, Haui Monroy le da vida a Paty y Miguel Aparicio es el ¡excelente animador y entrevistador televisivo! Desde el primer momento, atrapan la atención del público, se apoyan en una pantalla donde se proyecta la figura sensual de Paty, sin ‘parafernalia’, usan lo indispensable, porque con histrionismo, buena dicción, entrega, disciplina, expresión corporal, facial, y verbal, tono, claros subtextos, transmiten emociones y sentimientos; la base de cualquier obra escénica, para que se cierre el circuito de la comunicación: actores-espectadores. ¡Felicidades a toda la Compañía! Mención especial a Miguel Aparicio, actor y director. ¡Gracias por brindarnos este montaje!

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A las 18:30, se presentó la Compañía “Puro Bolillo Teatro”, de la Delegación Venustiano Carranza CDMX, obra: “La vida es una ofrenda”, autor: creación colectiva de “Puro Bolillo Teatro”, Director: Isaac Pérez Calzada, dirigida a: Adolescentes y adultos. Este grupo ya se había presentado con anterioridad, algunos del elenco son nuevos, otros ya tienen tiempo trabajando juntos. Elenco: Jazmín Hernández: La Muerte, Liliana Álvarez: Ama de casa, Elena Aguilera: Prostituta, Diego Juárez Inmigrante, Gaby Aguilar: Susana, Arturo Martínez: trovador, Nicolás Urueta: El Cejas, Manuel Flores: Julio César. Sin parafernalia, pusieron su mayor esfuerzo en su representación, el Teatro Julio Castillo, al principio no proyectaban la voz, y la mala dicción, no le permitía al público, entender los diálogos, pero desde que les gritaron: ¡No se escucha! Lograron hablar en tono más alto, lo que redituó en una mejor dicción, porque los obligó a parafrasear. Destacó la actuación y creación de varios personajes con una psicología clara y comprometida, actores y actrices: Liliana Álvarez sencilla, y en la situación límite, demostró  compromiso y temple. Elena Aguilera, actuó con verosimilitud, reflejando la situación real de estas mujeres. Diego Juárez, cuando narraba su situación, el amor a su pequeña niña y esposa, lograba conmover al ‘respetable público’. Gaby Aguilar, creo su personaje impactante, con sus poses de modelo, su transformación en Reyna de Belleza, fue espectacular, con la simpatía y paciencia  de su ayudante Nicolás Urueta. Después Nicolás Urueta, se lució con la creación del boxeador de ‘Tepito’, su personaje, que atrapó la atención de todos los espectadores, y como ‘pez en el agua’, los dirigió para que corearan su apodo y lo ovacionaran, ¡Cejas, Cejas!, para ganar. Los tres restantes, la muerte, Julio César y el trovador les faltó creérsela, este último además, necesita asesoría musical, no sólo de la guitarra, sino de voz, porque desafina. ¡Felicidades por las flores, el humo, el atuendo, vestuario y atrezzo de la muerte, porque nos remitieron a la época de muertos y la ofrenda!

Sábado 20 de enero a las 12 horas, Compañía: “Los poetas muertos”,  de Tláhuac, CDMX, obra: “Don Juan Tenorio”, autor: José Zorrilla, Dirección bipartita de América Islas y Ulises Martínez,  dirigido al público en general. Sin duda esta compañía es muy valiente, porque con un texto difícil y con un lenguaje diferente, poner en escena la obra con niñas y niños tan pequeños, es todo un reto. El apelar a la memoria, buena disposición y a que el Teatro, es por antonomasia ‘lúdico’, facilita las cosas. Esta Compañía es un ejemplo de mi experiencia como ‘educadora’, porque pude constatar fehacientemente, la frase que es de mi autoría: “Teatro, sustento vital de la educación integral”. La experiencia que adquirieron los participantes, durante la preparación de este montaje y ‘puesta en escena’, les facilitará el estudio, porque la práctica del teatro tiene muchas bondades pedagógicas, mejoran su autoestima, adquieren facultades de comunicación verbal, expresión corporal y facial, manejo de voz, tono, volumen, desarrollan buena dicción, adquieren la capacidad de entender lo que leen, (análisis y síntesis) que para el estudio es ‘vital’. Por otra parte, el diseño del vestuario, el porte al usarlo, las actitudes, la memorización, continuidad, manejo del atrezzo, se debe a la dirección bipartita. Por su destacada participación y su desenvoltura en el escenario, la niña que interpreta a Brígida, Erandi Romina Reyes Domínguez, nació para ser actriz, destacó su presencia escénica, manejó volumen de voz, tono, buena dicción, expresión corporal y facial, transmitió emociones y sentimientos, actitud y respuesta en cada escena. El resto de los niños y niñas, lo hicieron con soltura y decisión, con algunos tropiezos en el texto, pero con muchas ganas de cumplir con su compromiso, que demuestra su disciplina, dedicación y sobre todo, ¡amor al teatro! ¡Felicidades a cada una de las niñas y niños por su participación!  Felicidades a los directores: América Islas y Ulises Martínez, además a las madres de familia, que tuvieron la disciplina de llevar a sus hijos a los ensayos, estudiar con ellos y darles la oportunidad de disfrutar del ‘Arte Escénico’. La que esto escribe, como investigadora educativa, reconozco que durante la segunda infancia entre 4 y 6 años, (edad preescolar=Jardín de Niños), el ‘Juego Teatral’, es parte de su desarrollo. ¡Muchas Felicidades!   Por eso con el resultado de mis investigaciones afirmo: “Teatro, sustento vital de la educación integral” Anaraceli Alvarado Álvarez. Al pasar a la primaria, se pierde esa libertad de ‘jugar a representar’, porque el Teatro, es por antonomasia ‘lúdico’. “El Teatro es el juego más divertido y más completo que conozco, no hay mayor juego que el teatro” Irene Rubio.

Sábado 20 de enero a las 16 horas, “Compañía Mixtón”, de Querétaro, Querétaro, obra: “No hay ladrón que por bien no venga”, autor: Darío Fo, director: Erick Fernando Estrada Ramírez. Dirigido a público en general. Sin duda es un texto bien escrito, pero muy difícil de representar, porque el ritmo es acelerado, las entradas y salidas de los personajes, son dinámicas, por lo que deben ser precisas en tiempo y forma. El escenario del “Teatro del Bosque Julio Castillo”, es tan grande en extensión, que es muy difícil entrar y salir de escena con la precisión que requiere ‘el montaje’, por lo que se pierde el ‘ritmo’ y en este tipo de obras, es ¡vital! Luis Miguel Cuevas Vega o Pedro López Maya (no aclararon quién actuó), representó al ladrón, fue verosímil su actuación, bien delineada la psicología y sobre todo, actitudes y reacciones claras, ante la serie de vicisitudes que se le presentaban. Karen Alejandra Cardona Vargas, la mujer del ladrón, tenía muy clara su personalidad, siempre actuó en consecuencia, reaccionando y hablando con el volumen, enojo y zalamería, cuando era necesario. Rogelio Alfredo López Salas, como el hombre de la casa, demostró ser infiel al llevar a su amante, reaccionando con pánico, al llegar su mujer en el momento inesperado. Mariana del pueblito Orduña Vázquez le dio vida a la amante,  que actuó con verosimilitud, coqueta, con expresión corporal, facial, tono de voz y actitud. América Alejandra Breña Soto, en el papel de la esposa Ana, regresa a casa a sorprender a todos, su actitud, reacción ante los otros personajes, fue natural, sin aspavientos, hasta que… Julio Guerrero Trejo, le dio vida al marido de la amante de Antonio, que sin saber lo que encontraría al visitar a su amante Ana, reacciona sorprendido por la presencia de su esposa en la casa de su amante. En este montaje reitero, el tiempo es vital, así que no lograron resolver las distancias que tenían que recorrer en el escenario. Cuestión de Dirección, Erick Fernando Estrada Ramírez, en cuanto a la psicología de los personajes, muy bien lograda. Para recrear el reloj de péndulo, poca imaginación, con dos practicables largos que existen en los teatros, o tres rejillas que usan los vendedores ambulantes, con un dibujo de un reloj de péndulo en cartulina, lo hubiera resuelto. Faltó creatividad e imaginación, lo que colocó en vez de lo antes mencionado, con el dibujo de un reloj pequeñito, en un teatro tan grande, nadie lo identificó, menos al sonar las horas, pareció que eran llamadas a misa, con las campanas de la iglesia. ¡Felicidades a cada uno de los actores! Hicieron un gran esfuerzo, demostraron buen trabajo individual y… ¡Amor al Teatro!

Sábado 20 a las 17 horas, Compañía “La Comuna Teatro”,  de Tepic Nayarit, obra: “La casa de las amapolas”, dirigido a adolescentes y adultos, dramaturga y directora: Eunice de la Cruz, un texto de gran trascendencia, por la temática, la que esto escribe, es de ¡denuncia!, de ¡resistencia!, para que por lo menos sensibilice al público que tiene la oportunidad de presenciarla. Lo más difícil en el Teatro es escribir la partitura y dirigirla, porque generalmente la autora se engolosina con su trabajo. Este caso es ¡sorprendente! En las escenas agresivas, las más difíciles de representar, porque el público se asustaría, Eunice de la Cruz logra códigos, que el espectador decodifica perfectamente, convirtiéndolas en una poética. Humberto Rochez, desde su aparición en escena, sorprende con sólo ver su corporeidad, entendemos porqué tiene dominada a Inés; su voz, tono, volumen, expresión corporal, facial y sobre todo, el ‘machismo en pleno’, llama la atención el juego que hace con el ‘machete’, lo hacer ver más agresivo, hasta que Inés se lo permite. Zay Negrete, representa a la madre, la clásica mujer que al perder a la hija se dedica a buscarla con ahínco, quizá porque se arrepiente de haberla descuidado, no tratarla con cariño, darle seguridad y por ende, protección. Eunice de la Cruz, no sólo es dramaturga, directora, sino actriz, que se auto-dirige con ¡excelencia! Una mujer talentosa, disciplinada, de ‘oficio teatral’, ‘oficiante del teatro mexicano’. Al ver esta ‘puesta en escena’ recordé las palabras de mi amigo Víctor Hugo Rascón Banda: “Hay que vivir el teatro para entender qué nos está pasando, para transmitir el dolor que está en el aire, pero también para vislumbrar un rayo de esperanza en el caos y pesadilla cotidiana” Víctor Hugo Rascón Banda. ¡Vivan los oficiantes del rito teatral! ¡Admirable participación de “La Comuna Teatro” y Eunice! ¡Viva el teatro!

Sábado 20 a las 18:30 horas, Compañía: “Máquina Teatro de Cuautla”, de Cuautla Morelos, obra: “Catalina, la mujer que trajo la lluvia”, autor: Alejandro Licona, directora: Yanet Lupercio Luna, dirigido: adolescentes y adultos. Elenco: Edeyvi Garinda Gutiérrez Pérez representa a Catalina Erausto, la protagonista, tiene dos personalidades (femenina y masculina), logra personificarlas detalladamente, porte de caballero-gracia de fémina, sabe utilizar la espada y sabe lucir el vestuario de ambas personalidades. Joaquín Cervantes Rivera es ‘Don Gregorio’; Juan Enrique  Guzzi le da vida al ‘Tabernero’, en cada población, tiene diferente personalidad; Javier “Tama” Posadas es ‘Fabián’; Yuliana M. Rodríguez Saavedra representa a ‘Rosalinda’ y Tamael Posadas Lupercio es el ‘grillo de taberna’. La dramaturgia de Alejandro Licona, se caracteriza por el juego escénico y el humor que le imprime a sus textos, con carácter festivo, manteniendo la atención del público durante toda la función.  Juan Enrique  Guzzi y Tamael Posadas ‘Lupercio’, asumen varios papeles con personajes disímbolos, cambiando de atuendo, fisonomía, actitud, voz, tono y volumen. Yuliana que representa a ‘Rosalinda’, una fémina que se queja y llora constantemente, con verdad y gracia. En los duelos con espadas, se nota que se prepararon, porque manejan las espadas como los ‘mosqueteros’. La escenografía, vestuario y atrezzo, muy bien seleccionado, además los equinos, ¡excelentes!, y lo más importante, los usaron  en el lugar preciso, asumiendo el paso simultáneo con el audio de cascos, moviendo las piernas como lo haría un caballo. ¡Muchas Felicidades a cada miembro de la Compañía “Máquina Teatro de Cuautla”, Morelos, a su capitán- director y… ¡Muchas Gracias por compartir su arte!

Domingo 21 a las 13 horas, “Compañía Teatral In lak’ Ech”, de Ixtapaluca estado de México, obra: “La colorada y el nahual”, dirigida a Público en General, autora: Juana Sánchez Sánchez, dirige: David Alberto Pérez López. Este Texto dramático, fue escrito bajo la tutela de la Maestra Sonia Enríquez, del “Taller de Dramaturgia Comunitaria”, basada en un hecho real. Elenco: Miriam Pérez Aguilar es ‘Doña Guadalupe’ “La Colorada”, hace una verdadera creación de un personaje típico de la mujer líder, sobre todo madre regañona, que quiere para sus hijos lo mejor, al mismo tiempo, exigente y disciplinada, evitar que su vástago no sufra en la vida, y para que logre ser un hombre de bien. David Alberto Pérez López, es ‘Pablo’ “El Casasola”, hijo de la ‘Colorada’, que sigue las enseñanzas de su madre, aunque a veces desobedece, es reprendido por “La Colorada”, (cualquier semejanza con la vida real, es mera coincidencia). Edgar Girón Castelo como ‘Armando’ y el ‘burro negro’, representa a un ser negativo, que se quiere aprovechar de los demás, asustándolos,  haciéndose pasar por el “Nahual”, del que tanto temen los del pueblo de la Trinidad Tenexyecac, municipio de San Felipe Ixtacuixtla, en el estado de Tlaxcala. María Fernanda Hernández Bautista, representa a la ‘burra blanca’, hace una verdadera creación de su personaje, lo dota de expresión corporal, simpatía y le agrega el carácter fidedigno de su especie, ‘burrita blanca’. Andrea Valeria Espinosa López, es borrego, tímido, pero cuando recibe engaños y malos tratos, se desquita dando de topes. Aldee Gómez Villanueva representa a ‘Chabela’ “La Chipana”, que sin carácter, cae fácilmente en los engaños de ‘Armando’. Sin duda, es una ‘puesta en escena’ basada en un relato de la tradición oral, rescatada por el Taller de Dramaturgia Comunitaria, de la maestra Sonia Enríquez. Significa dar a conocer las historias que no deben perderse, para dar a conocer no sólo las costumbres de antaño, sino rescatar nuestra ¡cultura ancestral! ¡Felicidades a la autora, al director y todos los actores de la “Compañía Teatral In lak’ Ech”!

Domingo 21 de enero 17 horas, Compañía “Tercera Llamada”, obra: “El Palacio de la Locura, Teatro Manicomio 1937, (Inspirado en el Manicomio la Castañeda), autor y director: Ricardo Rojas Ramírez, dirigida: adolescentes y adultos. Ricardo Rojas Ramírez es el Psiquiatra, como reza el dicho mexicano: “El que mucho abarca, poco aprieta”, no sólo es el autor, director y protagonista, sino que le falta formación dramatúrgica, su partitura carece de estructura, además de ser muy mal actor. Los primeros quince minutos, son cruciales en mantener el éxito de una obra teatral, inicia con la presencia del psiquiatra, del lado derecho-público; craso error, la parte más importante, con más potencia y a vista del espectador,  es el lado izquierdo del escenario porque leemos de izquierda a derecha. Así que el ‘respetable público’ mira el escenario de izquierda a derecha, la falta de ‘oficio’, en la primera escena, el psiquiatra aparece del lado derecho, ‘supuestamente’ escribiendo en la CPU el historial médico, sólo con la mano derecha y en un solo lado, pegando con gran fuerza, (craso error) porque no es una ‘máquina mecánica’, la CPU es un instrumento digital, le faltó pensar en eso y no dar una mala impresión, sobre todo ¡falsa! Elenco: Marisol Paredes Sánchez le da vida a la ‘mujer quemada’, Karla Estefanía Durán Rivera representa a la ‘mujer de las muñecas’, Lizbeth Sarahí Rodríguez Morales es la ‘bailarina’, Gustavo Abraham Jiménez Rayón personifica a ‘caníbal’. Esta puesta en escena, me hizo recordar una película con Libertad Lamarque, en que la familia para quedarse con su fortuna, la confinan a un ‘Hospital Psiquiátrico’. Una película, denominada: “María de mi corazón”, la actriz María Rojo, en una película “María de mi corazón”, viaja en carretera, para conseguir el contrato para dar función de  un espectáculo “Mágico Musical”, al regreso la sorprende la noche, la combi donde viaja se descompone en plena carretera, bajo una tormenta, decide pedir ‘aventón’ a un transporte que pasaba, donde llevaban a los pacientes de un “Hospital Psiquiátrico” y la confinan. Estos dos ejemplos, tenían una historia bien cimentada, principio, conflicto y acción dramática. Todo lo que ocurre, se conoce por los diálogos de los personajes, seres creados por el ‘guionista-dramaturgo’ y que cobran vida en la ficción. El dramaturgo-director-actor-protagonista, no pudo  con la responsabilidad de abarcar tantos ‘roles’ en el escenario del ¡XXX Encuentro Nacional de Amantes del Teatro 2018! ¡Lástima Margarito! Faltó oficio, asesoría dramatúrgica, histrionismo dirigido, compromiso, disciplina y ¡Amor al Arte Escénico!

Domingo 21 de enero, 17 horas, Compañía: “TAAF on Satage /Ecos del Lídice Producciones”, obra: “Porfi Ando Ando”, autor: Marc Perf, directora: Mary Carmen Pérez, dirigida: Público en General, Elenco: Alondra Salazar representa a la protagonista, ‘Julli Barcelli’, Micaela Arrabal es Benny de Gracia, Rock Torres, representa a Honorio “El Vale” Turrubiates, Mila. Coco es ‘Lizbet López’, Lola representa a ‘Janet’, estas dos jovencitas que parecen gemelas, lograron impresionar al ‘respetable público’, porque parecían gemelas, mientras una entraba a escena, la otra esperaba, cuando se encontraban juntas, parecían el ‘reflejo de su imagen en el espejo’. Pancho Zapata, Don Lelolu, y Angie Espinosa Staff, representaron el texto dramático donde la protagonista ‘Julli Barcelli’, es una famosa estrella del Teatro Frívolo, de principios del siglo XX, está a punto del ¡colapso! Y… llega la Primera Tiple, del Gran Teatro “Bernardo García”, por lo que se siente desplazada. En ese momento les avisan a los actores de la Compañía, que esa noche, asistirá a la función ¡Don Porfirio! Todos se ponen nerviosos porque quieren lucirse. Una obra, donde el espectador, se puede dar cuenta de lo que pasa en: “el teatro, dentro del teatro”. ¡Felicidades a cada uno de los personajes! A los espectadores, los llevaron de viaje en el tiempo, hasta la época Porfirista, y su actuación, fue una delicia del Teatro de Antaño. ¡Felicidades a todos los que participaron en la ‘puesta en escena’!

Domingo 21 de enero a las 18:30 horas, Compañía: “Mom Stage”. Delegación Álvaro Obregón, CDMX.  Obra: “Nine”, de Arthur Copit y Mauri Yeston, dirigida por Diego Cortés. Esta es la muestra de lo que se puede lograr, con disciplina, entrega y dedicación, una compañía numerosa, bien coordinada, por el director de escena Diego Cortés, 14 actores y actrices, conforman el elenco. Federico Di Lorenzo es Guido Contini; Jaqueline de Kerpel representa a la esposa; Liz Pavia, Karla Albanesa, Gina Perroni, Paulina Rabay, Patricia Fernández, Alma Zamudio, Nayeli Huerta, Vicky Escudero, Diana Cotera, Beatriz Larios, Cristina Marín, Gabriela Larrea y Santiago Gómez. Sin duda, el director Diego Cortés, tiene oficio, creatividad, compromiso y disciplina, lo que le permite manejar un grupo tan numeroso, amén de estar atento a las afinaciones de todo el elenco, porque todos cantan en vivo.
Las coreografías bien ejecutadas por cada uno de los miembros de baile, simultáneamente, en armonía voces y bailes; los cambios de vestuario, pelucas y atrezzo, fueron precisos, pertinentes, lo mismo que entradas y salidas del escenario. La ‘puesta en escena’ siguió las series poéticas paralelas, que remiten a diseños y objetos poéticos a ‘priori’, lo que da como resultado: Obra de Teatro Musical de excelencia. ¡Felicidades a todo el elenco, por su imagen poética!
Además, en esta ocasión, agregaron al ‘montaje’, vídeo con la imagen del protagónico Guido Contini, con el que dialoga, interpretado por Federico Di Lorenzo, que además de tener capacidad histriónica, tiene voz potente, la proyecta y logra interpretar con emoción y sentimiento al cantar. El resto del elenco, trabajaron como debe ser la maquinaria teatral, cada uno de los miembros  de la Compañía “Mom Stage”, es muy importante, si uno falla, se nota, el Teatro es ¡trabajo de equipo!
“Allí está el fastuoso escenario de la vida para los que saben mirar un poco” Doménico Cieri Estrada
Así que por su entrega, disciplina, compromiso y verdad, lograron transmitir emociones y sentimientos, capacidad histriónica. Valores que deben tener los “¡Amantes del Teatro!”
Cada uno de los participantes en la “XXX Encuentro Nacional de Teatro”, debe tomarlos en cuenta, se necesita: ‘Texto Dramático", estructurado, director o directora responsable, actores, actrices, escenografía, luminotecnia, atrezzo, musicalización, coreografía, apoyos en las diferentes actividades, y sobre todo, ‘colaboración’ de cada uno de estos elementos; porque “el Teatro, es un trabajo de equipo”, cada uno de estos elementos es “muy importante”, no es posible que una sola. “La dramaturgia hace dialogar imagen, pensamiento, deseo, y emoción”, ¡Nunca Sermón! Ahuyentamos al público.

Martes 23 a las 1830, Compañía: “Los renacentistas”, delegación Cuauhtémoc CDMX, obra: “El rey se muere”, autor; Eugene Ionesco, dirige: Renato de la Riva, dirigido: adolescentes y adultos. Elenco: José Montino ‘el Rey’; Teresa Guízar ‘Margarita’; Celina Acosta Silbernmann ‘Julieta’; Marcía Romero ‘María’; Sergio Quintero ‘el médico’; Diego Yaru Gato ‘Judío’; con música ‘en vivo’ ¡el sueño de todos los teatristas! Jefferson Storn-Mesa al ‘Piano’; Aarón Menes al ‘Cello’. La trama de este interesante texto dramático, creación de un gran autor Eugene Ionesco; el director escénico Renato de la Riva, con esta ‘puesta en escena’, demostró una vez más su profesionalismo, porque desde la primera lectura, logró que su Compañía y colaboradores, entendieran la tónica del género de Ionesco, considerado el padre del ‘absurdo’, es cuestionamiento y respuesta a una sociedad mirada con humor e inteligencia, sigue representando el disparate. En pleno siglo XXI, es tan vigente, como él lo había previsto; los seres humanos, que usan las tecnologías digitales, se han ‘deshumanizado’, ya no se comunican en ‘vivo’, pueden estar en una cafetería o restaurante y como Juan Pirulero, “cada quien atiende a su juego”, se entretienen en su celular. ¡El Teatro!, es un medio de comunicación “¡en vivo!” No cabe duda que: “La realidad siempre supera a la ficción”, Eugene Ionesco.
La temática de este texto de Ionesco además, es el temor a la muerte, que el actor José Montini, interpreta al Rey con excelsa nitidez, un rey tirano, egoísta, prepotente, dando órdenes a diestra y siniestra, la vida lo pone al borde de la muerte, sin remedio. Los cambios que sufre en su comportamiento ante la vida, lo pone en crisis que Montini actúa con veracidad. Teresa Guízar, Celina Acosta y Marcia Romero, tres actrices que hacen gala de histrionismo; cada una proyecta la psicología de su personaje, a detalle, expresión corporal, facial, mirada, voz, volumen, tono, claros subtextos, que coadyuvan en las mejores interpretaciones, acción-reacción, amén del buen uso del vestuario, modales y atrezzo. Sergio Quintero ‘el médico’, e Iván García como Alabardero, demuestran que no hay papel ‘pequeño’, porque logran transmitir emociones y sentimientos, en su corta participación. ¡Felicidades! La escenografía, luminotecnia,  vestuario, atrezzo a detalle, pelucas y maquillaje, son ‘ad hoc’ a la época en que se lleva a cabo la trama. La creación musical, aunque no vienen los créditos en el programa, puedo pensar, que la seleccionó el director escénico, porque es ideal en cada momento, además los músicos: Jefferson Storn-Mesa al ‘piano’ y Aarón Ménes al ‘cello’, interpretaron la música de apoyo precisa en cada escena, ¡excelentes músicos!
“El teatro es arte vivo, un agente de cambio y de conciencia social” Anaraceli Alvarado Álvarez

Miércoles 24 a las 16 horas. Compañía “”Los Torruco”, obra: “Pita Amor. Conciencia Turbada”, Delegación Cuautémoc CDMX, autoría bipartita: Mario Ficachi y Guadalupe Amor, texto en homenaje en el Centenario de su nacimiento (30 mayo 1918), dirección: Mario Ficachi, dirigido a mayores de 12 años. Itzhel Razo o Tania Viramontes (aunque no se aclara qué actriz se presentó) la psicología de ‘Pita Amor’, los autores hicieron una verdadera creación de ese singular personaje, lo que las crónicas dicen que era el carácter, de esta creativa, inteligente y bella poetiza, porque la que esto escribe no tuvo el privilegio de conocerla, así que confío en Mario Ficachi y su cómplice Guadalupe Amor, que consiguieron representarla con fidelidad. Pita Amor, que se llamó: Guadalupe Teresa Amor Schemidlein, se convirtió en la autora femenina más reconocida de México, en la primera mitad del siglo XX. A los 28 años publica su primer libro de poemas “Yo soy mi casa”: sorprende con sus sonetos perfectos, publicó muchos poemarios y participó en exitosos recitales, era difícil creer que con su frivolidad fuera tan reflexiva y profunda. Padecía de  Trastorno Narcisista de la Personalidad, conducta de grandiosidad, avidez por el éxito, poder, brillantez y belleza, necesidad de admiración e intentos constantes por ser el centro de atención. Al morir su  único hijo, de apenas año y medio, perder a un hijo es antinatural y produce un duelo anormal crónico en cualquier ser humano, pero en personalidades narcisistas es aún más grave, Pita no tenía recursos emocionales para enfrentarlo. Abandonó su carrera que estaba en la cúspide, y poco se supo de ella en los años siguientes.El director Mario Ficahi, consiguió que la actriz que le dio vida a Pita Amor, hiciera una verdadera creación de la psicología del personaje, arropada por elementos de escenografía y luminotecnia de Arturo Nava, vestuario de Cristina Sauza, peluquería de Carlos Guízar, Joyería y accesorios de ‘Chácharas MF’, asistente Itzhel Razo, voz en off de locutora Margarita Castillo, y edición pista de sonido Itzel Meza, el trabajo de equipo dio frutos en la escena, que los espectadores agradecen, por la estética en su conjunto y lo respetuoso del ‘montaje’, así quedará la imagen de esta genial mujer. Usaré sus palabras en una frase:  “El cansancio que tengo es infinito; todo el dolor del mundo lo he probado; un laberinto de ansiedad habito y a tientas me revuelco en lo intrincado”. ¡Felicidades a la Compañía y creativos de Pita!

Miércoles 24 a las 18:30 horas, Compañía “Mortem Teatro”, delegación Coyoacán CDMX, obra: “Lunas de amor y muerte”, autor: Federico García Lorca, director: Diego Santana Murillo, dirigido: adolescentes y adultos. Elenco: Emma Aguilar representa a la ‘Madre’ y ‘Martirio’; Diego Aviña es el novio, Tamara Pardo es la ‘vecina’ y ‘Bernarda Alba’; Minah Cerviño le da vida al ‘narrador’ 1/’Curianita’ 1 y ‘Adela’; Axel Enríquez es ‘Padre’ y ‘Curianito’; Citlali Cobos representa a ‘Mariposa’ y ‘Angustias’; Danna Muñíz le da vida a ‘Curianita’, ‘Silvia’ y ‘Magdalena’; Anna Valverde tiene el papel de ‘Curianita Nigromanta’ y Amelia; Érika Mora hace de ‘Narrador’ 2, ‘Curianita’ 2 y ‘La Poncia’; Enrique Cervantes es ‘Leonardo’. “El Maleficio de la Mariposa”, es una comedia en dos actos y un prólogo. Es una comedia rota, del que quiere arañar la Luna y se araña su corazón. “Bodas de Sangre”, Poema Trágico en tres actos y siete cuadros. El director Diego Santana Murillo, tuvo la excelsa idea, de intercalar cuadros de una y otra obra teatral, para suavizar lo fuerte de las escenas del poema trágico. Preparó a su equipo de histriones, de forma tal, que pasaban de una a otra escena sin menoscabo de actuación, es decir, cambiaban de personaje, vestuario, voz, tono, intensidad, actitud, expresión corporal, facial,  además, claros subtextos y, con todo lo anterior, como resultado, adquirieron buen ‘ritmo’ y perfecta continuidad.
Así consiguieron que la representación, fuera ¡excelsa! Disfrutable para el ‘respetable público’. ¡Muchas Gracias por su entrega, compromiso y disciplina! Ustedes demostraron que ¡aman el quehacer Teatral! ¡Felicidades!... ¡Vivan los oficiantes del Teatro! Y… ¡Viva el Teatro!


XXIX ENCUENTRO NACIONAL de los AMANTES del TEATRO 2017


INICIA EL XXIX ENCUENTRO NACIONAL DE AMANTES DE TEATRO 2017, EN EL TEATRO JIMÉNES RUEDA DEL INBA. Por: Anaraceli Alvarado, Miembro del Comité de Análisis y Testimonio.

“México, entre el cielo y el infierno”, Autor: Beltrán Flores (Versión libre de “Los Encantos del relajo” de la dramaturga, Norma Román Calvo), Director: Carlos de la Rosa. Género: Comedia. Compañía: “Pura Lata Teatro”. Delegación: Nezahualcóyotl, Estado de México. Sin duda es una temática vigente, se refiere a las costumbres y a los problemas sociales de México hoy más que cuando la escribió la autora primigenia; porque la versión libre, aprovecha para mencionar los últimos acontecimientos del país, lo cual permite al ‘respetable público”, además de divertirse, tener la oportunidad de experimentar dichas pasiones junto con los personajes, pero sin temor a sufrir sus verdaderos efectos. La catarsis es la facultad de redimir, sus propias bajas pasiones, al verlas proyectadas en los personajes de la obra, y al permitirle ver el castigo merecido e inevitable de éstas; pero sin experimentar dicho castigo él mismo. Al involucrarse en la trama, la audiencia puede experimentar dichas pasiones junto con los personajes, pero sin temor a sufrir sus verdaderos efectos. De modo que, después de presenciar la obra teatral, se entenderá mejor a sí mismo, además de los tiempos violentos y de crisis por los que pasamos en México, por lo que los espectadores, saldrán del recinto teatral, con nuevas expectativas para su vida, familia, colonia y comunidad, porque habrán reflexionado al respecto. El director Carlos de la Rosa, se engolosinó y abusó de las canciones largas, para llenar tiempos, no hubo ritmo y menos ‘time’; el trazo escénico fue fallido, teniendo tres mamparas con imágenes de la ciudad de México, los actores pasaron de izquierda a derecha y viceversa sin sentido, ni siquiera voltearon a ver los edificios, pudiendo simular, que llegaron a un lugar desconocido pasando en varios planos, entre las mamparas admirando el paisaje citadino. La iluminación careció de sentido, ni siquiera se iluminaba lo suficiente en las áreas donde estaban los personajes protagónicos, sin atmósferas. (Solo rojo en el infierno).


“¿Duermen los peces?”, Autor: Jens Raschke. Director: Arcelia Guerrero. Compañía: “Teatro Reno”. Duermen los Peces? Es una pregunta, de las miles que hacen los infantes, así que desde el título, la autora Jens Raschke, demuestra el conocimiento del alma infantil, además de que su dramaturgia permite que el teatro se perciba en los cuerpos, el tiempo y el espacio del ‘convivio’, como un fenómeno de la cultura viviente, ‘en el aquí y en el ahora’, así como viven la vida los pequeños espectadores, amén de que los adultos que los acompañan, se permiten disfrutar “la magia del teatro”. De este modo, con la ‘verdad histriónica’ del grupo Reno, con la traducción de Blanca Cabrera, la atinada, imaginativa y meticulosa dirección de Arcelia Guerrero, con buen ritmo, tono, ‘time’, uso de practicables, y la espléndida actuación de Adriana Reséndiz, con su capacidad de transmisión de emociones y sentimientos, crearon una ‘puesta en escena’ delicada, fina, detallista y sobre todo, sincera; precisamente como son los infantes, sin cortapisas, aceptando y concesionando cada movimiento, sonido, color, figura que va formando la actriz en escena. Al inicio de la obra, Adriana toca el acordeón, atrapa al público con la melodía que interpreta y después, vuelve a tocar el acordeón, con lo que culmina la historia, que además de interesante, queda en el público, una lección de vida, sobre todo a los adultos que nos hace reflexionar, amén de entender el alma infantil. ¡Felicidades a todo el equipo creativo y al grupo Reno!


“La batalla final”.- Autor, Director y Protagónico: Víctor Hugo Vargas. Compañía “Arte Tláhuac”. Delegación Tláhuac, Ciudad de México. El autor escribió un texto saturado de conceptos, demasiada información, porque el ‘Teatro’, en tanto acontecimiento, es mucho más que las prácticas discursivas de un sistema lingüístico, excede la estructura de signos verbales y no verbales, el texto y la cadena de significantes a los que se reduce, para una supuesta comprensión. El ‘Teatro’ como acontecimiento, no todo es reductible a ‘lenguaje’. Hacer ‘Teatro’, consiste en ‘colonizar’ la cabeza del espectador con imágenes que no comunican, sino habilitan la propia elocuencia del espectador. Los grandes Directores, recomiendan: “Improvisar menos, estudiar más”. Ellos descubrieron, teorizaron y llevaron a la práctica, por lo que hay que conocer las técnicas de la creatividad y de la improvisación, para que el trabajo del director sea más seguro y consiga los frutos esperados. En cuanto a los objetos y escenografía, la relación actor-objeto, exige entrenamiento, control del espacio escénico. Meyerhold, que fue un innovador permanente, logró prescindir del realismo de Stanislavsky, que con pocos elementos logró ‘verosimilitud’. Eso mismo, lograron representar con telas y cuerdas, los diferentes paisajes, ¡excelente! Sólo recomendaría al autor-director-protagonista, que no se puede ser ‘todólogo’, porque se pierde el control de tres importantísimos elementos básicos, de una ‘puesta en escena’; autor-director-protagonista, una sola persona pierde objetividad, además hubo escenas en las que, al Ángel Gabriel, se le olvidaba el texto, hacía pausas tan largas, que se perdía el ritmo. Prueba fehaciente de exceso en el texto, la retahíla del final, seis largos sermones, como antaño lo hacía Esopo que al final de sus fábulas, mencionaba la ‘moraleja’. No olvidar que: “La dramaturgia hace dialogar imagen, pensamiento, deseo, y emoción”, ¡Nunca Sermón! Ahuyentamos al público.


“La Calaca, nuestra señora del hueso”.- Autor: Hugo Argüelles. Director: Israel Chávez Velasco. Compañía: “Teatro de Banco Azteca”. Delegación Tlalpan, Ciudad de México. Al abrir el telón, el ‘respetable público’ se sorprendió al ver como telón de fondo, el dibujo de la ‘garbancera’, mejor conocida como “Catrina”, creación del grabador Guadalupe Posada; mientras las 6 piernas, forradas con tela lucían decorado de flores de cempasúchil, además de lápidas de tumbas del maestro dramaturgo Hugo Argüelles y el grabador José Guadalupe Posada, una ‘puesta en escena’ con buen texto dramático, personajes bien delineados, vestuario elegantísimo, el uso de un títere, que la misma ‘calaca’ le daba vida y dialogaba con los actores. Se excedieron en el tiempo de las canciones, porque pasaron completas las ‘rolas’. Los actores proyectaron bien la voz, tono, dicción ‘time’, buen trazo escénico y adecuado manejo del espacio, para cada personaje. ¡Felicidades para el elenco y especialmente al director Israel Chávez Velasco!


 “Un Dios Salvaje”.- Autora: Yasmina Reza. Director: Adrián Miranda. Compañía: “Banana Teatro”. Cuernavaca, Morelos. Una historia con cuatro personajes, dos parejas, elenco: Dalia Salcedo, Irving Toledano, Maryuri Damesa y Luis Figueroa, en la que se muestra la realidad del siglo XXI, adicción al celular, malas relaciones familiares, poca atención a los hijos, en pocas palabras, roto el tejido social y familiar, surgen conflictos que no pueden resolver, por lo que dos parejas que supuestamente se consideraban amigas, terminan violentándose al calor de las copas, argumentando defender a sus hijos. El director Adrián Miranda, logró esta ‘puesta en escena’, y consiguió durante el montaje, personajes bien construidos, proyección de voz, tono, dicción, ‘time’, expresión corporal, facial, escenografía minimalista, buen trazo escénico, verosimilitud en el anécdota, que actualmente la tecnología invade a familias, hogares, lugares de trabajo y lo agradeció el ‘público’.¡Felicidades todo el elenco, en especial al director Adrián Miranda!


“Los Fantasmas de Santiago”.- Autor: Francisco Barcala. Director: Adán Leyte. Compañía: “Adhare Primer Acto Artes Escénicas”. Delegación Venustiano Carranza, CDMX. Un texto bien estructurado dramáticamente, buena idea el vestuario de los personajes, la expresión corporal y facial de Francisco Barcala y Carlos Luna, en los papeles de Santiago y Tizoc, respectivamente, dieron a sus actuaciones como fantasmas, eran más bien, ‘espíritus chocarreros’ porque eran traviesos y al mismo tiempo, inocentes, lográndolo con verosimilitud, lo que hizo que los espectadores, asumieran que eran fantasmas, que al principio no los veía Carolina, ni después su amigo y Brayan Bek que le dio vida a Santi, con aparatos sofisticados. Buena dirección de Adan Leyte. En cuanto a Melissa Rango como Carolina, buena creación de personaje, expresión corporal, facial, buena transmisora de emociones y sentimientos. ¡Felicidades a todo el elenco y al director Adán Leyte!


“Tezcatlipoca”.- Autor y Director: David Alberto Pérez López. Compañía: “In Lak’Ech. Delegación Iztapaluca, Estado de México. Una historia que nos remite a la época prehispánica, por lo que los seres humanos buscamos en el pasado, reafirmar nuestra cultura ancestral, para fortalecer la vida contemporánea. Tezcatlipoca, palabra náhuatl, significa, ‘espejo negro que humea’, tezcatl=espejo, tliltic=negro, poctli= humo (en la mitología mexica), es el señor del cielo y de la tierra, fuente de vida, tutela y amparo del hombre, se asemeja a Dionisos el dios griego, porque ambos se identifican en lo diverso, como un reflejo disperso, el espejo como símbolo privilegiado. Sobre todo la creación del espectro con estos tres actores: Coatzin, Itzmin, y Azcatl, su manejo corporal, el código del manejo de los brazos, con expresividad y el uso de las telas. Precisamente en este momento de nuestra historia, en la que vivimos tiempos difíciles, es cuando se recurre al teatro como un bálsamo del alma, que nos libera de las actuales presiones de México. María Fernanda Hernández Bautista como Tezcatlipoca y Cipactli, demostró presencia escénica, carácter, y proyección de voz, lástima que su dicción dejó a los espectadores con lagunas en lo que decía, no se le entendía y cuando gritaba, agudizaba tanto la voz, que se perdía.


“Quiero ser Michael Jackson”.- Autor y Director: Noé Nolasco. Compañía: “Toputshi Teatro”. Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México. Elenco: Carlos Torres, Itzel Lara, Oscar Santini, Sandra Galavis, César Real y Miguel Arteaga. Un texto bien estructurado, actuaciones verosímiles, buena dicción, volumen, tono, expresión corporal, facial, tareas escénicas justificadas, por lo que la dirección quedó redondeada con el trazo escénico, ritmo, tono, ‘time, hicieron de esta ‘puesta en escena’, además de ser atractiva por el tema, ‘el rey del Pop, en sombra’, las escenas eran divertidas, aunque hubo también escenas de tristeza y melancolía, que me dí cuenta que el ‘respetable público’ disfrutó intensamente, incluyendo a la que esto escribe. ¡Felicidades a cada uno de los actores y a Noé Nolasco!


“Ninfómanas” (Adaptación de pequeña pieza Psicopática) Autor: Federico Roca. Director: Felipe Morales Hernández. Compañía: “Conín”. Ciudad de Querétaro, Querétaro. Tener una ninfómana en el lecho es el anhelo de muchos hombres, pero este deseo les puede generar grandes frustraciones, según los expertos. La ninfómana utiliza el sexo compulsivo como droga. “Lo hace para escaparse de sensaciones de ansiedad, soledad, enojo y odio a sí misma, y también para sentir alegría”. La psicopatía, es un trastorno de la personalidad, donde las facultades cognitivas del individuo permanecen intactas, pero su capacidad afectiva es nula. Una representación teatral es ‘ficción’, tomando en cuenta que la boca de escena es una ‘lupa’, todo lo que sucede en el escenario aumenta, así que la dirección de Felipe Morales Hernández, dista mucho de ser ‘teatral’, dio la impresión de estar en un prostíbulo sin cortapisas. Sobre todo Erick Fernando Estrada Ramírez, en el papel de Antonio, cuando se chupaba los dedos de manera lasciva, (no era necesario) Debemos tomar en cuenta, que es un horario de tarde, no es Cabaret ni horario de media noche. Sin embargo, las actuaciones de todo el elenco, fueron convincentes, con credibilidad fidedigna. ¡Felicidades!


“Metro Cita” Autor y Director: Alexander Minchenko, Compañía: “Teatro No Verbal”. Naucalpan, Estado de México. No cabe duda que cuando una Compañía Teatral, es disciplinada, trabajadora y además responsable, adquiere la categoría de ‘excelencia’, se nota en su: presencia escénica, manejo del espacio, coreografía, vestuario para cada personaje, diferente en cada escena, expresión corporal, facial, construcción de la expectación para compartir entes-acontecimientos poiéticos y generar una afectación y estimulación a través de esos objetos, por su incisión en el tejido del tiempo-espacio y en la historia; dadas las concesiones, los espectadores asumen que suben por escalera eléctrica, abordan el metro, se van y bajan por la escalera eléctrica. ¡Felicidades a: Ignacio Pineda, Itzel Díaz, Gabriel Hernández Jocelyn López y especialmente al autor-director Alexander Minchenko!


“Ópera Pánica”, Autor: Alejandro Jorodowsky. Director: Guillermo D. González. Compañía: “Absit”. Naucalpan, Estado de México. El autor Alejandro Jodorowsky Prullansky, es psicoterapeuta, por lo que el que se acerque a su dramaturgia, debe investigar, entender claramente el sentido de sus textos, para tener la capacidad de recrear y poner en escena, lo que el autor primigenio quiso transmitir y comunicar. Cada una de las historias, tienen un sentido y sobre todo, la música que va implícita en una “Ópera”. ¿Qué pasó con la música y el canto? Con romper la cuarta pared, no es suficiente para atrapar la atención del ‘respetable público’, se necesita compromiso de parte del capitán del barco, el director, para que se mantenga el interés y los diez actores, tengan la capacidad de transmitir emociones y sentimientos, amén de lograr el ritmo, tono, ‘time’, sobre todo ‘jugar’ ya que el teatro es juego por antonomasia, sin estrés, con gusto y disfrutar la ‘puesta en escena’ de principio a fin, para que a su vez los espectadores la gocen, rían y reflexionen sobre el juego de espejos que han presenciado.


“Negrona Yeah”.- Autor: Luis Méndez Hernández. Director: Elizabeth Lomelí Sánchez. Compañía: “Taller de Teatro Sexto Sol” de la Universidad Autónoma de Nayarit. Existen muchas formas y causas para agredir al ser humano, sobre todo cuando se trata de diferencias de cualquier índole: físicas, volumen, estatura, color de piel, pelo hirsuto, crespo, cualquier característica física diferente a la mayoría, es motivo de agresión, que la familia y la sociedad, deben combatir y extirpar de raíz, para no dañar a los seres que son motivo de ‘bullying’. Hacer teatro es ‘colonizar’ la cabeza de los espectadores con imágenes que no comunican, sino que habilitan la propia elocuencia, porque además el teatro, es un acontecimiento sometido a las leyes de la cultura viviente, con la representación, se logra sensibilizar a través de la transmisión de sentimientos y emociones, de: Kimberly Carrazco, que protagoniza esta obra en el papel de María de Jesús “Negrona”, Nayeli Lara, Samantha Lara, Gabriel Velázquez, Elías López y Luis Hernández, debo mencionar que representaron cada uno entre tres y cuatro personajes; lo más notable, es que claramente marcaron las diferencias, con expresión corporal, facial, voz, tono,clara dicción, actitud y sobre todo, credibilidad. Esta ‘puesta en escena’, es la prueba fehaciente, de que para crear ‘la magia del teatro’, no se necesita ‘parafernalia’, sólo actuar con verosimilitud. ¡Felicidades a cada uno de los actores y especialmente a la directora Elizabeth Lomelí Sánchez!


“El Héroe de Barrios”.- Autor y Director: Luis Méndez Hernández. Compañía: “Mascarilla Teatro”. El tema es magnífico, la historia bien contada, buena estructura dramática, creativas las canciones a ‘cappella’, los trastos y utilería bien aprovechados, buena creatividad el uso de practicables, formando diferentes niveles, el elenco: Jazmín, Briler, Carlos Seefoó y Brayan Aguiar, este último no pudo controlar el pánico escénico y tuvo algunos tropiezos al decir sus textos; sin embargo, formaron un trío de actores con proyección de voz, dicción, volumen, tono, buena transmisión de emociones y sentimientos, El director demostró imaginación, no se engolosinó con su creación, logró enriquecer la ‘puesta en escena’ con canciones originales, lo conmino a enriquecerla, con música grabada y coreografía. ¡Felicidades al trío, especialmente al autor Luis Méndez Hernández!


“La historia ridícula del oso polar que se quedó encerrado en el baño del restaurante”.- Autor: Luis Santillán. Director: Roberto Rivero Barquín. Desde el título de la obra, empieza la complicación, porque es tan largo que el ‘respetable público’ no podrá memorizarlo, además el Teatro es ‘lúdico’ por antonomasia, por lo que la complicación no facilita el juego. El romper la cuarta pared con los personajes alternando con los espectadores, no fue suficiente, porque en el escenario no se cumplió con los cánones de comunicación, requeridos, tomando en cuenta que el teatro trabaja con dispositivos de estimulación, que gracias a la convención que estimula la imaginación, en escena sólo se necesita un espacio vacío. Con parafernalia y vestuario, quisieron llenar la falta de compromiso teatral.


“La casa de Isabel Abad”.- Aitor: Sergio Torrejón Martínez. Director: Ricardo Rojas Ramírez. Compañía: “Tercera Llamada”. Una historia de época, en la que cuidaron los detalles: lenguaje, costumbres, sumisión, muebles, vestuario, (excepto el vestido rojo de Alicia), y después de ver el desempeño actoral y el verdadero hilo conductor, el autor debería haber cambiado el título, por el de: “Las enseñanzas de Flora”, o cualquier otro título, dejando como personaje central a Flora. Invito al autor a que medite y analice detenidamente el nuevo tratamiento que le dio a la historia primigenia, (no precisamente mostrando un teatro contemporáneo). Felicito al elenco, y especialmente al director, por la meticulosidad de la ‘puesta en escena’, sólo debe mejorar el diseño de la luminotecnia. ¡Felicidades!


“Pedro y el Capitán”.- Autor: Mario Benedetti. Director: Pedro Aguayo Chuc. Compañía: “Tragos”. Un texto maravilloso, tan actual que sorprende por la veracidad de los acontecimientos, la psicología de los personajes, además de los cambios que sufren ambos durante la trama, que aparentemente es sencilla y fácil de representar, para los creadores que tienen oficio, amén de experiencia. Porque el tema es profundo, complejo, el ‘time’, el tono, la evolución y sobre todo, los matices que requieren dar los dos actores, son difíciles de crear en la escena, porque van en crescendo, paulatinamente, hasta llegar al clímax. Considero que fueron ambiciosos para elegir la partitura, lo peor, fue hacer pausas tan largas, perdió ritmo que desconcentraron al ‘respetable público’. Porque existen recursos para luir, ensangrentar la ropa y a Pedro, nunca deben salir de escena y dejarla ¡vacía! En cuanto al capitán, a Pedro Aguayo Chuc, al resto de la producción y a Carlos Anaya Hernández, les faltó investigar, porque un capitán lleva tres barras, este capitán era “Teniente”, con sólo dos barras. Al final era patético ver como Julio César Mancilla, delgado corporalmente, sufrió al sacar de escena al robusto Pedro muerto, (no era necesario).


“Los Monólogos de la Ignominia”.- Autor: Oscar Liera, Rosa Sánchez y Diana Álvarez. Director: Carlos Arturo Corona. Compañía: “Taller de Teatro Municipal Loló Navarro”. Veracruz, Veracruz. “Ignominia” en latín, significa deshonra, mancha, vergüenza, infamia: es el resultado de una acción culpable, que una persona hace, y también se refiere a la afrenta pública que se hace a alguna persona. La voz se compone del prefijo ‘in’ y de la raíz ‘nomen’: literalmente es la pérdida del nombre propio. La participación de esta Compañía, fue con varios monólogos, de los que por el texto, la dicción clara, tono, volumen, claros subtextos, buena transmisión de sentimientos y emociones, sobre todo ‘credibilidad’, elijo el mejor representado: “Tengo 17 años”, con la actriz Andrea Jonguitud Enríquez, creo el personaje de Andrea. ¡Felicidades! A los monólogos les faltó dirección, las actrices carecieron sobre todo de dicción, así que los espectadores, no pudieron disfrutar del texto y les faltó sobre todo de credibilidad.


“Freak Show”.- Autor: Martín Guiner. Director: Luis Miguel Aparicio. Compañía: “Cúcara Mácara México”. Delegación Cuauhtémoc, CDMX. El presentador llega elegantemente ataviado, con presencia escénica, sorprende al público porque habla desde el espacio de los espectadores, sube al escenario, habla con buena dicción, volumen, tono, modulación de voz, con veracidad en sus promesas, porque ofrece presentar algo insólito, hasta que se abre el telón. El elenco conformado por: Jazmín Hernández-presentador, Jazmín Salguero-Josefina y Luis Ángel Flores-Cecilio, dieron una cátedra de actuación, con creación de la psicología de sus personajes a detalle, buena dicción, silencios, inmovilidad cuando se necesitó hacerlo, perfecta simultaneidad cuando hacían coros, cuando se adivinaban lo que uno decía y el otro respondía, claridad en los subtextos, expresión corporal, facial, con sólo dos pequeñas sillas y una mesita, fue suficiente para crear la magia, por lo que demuestran disciplina, compromiso, profesionalismo y sobre todo, esta ‘puesta en escena’ es la prueba fehaciente del significado lúdico del teatro y de la meticulosa dirección de Luis Miguel Aparicio. ¡Felicidades a toda la Compañía!


“Lisístrata’s House”.- Adaptación Colectiva de Lisístrata de Aristófanes. Director: Luis Mario Flores. Compañía: “Enlace Teatro”. Nuevo León, Tamaulipas. Un proyecto ambicioso, por lograr la esencia del texto dramático original, que trata de la rebelión de las mujeres: Huelga del sexo. Porque en estos tiempos la República Mexicana sufre de violencia, narcotráfico que produce guerra entre cárteles, sobre todo en el norte. Sin duda lograron modernizarlo a la usanza norteña, con lenguaje alburero, expresión corporal, facial, demostrando su femineidad, coquetería, sensualidad, voluptuosidad; sobre todo, su arreglo en cuanto a vestuario, zapatillas con plataforma, maquillaje y manera de caminar. Cada una de las actrices que conformaron el elenco: Sinaí Sánchez, Rocío Denisse Ramos, Joselhyn Garza, Carolina Velazco y la protagonista Lisístrata, representada por Adriana Ramírez Guajardo, lograron atrapar a los espectadores, desde su aparición en escena, siguiendo cada movimiento, texto y sobre todo la representación de cinco bellas mujeres, discutiendo por lograr poner fin a la guerra, una noble causa. ¡Felicidades!


“La Sirenita”.- Hans Christian Andersen. Adaptación y Dirección: Alberto Ramos. Compañía: “Stage Company”. Sin duda una compañía profesional con recursos, que le permiten llenar el escenario desde la presentación con escenografía, títeres de varilla de fauna y flora marina, de ‘teatro negro’, que sorprende y maravilla al ‘respetable público’, lo que enriquece y predomina en esta puesta en escena, es el colorido vestuario, amén de las claras identidades de cada personaje, la simpatía del cangrejo que le da vida Yeyo Legorreta, la sorprendente bruja del mar por Mónica Martínez, sus hijas Queta es Yadira Salvador y Prieta Fernanda Ortíz, la noble gaviota por Emilio Rafael Treviño, el Mar Azul le dan vida Berenice Sánchez y Carmen Villafranca, Fiorella es Alejandra Gómez Mazín. A la protagonista le da vida Ninah Cerviño, al príncipe Erick Lamda García, (conocido actor de televisión), al padre de la sirenita, Tritón lo representa Diego Cortés. Esta Compañía cuenta con Coreografías de Diego Cortés, Música de Eliseo Santillán y Montaje Vocal de Yeyo Legorreta, que garantiza el éxito en escena, por lo que se llenó completamente el Teatro Julio Jiménez Rueda. ¡Felicidades!


“Silencio… Mimo en Acción”.- Autor, director y mimo: Carlos Valenzuela. Compañía: “CVG Teatro Estudio”. Cajeme, Sonora. Un trabajo interesante, sencillo para un mimo con trayectoria y formación silente, precisamente lo sencillo, suele convertirse con el tiempo en monótono; además, se va ensuciando el trabajo, por la repetición sin buena transmisión de emociones y sentimientos. El trabajo del mimo, precisamente por carecer de lenguaje verbal, debe entrenar el trabajo interno del actor, para transmitir los ‘subtextos’, que es lo más difícil de la actuación, pero precisamente eso es lo que debemos entrenar, no sólo los movimientos que ya todos los públicos de diferentes edades conocen, como el de la caja de cristal, que hasta una niña del público se lo demostró. Señor Carlos, recuerde: “Renovarse o morir” (hablo de la escena). Trabaje en contar una historia, donde puede lucir su conocimiento de expresión corporal, facial, y claridad en los subtextos. Es necesario conmover, pero si no transmite emociones y sentimientos, no está cumpliendo con su labor ‘comunicativa’. Lo conmino a renovar y trabajar su energía.


“Adiós” (Por qué no se me ocurrió otro nombre, para una obra de despedidas). Autor y Director: Aureliano Castillo León. Compañía: “Natura y Ficción”. Delegación Coyoacán, CDMX. Una obra interesante, donde se encuentra en escena el narrador, que además es el dramaturgo, que escribe en su máquina los acontecimientos, que va enunciando y los personajes los van representando. Él, lo personifica Iván Mar y a Ella le da vida Adriana Cecilia Millán, que demuestran dominio en la escena, buena dicción, tono, se congelan cuando el narrador-dramaturgo lo marca, pululan en el tiempo según conviene al dramaturgo. Esta Compañía demostró que se pueden ejercer tres papeles en una obra teatral, lo cual me demuestra que cuando se trabaja con oficio, disciplina y compromiso, ‘¡sí se puede!’ Porque Aureliano Castillo León lo demostró, sin engolosinarse con su partitura, tuvo la capacidad de dirigir, representar el papel de narrador y escritor, sin problema, logrando una buena triada de ‘teatristas’, que culminó con una interesante ‘puesta en escena’, con buena transmisión de sentimientos y emociones. ¡Felicidades!


“El Ornitorrinco”.- Autor: Humberto Robles. Directora: Adriana Millán. Compañía: “Eureka Arte y Producción”. Puerto Vallarta, Jalisco. Esta Compañía se arriesgó a tratar un tema, que en pleno siglo XXI suele ser tabú, sin embargo lograron presentarlo sólo con cámara negra, y lo indispensable en mobiliario, porque lo importante en esta ‘puesta en escena’ es, la ‘verosimilitud’ y las buenas actuaciones de los tres personajes; claros, bien delineados, con previo conocimiento de la psicología de cada uno, por lo complejos que son, sin cortapisas, transparentes y a la vez auténticos, sin usar ‘clichés’ (que es lo más fácil), ¡todos comprometidos! El autor dialogando la obra acertadamente, la directora recreando un buen texto, presentando la realidad de la vida de los seres humanos, que no han podido definir con claridad, su postura ante las relaciones amatorias, pero precisamente por ello, en este juego de espejos que es el teatro, muchos y muchas, pudiesen encontrar el valor para enfrentar sus miedos, encontrar la solución a su incertidumbre y lograr ser felices, después de reflexionar al respecto. ¡Felicidades!


“¡Únete Pueblo!”.- Autor: Creación Colectiva con textos de Emilio Carballido. Directora: Ana María Nolasco. Delegación Cuauhtémoc, CDMX. Una historia de la vida real, porque nuestro país, el mundo se estremece, con la corrupción, la injusticia, los asesinatos; sobre todo la violencia que impera y avasalla a las sociedades. Se ha roto el tejido social en todos los sectores socio-económicos, sin duda nos afecta en nuestra vida cotidiana, lesiona nuestro espíritu, y este es el momento que como se titula esta obra teatral, se debe hacer un llamado y decir: “¡Únete Pueblo!”, basados en la cita: ‘La unión hace la fuerza’. Esta Compañía logró reunir 14 actores, ¡admirable! Lo único que le recomendaría a la directora, es que la música debe ser medida, no dejarla que corra toda la pista, porque se hace muy largo el tiempo; en cuanto a las actuaciones, se pierden las mejores cuando tienen que hablar sobre la pista musical, no le bajan al volumen lo suficiente. Lo más importante, es dar el mensaje dosificado, no como panfleto, porque pierde efectividad, el final es suficiente con la cuenta de los 43, nos queda claro a todos los espectadores. ¡Felicidades!


“Tres Amores en Condominio”.- Autor: Tomás Urtusástegui. Director: Pedro Quezada Zamora. Compañía: “Grupo Representativo de Actuación de la FES”. Una obra Teatral con escenografía de tres ambientes de: Myriam Molina, Rogelio Jonathan y Benjamín Montoya. Así actuaron las tres parejas, sin pérdida de ritmo y time, de la ‘puesta en escena’, cambiando a las parejas de escenario sin problema, ya en la fiesta, están todos en un mismo espacio. El vestuario de cada uno, logró dar personalidad y mostró el nivel socio económico, amén de tener al público atento, porque se cambiaron para la fiesta, sin dejar de hablar. La dinámica que logró la dirección acertada, permitió que el público no perdiera detalle. Coreografía de Arturo García Domínguez. Música: Juan Pablo Rivera. Asistente de dirección: Myriam Molina. Una Compañía bien organizada, bien dirigida, respetando las pausas, transmitiendo emociones y sentimientos, logrando la diversión en escena, en la ficción, con verdad, que se transmite sin cortapisas a los espectadores, corroborando que el Teatro es por antonomasia lúdico, y muy divertido. ¡Felicidades!


“Abuelita de Batman”.- Autor: Alejandro Licona. Director: Eduardo Calderón. Compañía: “Loa Teatro”. Ciudad Reynosa Tamaulipas. Esta obra se divide originalmente en 5 cuadros, el director tomó en cuenta el tiempo de representación, para participar en este encuentro, sólo ‘puso en escena’ tres: “Entonces seremos felices”, Edafné Lara y José Mauricio Salas, crearon la justa psicología de sus personajes. “Serenidad y Paciencia”, un galeno recibe a un paciente viejecito con bastón,  le da vida José Mauricio Salas, el médico Eduardo Casanova. El último cuadro “Sidartha”, un galán que pretende seguir flirteando, recibe noticia inesperada con Luis Pérez y Edafné Lara. Todo el   elenco, mostró capacidad histriónica, verosimilitud, naturalidad, voz, dicción, volumen, tono, ‘time’, expresión corporal, claridad subtextos, vestuario personificado, maquillaje, buena transmisión de emociones y sentimientos, permitió a los espectadores divertirse con las tres comedias, bien estructuradas por el dramaturgo, y la excelente dirección de Eduardo Calderón con capacidad creativa, ingenio, disciplina y oficio. ¡Felicidades a toda la Compañía y especialmente al director, Eduardo Calderón!


“Obediencia Simulada”.- Autor: Mario Ficachi. Director: Sergio Cuéllar. Compañía: Orlando Producciones. Delegación Cuauhtémoc, CDMX. La obra inicia con la narraturgia de tres personajes: Ricardo Valdivia-Pastor, Guillermo Navarro-Cazador y Ernesto García-Noble, usan lenguaje bien cuidado, lástima que lo hicieron tan lento y aburrido, la dirección se equivocó en el ‘time’. Hasta que un joven del público se queja desde su butaca, se burla de lo que dicen los tres personajes, y una vez que ha captado toda la atención de los espectadores, se levanta, sube al escenario, le reclama a cada personaje lo que ellos mismo narraron. Se escucha una música ‘incidental’, perfectamente elegida, precisa, a buen volumen, para que no opacara la voz del muchacho, que ha irrumpido en el escenario, con buena proyección de voz, dicción, tono, intención con modulación, que desde el momento en que inicia su reclamo, desde su butaca, entre el ‘respetable público’, causa conmoción, es precisamente cuando se lleva a cabo el ‘Rompimiento Brechtiano’, el actor se ‘muestra a sí mismo’.  Cuando ficción y realidad coinciden, no deben coincidir de tal forma, que desaparezca la diferencia entre ambas tareas. Lástima que los espectadores se lleven esa mala impresión, cuando algo no les gusta, pueden ¡interrumpir y gritar!


“Vicario Madre, Leona de la Patria”.- Autor y Director: Pablo Vicario. Compañía: “El Tequío de San Miguel”, San Miguel de Allende, Guanajuato. Obra histórica sobre la Vida y obra de Leona Vicario, un reto para el director y al elenco, porque la directriz debe aprovechar las escenas, para interesar a los espectadores, hacer uso de la claridad en los textos con: dicción, proyección de voz, tono, volumen, además de pausas que marca el texto, que con un buen trabajo de mesa y exigiendo a los actores buena dicción, hubiera sido suficiente para interesar al ‘respetable público’, además de transmitir los sentimientos y emociones a los espectadores, que se encuentran seguramente bien claros en la partitura primigenia. Bien elegidos los personajes para cada miembro del elenco, el vestuario, el trazo escénico, sin embargo al director le faltó llevar a cabo ritmo al montaje, dejando espacios vacíos=pausas largas entre cada escena, por todo lo anterior, un texto interesante, lo desperdició la Compañía, por la deficiente ‘puesta en escena’, de un autor-director, que se engolosinó con su texto dramático y no lo recreó en escena. 


“Horror Movie”.- Autora y Directora: Nelsy Contreras. Compañía “Hilachos… construyendo Historias”. Delegación Iztapalapa, CDMX. ¿Por qué el título en inglés? Estamos en México, donde mayoritariamente la población habla español. No necesitamos exportar títulos en inglés, si el talento creativo es nuestro y a mucha honra. Si la obra va dirigida a infantes mayores de 6 años, no les compliquemos la existencia con nombres como: Maxiosare y Casiopea. Pongámonos en los zapatos de una niña o niño de 6 años, busquemos nombres ‘had doc’, fáciles de pronunciar, sobre todo de recordar, porque la idea de la obra es ¡sensacional! Los experimentos causaron sensación en el ‘respetable público’, las actuaciones de Eduardo Pérez Lestarjette y Nelsy Contreras Bazán, convincentes, además de verosímiles, por lo que los felicito. La autora, directora y actriz, logró lo que pocos autores consiguen, no ‘engolosinarse’ con su creación de partitura y directriz, supo deslindarse y ser precisa en cada rol. Buen manejo del público infantil, mantuvo su interés, buena coordinación del baile, sin duda una experiencia infantil ¡inolvidable! ¡Felicidades!


“Urge cambiar al Mundo”.- De: Francisco Escárcega. Directora: Blanca Rita Méndez Gallegos. Compañía: “Teatro Tlancualejo”. Irapuato, Guanajuato. La imagen que elegí, es significativa, porque una de las actividades más enriquecedoras para la familia, es contar un cuento, así que la trama tiene fondo, y si la directora siguió al pie de la letra el texto dramático original, está mal estructurado, porque con el pequeño enfermo, se logró la participación del público y se recuperó, pero si la directora alteró la partitura original, entonces lo distorsionó, alargó el tiempo de la obra y repitió la gravedad del niño, haciendo participar de nueva cuenta a los espectadores, reanimando una vez más al pequeño enfermo, lo cual se degrada el interés del ‘respetable público’. Además, los actores y actrices, se notaban inseguros, les faltó trabajo de mesa, dicción, expresión corporal, se notó que no tenían clara la psicología de su personaje, eso les restaba verosimilitud, salvo honrosas excepciones. Al trazo escénico de la directora, se le olvidó el muro de la recámara, algunas veces, los personajes cruzaron por el frente y no por la cortina roja.


“Sólo para Ardidos”.- De: Alejandro Licona. Director: Jorge Domínguez Aldama. Compañías: “Granma Teatro” y “Sexto Sol”. Delegación: Gustavo A. Madero, CDMX. El texto está conformado por 4 sketches: amor-desamor, infidelidades, rupturas y amor prohibido. El elenco, 2 actores y 3 actrices, uno de ellos,  musicaliza la ‘obra’ tocando la guitarra, una actriz también canta. Escenografía minimalista, cuatro lámparas de pie, cuatro pequeños bancos con cajonera, utilería, sombreros y mucho histrionismo. Sólo con el cambio de atrezzo y utilería, conseguían el cambio de personajes y diferente sketch. La dirección de Jorge Domínguez, puso de manifiesto su oficio, exigió de los actores y actrices, la mayor de las diversiones, recordando que “El Teatro” por antonomasia, es lúdico, así que amén de buena expresión corporal, gestual, dicción, volumen, tono, clara expresión de los subtextos; todo lo anterior redunda en una buena transmisión de emociones y sentimientos. Recuerdo que el maestro Emilio Carballido decía, si una obra no es divertida, el ‘respetable público’, fácilmente la olvidará. ¡Felicidades a toda la Compañía!


“Cats”.- Autor: T. S. Elliot. Director: Maestro Jorge Tejeda. Compañía: “Escuela de Danza de la Ciudad de México Ollín Yoliztli”. Delegación Miguel Hidalgo, CDMX. Un elenco multitudinario, 25 actores y actrices, excelentes bailarines, que en este montaje demostraron: compromiso, disciplina, oficio y gusto por su trabajo en la escena, porque en la medida que los histriones disfrutan su desempeño, en la misma medida los espectadores disfrutan del espectáculo musical. El maestro Jorge Tejeda, una vez más demostró inculcar en sus pupilos lo más útil en la vida, ¡la disciplina y el compromiso! Porque a pesar de ser un elenco numeroso, cada uno de los actores-bailarines, hace su parte, en el momento preciso, colabora con el resto, sin interferir en las escenas, en cuanto a su participación personal; hace acopio de expresión corporal, gestual, pone eficiente cuidado en su maquillaje y vestuario; sobre todo precisión en las entradas y salidas de la escena. Cabe mencionar la participación del Staff, a todo el elenco y especialmente al director, por presentar esta ‘puesta en escena’ tan completa y precisa. ¡Felicidades!


“Aquí entre nos”.- Autora, Directora y protagonista: Verónica Ramos Núñez. Sin duda una mujer emprendedora, logró escribir una narraturgia, sin problemas de dirección, sólo requirió de un compañero de escena, que le acompañaran con la guitarra y cantando canciones de la revolución, que en algún momento ella también cantaba. Este tipo de textos, requiere de una mayor capacidad histriónica, por lo cual no pudo transmitir emociones ni sentimientos, porque se nota que carece de formación de expresión corporal, facial, dicción, tono, proyección de voz, sobre todo, la claridad en los subtextos, que le hubieran dado mayor proyección interpretativa y por ende, capacidad de movilidad y desplazamiento en la escena. Con su texto narratúrgico, no fue suficiente el memorizarlo y repetirlo, faltó ‘sentirlo’, desde las entrañas, imaginar que el personaje está vivo, que vive dentro de ella, que le da su cuerpo, su voz, sus sentimientos y sus emociones, para ‘interpretarlo’, con verdad; porque en el escenario cobra vida, para que el ‘respetable público’ lo perciba, lo sienta, se emocione y reflexione. Verónica Ramos Núñez sólo lo repetía, unas veces sentada, otras parada, como si estuviera platicando con ella misma, solo se paró, después de ponerse las cananas o carrilleras. Ni siquiera al platicar con una amiga, con la comadre, con una compañera de escuela y vecina, hablamos sin poner en juego nuestros sentimientos, y emociones. No es fácil escribir un texto dramático,  pero podemos ‘aprehender’, al leer textos de autores como Emilio Carballido, Héctor Mendoza, Rodolfo Usigli, Luisa Josefina Hernández y Elena Garro.


“Cuarteto”.- Autor: Heiner Müller. Director: Antonio Linares. Compañía: “INSHA-INICTE, Fes Aragón UNAM”. Nezahualcóyotl, Estado de México. El director y los actores Ana Isabel Alcantar en el personaje de Marquesa de Mertehuil y Alan Montaño en el papel de Visconde de Valmont, se propusieron enfrentarse a un gran reto, transformarse, poseerse mutuamente, en un juego erótico, sensual, apasionado, perverso hasta volverse bestias, encarnar en otro sexo, hasta llegar a la muerte. La dramaturgia de este autor rompió con la idea de una obra encausada a contar una historia con principio y fin, para ser puesta en escena de forma verosímil. Su búsqueda se centró, en hacer de sus textos un material fragmentado, cuyos trozos permitieran al espectador una experiencia real: dificultarle un acceso intelectual inmediato, para que se viera obligado a reflexionar, acerca de lo que observó. Para Müller, “no se trata de  transmitir contenidos e ideas, sino hacerlo de una forma capaz de otorgarle al teatro una nueva cualidad” Así “las piezas teatrales son proyectos de realidad, ajenos a cualquier mimetismo, exigiendo del espectador, un involucramiento hasta agotarse, pasando por provocaciones e irritaciones”. ¡Felicidades a Ana Isabel y Alan Montaño!, (no actuaron, para representar caracteres, sino se presentaron a través de las acciones) ¡Felicidades al director Antonio Linares!


“Nine”.- Autor: Arthur Kopit y Mauri Yeston. Director: Diego Cortés. Compañía: “Mom Stage”. Delegación Álvaro Obregón, CDMX. Esta es la muestra de lo que se puede lograr, con disciplina, entrega y dedicación, una compañía numerosa, bien coordinada, por el director de escena Diego Cortés, 14 actores y actrices, conforman el elenco. Federico Di Lorenzo es Guido Contini; Jaqueline de Kerpel representa a la esposa; Liz Pavia, Karla Albanesa, Gina Perroni, Paulina Rabay, Patricia Fernández, Alma Zamudio, Nayeli Huerta, Vicky Escudero, Diana Cotera, Beatriz Larios, Cristina Marín, Gabriela Larrea y Santiago Gómez. Sin duda, el director Diego Cortés, tiene oficio, creatividad, disciplina y responsabilidad, lo que le permite manejar un grupo tan numeroso, amén de estar atento a las afinaciones de todo el elenco, porque todos cantan. Las coreografías bien ejecutadas por cada uno de los miembros de baile, simultáneamente, en armonía voces y bailes; los cambios de vestuario, pelucas y atrezzo, fueron precisos, pertinentes, lo mismo que entradas y salidas del escenario. La ‘puesta en escena’ siguió las series poéticas paralelas, que remiten a diseños y objetos poéticos a ‘priori’, lo que da como resultado: Obra de Teatro Musical de excelencia. ¡Felicidades a todo el elenco, por su imagen poética!


Cada año los espectadores, habidos de ver Teatro, asisten asiduamente al recinto del “Teatro Jiménez Rueda” durante el primer mes del año, demuestra que se ha creado ¡público teatral! El único requisito es: formarse para ingresar al recinto Teatral, ya dentro se recomienda apagar celulares, ver-sentir-escuchar para  percibir en toda su poética… ¡La magia del Teatro!